SUONO n° 478

PM1 

Solo il piacere 

di ascoltare 

Ci sono momenti in cui solo la 

musica conta. Quando vuoi dimenticare 

la realtà che ti circonda, 

e immergerti semplicemente 

nella dimensione del 

suono. PM1 è stato creato per 

questi momenti. Il suo tweeter 

al carbonio, l’unità medio bassi 

in Kevlar, il cabinet Matrix 

rinforzato, ovvero una perfetta 

combinazione di elementi per 

rendere tutto il resto privo di significato. 

Sicuramente il più raffinato 

tra i diffusori di piccole 

dimensioni realizzati da B&W. 

www.audiogamma.it

N. 478 

LUGLIO 2013 

Sommario 

EDITORIALE di Paolo Corciulo .....................................................................5 

@SUONO ...................................................................................... 6 

ANTENNA ....................................................................................8 

DALLA PARTE DI PROUST di Daniel C. Marcoccia ..................................................146 

Inside DENTRO LA MUSICA 

RIFLESSIONI SUL MERCATO Eppur si muove di Paolo Corciulo ....................................16 

THOM YORKE / ATOMS FOR PEACE Anatomia di una voce controcorrente di Alfonso Colella ........ 22 

RAY MANZAREK Le due vite di Ray di Massimo Bargna ........................................... 26 

TEHO TEARDO Visione d’insieme di Roberto Paviglianiti ........................................... 30 

STEFANO BATTAGLIA Il mio canto semplice di Maurizio Favot .................................... 34 

ALESSANDRO LANZONI Se non ascolti, parli da solo di Jacopo Cosi ............................... 38 

A FAVORE O CONTRO Perché sostenere Pereira di Pietro Acquafredda ............................. 42 

REPORTAGE METROPOLIS STUDIOS Welcome to the pleasure dome di Paolo Corciulo .............. 44 

LE CITTÀ DELLA MUSICA di Federico Geremei ......................................... 50 

I COLORI DEL SUONO Italia ‘70 di Guido Bellachioma ...............................................55 

Quasi come Guccini... ......................................................................56 

........................................... 60 

Né trucchi né illusioni… .................................................................. 64 

Dedicato ai Semiramis .................................................................... 66 

Il grande gioco dell’Albero Motore ......................................................... 70 

Selector TUTTO IL MEGLIO IN ARRIVO SUL MERCATO 

TECNICA di Agostino Bistarelli ................................................72 

AMPLIFICATORE INTEGRATO a cura della redazione ..................................76 

AMPLIFICATORE INTEGRATO Rotel RA-1 a cura della redazione ............................................82 

DIFFUSORI a cura della redazione ........................................................86 

CUFFIA Focal Spirit One a cura della redazione ................................................................98 

CUFFIA Sennheiser IE 800 a cura della redazione ............................................................102 

AMPLIFICATORE PER CUFFIE Micromega MyZic a cura della redazione ...................................106 

DISCO DEL MESE a cura di Max Stèfani ...........................................................110 

RECENSIONI .................................................................................114 

FILM di Rocco Mancinelli ..........................................................................126 

AMATO MIO LP di Carlo D’Ottavi ..................................................................128 

LINK di Vittorio Amodio ..........................................................................130 

FIORI FRUTTA CITTÀ a cura di Paolo Corciulo .....................................................132 

LIBRI a cura di Max Stèfani .......................................................................134 

Cut‘n’mix MUSICA | CINEMA | LIBRI | SOCIETÀ | ARTE | FUMETTI ...................136

Invito alla liquida 

STREAMING PLAYER AMPLIFICATO 

SIMPLE AUDIO ROOMPLAYER I 

(PREZZO DI LISTINO EURO 799,00) 

+ 

DIFFUSORI Q ACOUSTICS 2010 

(PREZZO DI LISTINO EURO 199,00*) 

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840,00 EURO 

* color grafite (disponibili anche nero laccato 

con sovrapprezzo 20 euro) 

FINO AL 31 LUGLIO 

Tutto quello che serve 

per ascoltare 

 

 

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Editoriale 

di Paolo Corciulo 

Se la cultura non si mangia, 

chi si mangia la cultura 

Fiera e disperata al contempo, la 

bionda violinista suona tra le lacrime 

e guarda il suo strumento 

come si guardano i propri cari quando si 

sa che non li si vedrà più: è l’ultimo concerto 

dell’Orchestra della TV di Stato Ert, dismessa 

come la rete televisiva pubblica greca… 

 

si salverà, in extremis per l’intervento del 

sindaco Renzi che si è impegnato a ricoprire 

i buchi di bilancio. Sembra davvero, per dirla 

con Tremonti, che “la gente la cultura non 

se la può mangiare” e dunque a far cultura 

si rischia di morire di fame! 

Poco importa, verrebbe da dire, di 

fronte a una crisi economica ben 

più grave che può passare sopra 

 

Quest’ultima interpretazione della musica, 

sembra quella accreditata a spiegare l’assordante 

silenzio sancito dalla sedia vuota, 

bianca, lasciata vacante da Papa Francesco 

in occasione del concerto dell’Orchestra 

nazionale della RAI per l’Anno della 

Fede. Come se il Papa abbia ritenuto, nel 

suo quasi ossessivo marcare il distacco da 

quella chiesa opulenta e lontana dai valori 

di povertà e semplicità di S.Francesco, che 

arte e fede, musica e spirito non possano 

arricchire entrambe l’anima. Se così fosse, 

e io spero che non lo sia, Papa Francesco 

sbaglierebbe, avvalorando l’ipotesi che l’arte 

nelle sue svariate forme di cui la musica è 

una delle più immediate (la prima cosa che 

fa un bambino per comunicare appena viene 

al mondo è emettere il suo grido), è cosa 

troppo complessa per l’anima, soprattutto 

per quella del popolo. 

E in questa bella Italia, dalle tante risorse 

mal sfruttate, si aggiungerebbe un altro 

tassello ai tanti, tra tutti quello delle risorse 

 

il nostro paese spende, in media, poco più 

di un terzo degli altri), per mantenere quel 

“popolo” nell’ignoranza; non si diceva un 

tempo che “la religione è l’oppio dei popoli” 

Sostituite “religione” con “televisione”, 

“Non è che la gente la cultura se la mangia...” 

Giulio Tremonti 

“predicatori d’accatto” o quel che si vuole 

e l’equazione non cambia: può far comodo 

mantenere i più nell’ignoranza… 

Non è lo scopo di questa rivista che, nel suo 

piccolo, tenta invece di svincolarsi dalle 

 

numero, articolo dopo articolo la realtà in 

maniera consapevole e questa consapevolezza 

tenta di trasferirla ai suoi lettori anche 

loro malgrado, resistendo alla tentazione 

di fare quel che è più semplice, di scrivere 

quel che ci si vuol sentire dire. Scomoda, 

semplicemente spiacevole: è la realtà che 

andiamo cercando, lontani dall’oppio e da 

ogni forma di ottundimento (o almeno ci 

proviamo). 

Chi sono io per alzare la mia voce in materia 

Nessuno. Ma vi posso dire che in questi giorni, 

di fronte alla violinista greca, di fronte 

 

mi è tornata in mente un’immagine di molti 

anni fa: era il 1988 e in occasione dell’IFA di 

Berlino mi ritrovai a pernottare nella parte 

est della città. Sì, esisteva ancora il Muro e 

la stazione della metropolitana che sanciva 

la dogana era presidiata da guardie e cani 

 

Checkpoint Charlie avevo assistito ad una 

perquisizione al pullman che mi avrebbe 

riportato al di là del Muro (come ogni mattina) 

che - anche solo minimamente 

- dava l’idea di quel che stava passando 

lì la gente. Alla sera, dal lussuoso 

ma decadente Grand Hotel 

che mi ospitava, mi ero “arrischiato” in una 

 

spazi grandiosi in contrasto con negozi vuoti 

di ogni genere di prodotto, dove era persino 

 

lire che eri costretto a cambiare in moneta 

 

qualche fumosa Trabant (queste vetture 

erano a due tempi!) e un peso, enorme, lì, 

proprio sull’anima… 

Su una piazza, enorme e manco a dirlo e vuota, 

improvvisamente si riversarono migliaia 

 

uomini e donne singoli o che si tenevano 

per mano. Chiassosi allegri, vitali: erano 

appena usciti da un concerto e tutto questo 

a me, fece bene all’anima! 

SUONO luglio 2013 5

CI AVETE DETTO CHE... 

scrivete a p.corciulo@suono.it & max.stefani@suono.it 

@SUONO 

EVVIVA IL MICROLUSSO 

Ho letto l’editoriale di questo mese e 

devo darle perfettamente ragione. Devo 

dire che anche con molto meno di 1.000 euro, 

cercando in rete, sono riuscito ad assemblare 

un impiantino da scrivania che, a mio modesto 

parere, suona e mi procura momenti di 

“godimento musicale”. Allora: pc netbook 

Asus (che già possedevo), ampli classe D Fe- 

 

 

ma dopo un opportuno rodaggio dei minidiffusori 

in questione, i quali appena sballati 

suonavamo malissimo, tanto da farmi credere 

di aver sbagliato acquisto, devo proprio dire 

di essermi ricreduto a tal punto da passare 

ore e ore ad ascoltare musica liquida sia in 

formato compresso sia in formato lossless; in 

 

wow! Ora, considerato che non potrei mai e 

poi mai permettermi le Avalon e compagnia 

andante, vorrei fare una considerazione. Ma 

vale davvero la pena spendere interi patrimoni 

per assemblare impianti per i quali bisogna accendere 

un mutuo ventennale per poi sforzarsi 

di ascoltare il lieve tossire dello spettatore che 

 

destra In fondo ciò che interessa veramente 

 

certi negozianti che se non entri con un bell’assegno 

a molti zeri non si degnano neanche di 

darti uno sguardo, anzi ti trattano da pezzente 

Io da parte mia preferisco la musica. 

Michele Sclafani - Cesate (MI) 

Sono un vecchio nuovo lettore della 

- 

 

in relazione al suo editoriale del numero di 

 

me) miracoloso impianto per sentire musica 

(liquida) con meno di mille euro. Faccio 

una premessa per farmi inquadrare meglio: il 

 

a metà anni ‘90 (credo che tra tutto si arrivi 

attorno ai 100 anni di età, ma devo dire che 

funziona ancora egregiamente), da allora in 

poi mi sono “disinteressato” a tutto il settore 

limitandomi a sentire musica e dedicando- 

 

successe di cose, per esempio ho imparato a 

usare il computer (poco e male) abbastanza 

per farmi trascinare nel mare magnum degli 

mp3, abituandomi così a fruire la musica in 

modo diverso. Ora, leggendo la sua rivista 

 

e di tutto quello che ci viene appresso e mi 

chiedo se non sia il caso di... aggiornarmi. Dico 

subito che, essendo io un metalmeccanico, i 

soldi da eventualmente investire nell’opera 

andranno in qualche modo tolti a qualcosa 

d’altro... Quindi mi chiedo: ha senso aggiungerci 

un aggeggio come l’M2Tech HiFace per 

cercare di sentire un po’ meglio quello che 

esce dal computer (tenendo presente che non 

 

tenta, ma credo che in ordine di acquisto venga 

dopo l’M2Tech, anche perché non ho molto 

chiaro come potrei usarlo: se lo sostituisco 

al mio Technics non potrò più usare lettore 

 

dovrei trovare il modo di collegare le mie casse 

 

fare. Insomma, un sacco di dubbi, a cui si 

aggiunge l’ultimo: ma in tutta questa catena 

sonora che importanza assume il software che 

 

uguali I computer anche Io per esempio 

 

completo e versatile, ma sicuramente ce ne 

saranno di migliori... 

Luca Mozzi 

Non da oggi vado dicendo che la frontiera 

più interessante che si è andata delineando 

in questi ultimi anni è quella del microlusso, 

affiancata da nuove aree di pertinenza 

nell’ascolto della musica riprodotta che 

aprono le porte ad un rimescolamento degli 

equilibri del mercato, a patto che gli attori di 

quel mercato se ne accorgano. Obtorto collo 

anche gli italiani (gli operatori intendo…) 

prenderanno atto di quello che i loro colleghi 

esteri hanno infine capito, tornando a 

confrontarsi su quella che è la fascia più bassa 

 

che può creare aperture allo sviluppo del 

mercato. Le due lettere che pubblichiamo ne 

sono una testimonianza. 

E si è diffuso (o si diffonderà) il dibattito e, 

spero, una nuova forma di pensiero che non 

guardi con la stessa alterigia dei due coniugi 

della Dacia Duster (pubblicità tv) alle forme e 

alle soluzioni per ascoltare musica. 1.000 euro 

bastano per ascoltare musica Sicuramente 

bastano in generale per cominciare con 

soddisfazione. Nel campo della liquida quei 

mille euro (nel caso segnalato nell’editoriale 

servivano per un pc tablet, l’HiFace DAC, 

il Nuforce e una coppia di B&W) possono 

dar vita ad una rappresentazione sonora di 

tutto rispetto. 

Certo, l’approccio alle nuove forme della 

riproduzione sonora comporta nuove 

competenze e le molte domande del lettore 

Mozzi ne sono una dimostrazione: purtroppo 

per rispondere a tutte ci vorrebbe una… liqui- 

 

 

una modica spesa (200 euro per l’HiFace) 

consente di usufruire di tutte le nuove forme 

di consumo musicale (penso a Spotify e simili 

oltre ai più tradizionali fornitori di musica 

 

in alta risoluzione anche con un impianto 

“archeologico” male non fa; 2) è importante 

comprendere se il computer verrà dedicato 

interamente all’hi-fi e se in alternativa 

è possibile far convivere logisticamente 

esigenze di produttività individuale e 

l’intrattenimento domestico. Nel caso che 

 

attorno al computer un secondo sistema, 

da minimale - con una spesa di circa 300 

euro (una cuffia di qualità o dei diffusori 

 

WS100) - a più “strutturato”. 

 

6 SUONO luglio 2013

MC 601 

POWER AND BEAUTY 

Finale monofonico MC 601 

Una performance assoluta nasce dal perfetto 

equilibrio tra purezza musicale e una riproduzione 

sonora di altissima qualità. 

MC 601 è straordinaria potenza per un suono 

che è già leggenda. Un design senza tempo, 

nel segno di una grande tradizione.

SEGNALI DAL MONDO 

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Antenna 

Se 125 vi sembran pochi… 

Motocicli, strumenti musicali, motori marini e, 

quella che sarebbe diventata, a Hamamatsu, 

125mo anniversario con 4 prodotti hi-end, due 

 

tende 

entusiasmo assoluto, uno stato mentale 

 

di ispirazione… Kando, ovvero emozione: come 

quella di Mitsuru Umemura, attuale presidente 

- 

Elton John trasmessa in contemporanea in 

do, 

presumibilmente, l’intuizione che condusse 

 

 

 

 

- 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 



1 

2 

Yamaha CD-S3000 

€ 4.299,00 

43,50 x 14,20 x 44 cm (lxaxp) 

19,20 kg 

da tavolo - 

- 

CD, CD-R, CD-RW, 

MP3, SACD stereo, 

WMA 

ESS 32 

bit - 

32 bit - 192 kHz 

2-20.000 (CD), 2-50.000 +0,-3 dB (SACD) THD 

0,002 116 

stereo, bilanciata coassiale, ottico, 

USB standard ottica, coassiale 

ingresso USB con driver Asio 2.0 Yamaha 

Steinberg per file HiRes. 

3 

 

 

 

 

- 

 

 

 

- 

 

 

 

 

 

Paolo Corciulo 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

4 

Yamaha A-S3000 

€ 4.799,00 

43,50 x 18 x 46,40 cm (lxaxp) 

24,60 kg 

stereo - 

a stato 

solido 2 

x 100 W su 8 Ohm 

(160 W su 4 Ohm) 

in classe AB - 

 

telecomando, ingresso cuffia, controlli 

di tono 5-100.000 +0,-3 dB THD 

0,025 74 

103 MM (2,5 mV/47 kOhm) MC (0,1 

mV/50 Ohm) 4 RCA (200 mV/47 

kOhm) 2 XLR (200 mV/47 kOhm) - 

2 RCA. 

Yamaha Music Europe GmbH 

Branch Italy 

Viale Italia, 88 - 20020 Lainate (MI) 

Tel. 02-935771 - Fax 02-9370956 

www.yamaha.it 




Una “D” per Spendor 

Diffusori Spendor D7 

Prezzo: € 4.365,00 

Dimensioni: 19,2 x 95 x 32 cm (lxaxp) 

Peso: 21 kg 

Per info: www.dmlaudio.it 

Tipo: da pavimento Caricamento: Spendor bass 

reflex a flusso lineare smorzato N. vie: 2,5 Potenza 

(W): 200 Impedenza (Ohm): 8 Frequenze di 

crossover (Hz): 900 e 3.200 Risp. in freq (Hz): 29- 

25.000 Sensibilità (dB): 90 Altoparlanti: Wf 18 cm 

Spendor composito kevlar, Md Spendor EP77 18 

cm, Tw Spendor cupola 22 mm LPZ Rifinitura: ciliegio 

chiaro, nero, quercia chiara, noce Note: mono 

wire. Versione finitura pregiata Premium Spendor 

scuro o bianco euro 4.989. 

- 

 

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C.D’O) 

Springsteen e il suo social movie 

Arriverà il 22 luglio anche in Italia, in contemporanea mondiale, Springsteen 

& I, il primo social movie a carattere musicale incentrato sulla rockstar americana. 

Prodotto da Ridley Scott, Springsteen & I documenta la vita e la lunga 

carriera di Bruce Springsteen attraverso gli occhi e le emozioni dei suoi fan, 

portando alla luce le fantasie, le speranze e le riflessioni sull’influenza che le 

canzoni del Boss hanno esercitato sulla loro vita e come l’hanno cambiata. 

Le info riguardo le sale cinematografiche coinvolte e le iniziative legate al 

fim saranno rese note sui social dedicati all’evento, su Facebook e Twitter 

#SpringsteenAndI 

Qui l’indirizzo del trailer: www.youtube.com/watchv=HVQUeCi9V0s 


EXCLUSIVE HI-END & VIDEO 

 

 

 

 

 

 

, Kef.



Parola di Matsudaria 

Fonorivelatore 

My Sonic Lab Eminent Signature Gold 

Prezzo: € 9.240,00 

Per info: www.audioreference.it 

Nobili natali 

Convertitore Weiss Medus 

Prezzo: da definire 

Per info: www.tedes.it 

Sistema di conversione: 24 bit Frequenza di campionamento 

(kHz): 192 Ingressi digitali: AES/EBU, 

S/PDIF, USB Uscite analogiche: bilanciata XLR e 

sbilanciata RCA Note: ingressi digitali ottico in fibra 

di vetro e Firewire opzionali. DSD via USB. Display 

LCD. Telecomando. Livello d’uscita selezionabile 

nel dominio analogico. 

Fedele alla mitologia greca, Weiss, dopo la 

meccanica digitale Giasone e il convertitore 

Medea sceglie il nome di Medus, Medo in ita- 

 

menzionata, per il convertitore di riferimento 

del costruttore svizzero che succede proprio 

al Medea ultima versione, quello Plus. Del 

predecessore adotta la medesima architettura 

del DAC proprietario. Si tratta di un 32 

bit realizzato con 8 moduli di guadagno per 

canale Weiss Sota OP1-BP. Questo modulo 

 

appositamente pensato per l’audio e lavora 

completamente in bilanciato dallo stadio di 

conversione a quello d’uscita. Le principali 

differenze si sono concentrate sull’alimentazione 

potenziata e sulla comparsa di un 

display a LCD che segnala l’ingresso selezionato, 

il bit rate e la frequenza del segnale 

agganciato. L’ingresso USB supporta anche 

segnali nativi in DSD dei quali Weiss è in 

grado di effettuare la conversione PCM grazie 

al software proprietario Saracon, ritenuto 

uno dei migliori al mondo attualmente disponibile. 

Tramite telecomando è possibile 

controllare il volume principale. Il Medus può 

 

dalle sue uscite analogiche, in bilanciato o 

non, potendo scegliere il livello d’uscita otti- 

C.D’O) 

Tipo: MC Tensione di uscita (mV): 0.5 Risp. in freq. 

(Hz): 10-50.000 Forza di appoggio (g): 1,9-2,2 Separazione 

canali (dB): >30 Bilanciamento tra i canali 

(dB):


Un forte “Impulso” 

Convertitore North Star Design 

Impulso 

Prezzo: € 1.350,00 

Dimensioni: 30 x 7 x 17 cm (lxaxp) 

Peso: 3,5 kg 

Per info: www.audiograffiti.com 

Sistema di conversione: 32 

bit Frequenza di campionamento 

(kHz): da 44,1 a 384, a 32 bit DSD 

nativo 325,8-384 su USB Sovracampionamento: 

x 64, x 128 THD 

(%): 0,0003 Ingressi digitali: 4 S/ 

PDIF: 2 RCA coax, 2 TosLink; 1 USB 

2.0 Uscite analogiche: bilanciata 

XLR e sbilanciata RCA Note: DAC 

ESS Sabre ES9016, configurazione 

doppio bilanciato; filtri digitali selezionabili 

distinti tra modo PCM 

e DSD; fase: 0° e 180°. USB asincrona 

Hi-Speed; supporta segnali in 

DSD nativo 2,8-5,6 Mbit/sec e a 32 

bit/384 kHz. 

Il più piccolo dei nuovi convertitori 

North Star (Excelsior 

ed Extrema, gli altri due) si distingue 

per le dimensioni più 

contenute, per un più ridotto 

numero d’ingressi - cinque 

contro i sette degli altri - e per 

l’utilizzo di un chip, sempre 

dello specialista ESS Sabre. 

Come gli altri due l’Impulso è 

in grado di gestire i suoi quattro 

ingressi digital S/PDIF e i 

relativi segnali nei formati fino 

ai 192 kHz dell’Hi Res. Tramite 

l’ingresso USB è possibile inoltre 

elaborare file musicali scaricati 

in DSD. Filtri digitali sono 

selezionabili distintamente 

nella modalità PCM e in quella 

DSD. La presenza di un controllo 

di volume master e la 

possibilità di variare il livello 

d’uscita, in bilanciato o sbilanciato, 

consente di utilizzare il 

DAC come preamplificatore digitale 

pilotando direttamente 

dei finali di potenza. L’unica 

mancanza significativa per questa 

tipologia è uno stadio appositamente 

dedicato per una 

eventuale uscita cuffia, cosa 

invece sempre più presente in 

modelli della concorrenza. I 

due DAC superiori, l’Excelsio 

e il Supremo adottano un chip 

di conversione sempre ESS Sabre, 

ma si tratta dell’ES9018 di 

prestazioni audio leggermente 

superiori rispetto all’ES9016 

montato nell’Impulso. Inoltre 

possiedono due ingressi digitali 

in più: uno bilanciato AES/ 

EBU di tipo XLR e uno I2S nel 

formato RJ45. (C.D’O) 

Alta “valenza” 

Diffusori Avantgarde Acoustic Zero 1 

Prezzo: da definire 

Dimensioni: 49 x 104 x 38 cm (lxaxp) 

Peso: 30 kg 

Per info: www.h-fidelity.com 

Tipo: da pavimento N. vie: 3 Potenza (W): attivo 

a tre vie: totale 500 Frequenze di crossover 

(Hz): 250 e 2.000 Risp. in freq (Hz): 30-20.000 Sensibilità 

(dB): > 104 Altoparlanti: Wf 30 cm, Md 

12,5 cm caricato a tromba, Tw 25 mm caricato 

a tromba Rifinitura:bianco o grigio scuro Griglia: 

solo per woofer. 

Avantgarde presenta un diffusore insolitamente 

compatto, almeno per le sue abitudini, 

dal costo tutto sommato abbordabile, specie 

se si osserva che tutto quello che necessita per 

ascoltarlo è una sorgente digitale, in quanto 

lo Zero 1, questo il suo nome, incorpora 

tutta l’elettronica che serve per completare 

 

digitale. Si tratta di un tre vie con i medi 

e alti caricati, naturalmente, a tromba dal 

 

 

 

l’uno in classe AB. Quattro sono gli ingressi 

digitali, 2 S/PDIF su RCA, 1 ottico TosLink e 

uno USB. Il crossover, sempre nel dominio 

digitale è un DSP a sei canali. Il DAC è triplo 

da 24 bit della Burr Brown. Dei due diffusori 

uno è il master che trasmette il segnale audio 

in wireless all’altro, lo slave. La trasmissione 

wireless è a quattro bande, una per ogni via 

più una per il livello globale del sistema. Il 

tutto è inserito in un mobile monoscocca di 

poliuretano realizzato per stampo. Un unico 

pezzo, con la sola eccezione per il pannello 

 

tromba del medio e degli alti. Finiture bianco 

e grigio molto scuro. Alla base un’ampia staffa 

metallica per rendere stabile la struttura. 

Il prezzo dovrebbe essere tra i 9 e i 10mila 

euro, più abbordabile rispetto alla restante 

produzione ma senza avere snaturato le caratteristiche 

più tipiche delle acustiche di 

Avantgarde. (C.D’O) 


RAY MANZAREK 

Vita e opere di un’altra 

leggenda che ci ha 

lasciato. p. 26 

ENFANT PRODIGE 

Stefano Battaglia e il suo 

fare jazz attraverso la 

semplicità. p. 34 

ARRIVA PEREIRA 

La successione di Lissner 

alla Scala non è impresa 

facile. p. 42 

RIFLESSIONI SUL MERCATO 


Eppur si muove 

Ascoltare la musica è un hobby bellissimo, ascoltarla bene non solo 

è ancor più bello ma è quasi un doveroso omaggio a chi lavora, fatica e tenta 

di trasmettere le sue emozioni a chi poi lo ascolterà…

C 

è stata un’epoca in cui l’ascolto della musica era un vero e 

’ 

proprio fenomeno sociale, coincidente con la “liberazione” 

dei costumi e delle idee, non solo del nostro paese ma in 

tutto il mondo. È il periodo più creativo della musica, quello che ci 

ha regalato capolavori indimenticabili ma anche un’epoca di grande 

fulgore di tutto quello che ruotava attorno alla musica: a cavallo 

tra gli anni ‘60 e ‘70, con il passaggio dalle valvole ai transistor, la 

riproduzione musicale da hobby riservato a pochi sarebbe diventata di 

pubblico dominio, complice anche, tra i giovani di allora, la mancanza 

di alternative! Esistevano due soli canali televisivi, rigorosamente 

di stato, non erano ancora nate né le radio libere, né, tantomeno, 

videogiochi, computer, telefoni cellulari… Da lì a poco sarebbero 

arrivati inoltre i produttori giapponesi per rendere ancor più 

accessibili gli apparecchi per la 

riproduzione della musica… 

Legnano: Dan D’Agostino 

Scorrendo le immagini dell’epoca, 

ammirandone le realizza- 

presso Il Centro della Musica. 

zioni, tanto dal punto di vista 

artistico che tecnologico, non 

può sfuggire il grande senso 

di ricchezza, a tratti opulenza, 

che attraversava il mondo della 

musica (non a caso c’è chi par- 

 

noi aggiungiamo, altrettanto si 

potrebbe dire per la musica in 

generale). Gli anni a seguire, fatti 

salvi i cambiamenti di attori, metodologie, 

supporti e tecnologie, 

sembrano riproporre, via via più 

stancamente, quello che diventa un cliché, quasi che l’unica strategia 

di sviluppo (o di sopravvivenza) fosse da un lato aumentare i 

 

 

intrapresa da alcune aziende di elettronica, segnatamente quelle 

orientali) depauperando inevitabilmente la qualità dei beni e dei 

servizi offerti. Una politica che non è riuscita nel tempo a preservare 

 

e l’altro approccio. La debolezza di questa “forma pensiero” per me 

è sintetizzata dall’epopea della Sony. Ai tempi in cui cominciai ad 

occuparmi di questo settore, uno dei refrain più ricorrenti dipingeva 

l’azienda giapponese come “uno dei cinque marchi più conosciuti al 

mondo” (IBM, Ford, Coca Cola gli altri; con un vuoto di memoria, mi 

 

di “guinea pig” (i porcellini d’India utilizzati come cavie) per la sua 

propensione ad affrontare il nuovo, l’ignoto, con insospettabile veemenza, 

risultati alterni ma inscrollabile determinazione: storico il 

 

video!). Altrettanto storico fu il “rumore”, prima, il successo poi, per 

aver inventato (noi vecchi, cresciuti con il mangiadischi, diremmo 

“reinventato”) il mercato della musica portatile. Dico “musica portatile” 

perché l’occasione si presentò attraverso la duplice forma del 

programma e degli strumenti per ascoltare un programma, costituiti 

dalla nascita delle compilation e della possibilità, assai congeniale 

ad esse, di ascoltarle in mobilità. Nasceva il Walkman, un riproduttore 

a cassette appena più grande della cassetta stessa; di lì a poco 

 

di prodotto, indipendentemente dalla sua marca ma comunque 

in modo da sancire il successo della Sony nel settore. Una rendita 

di posizione che l’azienda aveva conquistato anche nel campo dei 

televisori con il “Triniton”… 

Limitandoci al settore della riproduzione musicale, va notato che la 

Sony, aveva anche compreso che il settore dell’hardware poteva bene- 

 

CBS, oggi Sony Music): tutti elementi che farebbero immaginare una 

egemonia assoluta e duratura; non è stato così! Lo tzunami Apple 

ha fatto piazza pulita nell’uno e nell’altro pur partendo da zero in 

entrambi i settori, mettendo a nudo le debolezze del leader e degli 

altri che gli stavano attorno! Andate oggi a chiedere ad un ragazzo 



Monsummano Terme: Audio Natali festeggia gli 

oltre 50 anni di attività del negozio. 

Nella pagina accanto: Audio Sound ha ospitato 

l’anteprima nazionale della serie Roma di 

Synthesis. 

(e non solo ad un ragazzo…) che cosa è un walkman e che cosa è un 

iPod! Se questo è accaduto, le ragioni sono principalmente due: da 

un lato la spallata tecnologica costituita dalla nascita e dalla crescita 

 

rivoluzione dopo la nascita del vinile; dall’altra le conseguenze della 

globalizzazione che, come sosteneva lo stesso fondatore e a lungo 

presidente proprio di Sony, Akio Morita, di fronte ad un’assemblea 

allora sbigottita (si trattava di tempi non sospetti), avrebbe “ridotto 

a 4/5 i player del settore e speriamo che tra questi ci sia ancora la 

Sony”. Rivoluzione tecnologica e rivoluzione economica: due elementi 

ognuno caratterizzato dalla possente capacità di mischiare il mazzo 

delle carte e servirne di completamente nuove, alla faccia delle rendite 

di posizione! Per inciso, l’elemento ulteriore che ha caratterizzato 

gli sconvolgimenti non solo del mercato dell’elettronica di consumo 

ma dell’economia mondiale tutta è l’affacciarsi, all’interno di un 

fenomeno di concentrazione, di nuovi soggetti: Corea, Cina, India… 

Non c’è torta abbastanza grande da non cacciare fuori dal tavolo, o 

renderlo residuale, qualche commensale. 

Non si può dunque dire che la parola “cambiamento” non faccia 

parte dell’humus e dello sviluppo di un settore come quello dell’intrattenimento 

domestico; eppure abbiamo a lungo assistito ad un 

 

discostavano dal passato: se andiamo a vedere quello che è lo specchio 

di un settore, nel nostro caso la maggiore manifestazione italiana dedicata 

ai prodotti per la riproduzione sonora, il Top Audio (diventato 

poi Top Audio & Video), la sua formula è rimasta sostanzialmente 

la stessa dalla sua nascita all’ultima edizione, affermazione che 

APPUNTAMENTI 

posso sostenere con dovizia di 

testimonianze, avendone presenziato 

ognuna delle oltre venti 

14 - 15 settembre 

Audiario di Settembre 

edizioni! Stesso ragionamento 

H2c Hotel - Via Roggia Bartolomea 5 

Assago (Mi) 

si potrebbe applicare, e lo può 

tranquillamente fare da sé anche 

28 - 29 settembre 

chi ci legge, alle politiche e alle 

Gran Galà dell’Alta fedeltà strategie dei punti vendita e, in 

NH Fiera Rho Milano 

 

tutta dedicata ai prodotti per la 

riproduzione sonora. Perché non estendere poi l’analisi alle riviste e, 

conseguentemente, ai lettori delle stesse e, in genere agli appassio- 

 

e impreparato ai cambiamenti che di fronte ad essi si ritrae nella 

propria nicchia pensando che sia una cuccia sicura. Ma questa nicchia 

nella logica economica moderna non è più praticabile né è possibile 

declinare il concetto di qualità senza considerare le economie di scala. 

 

 

vale ancor più nel nostro settore dove si assiste ad un ossimoro mal 

digerito, anzi per niente accettato: i prodotti di alta classe e qualità 

 

da chi scrive in passato, ma che “non passa” né tantomeno trova il suo 

refugium peccatorum nell’alternativa, ’o famo artigianale, di cui al 

consumatore piace la favola e l’essenza, non lo scotto da pagare! Ecco 

così che il mondo della musica e della sua riproduzione si ritrovano 

in un corto circuito che rappresenta il passo prima della caduta a vite 


se non si mettono in atto le contromisure; un mondo che, invece di 

cercare soluzioni e alternative, genera mostri (come si può parlare 

seriamente di rinascita del vinile senza inserire la sua pur inusuale 

parabola all’interno di quel 1% che rappresenta nel mercato musicale) 

di ogni genere, incluso il pre da 20.000 euro dove la lamiera 

del mobile taglia e la diafonia è tale che la soluzione consiste nello 

staccare un ingresso per utilizzarne l’altro (a noi è capitato e questo 

è il consiglio del distributore che, sorprendente, ne ha avuto a male 

per il giudizio non lusinghiero…). 

Poiché questo accade non è un merito, ma rientra nel minimo sindacale, 

azzeccare almeno alcune previsioni su sorti e andamenti già delineati e 

io rivendico quel “minimo” di lucidità in svariati casi, opportunamente 

segnalati da questa rivista: la sorte dei formati SACD e DVD Audio, 

la nascita della liquida, l’inutilità delle manifestazioni perlomeno nel 

format attuale… Per quest’ultimo argomento, e così veniamo al punto, 

SUONO si è spesa nel tempo non per distruggere ma per cambiare, 

prima evidenziando limiti e pecche del modo di organizzarle, poi 

 

protesta (la mancata partecipazione al Top Audio 2011, quella formale 

e di provocazione del 2012). Fatto è, e non consideratemi anche voi 

che leggete come il grillo parlante (si tratta solo di buon senso), che 

il Top Audio quest’anno non si fa e a mio parere (potete credete sulla 

 

a se stesso… Il che a ben vedere può rappresentare un’opportunità, 

anche se forse era meglio non sedersi con le gambe a penzoloni sul 

baratro per accorgersi che è ora di cambiare! Sindrome della Fenice… 

Comunque sia, cercando di interpretare in modo positivo la situazione, 

l’opportunità che ci si schiude davanti è quella di ridisegnare un panorama 

dove comunque almeno qualche elemento si va delineando: 

solo in questo numero di SUONO potete trovare vari argomenti che 

dovrebbero stimolarvi in tal senso: dal ruolo della “bellezza” all’evoluzione 

delle forme della musica. A questo punto si tratta di vedere 

se chi riempirà il vuoto lasciato dal quel che è stato lo farà nel solco 

della tradizione o, con un impeto di ingegno, delineando nuovi scenari. 

Tra questi mi sento di segnalare la rinnovata energia di alcuni 

punti vendita che grazie al ricambio generazionale o semplicemente al 

mutato punto di vista, hanno cominciato a disegnare ipotesi e format 

chi più chi meno nuovi. C’è un negozio del nord relativamente nuovo, 

esattamente a Legnano, che già da tempo organizza, con la partecipazione 

delle aziende, delle giornate a tema. C’è n’è un’altro che pur non 

essendo esattamente al centro della terra (a meno che il baricentro 

non si sia spostato a Monsummano!) festeggia i suoi 50 anni di attività 

mostrandosi più bello che prima e, soprattutto, accoglie i clienti 

con una buona rappresentanza di prodotti economici per la liquida 

perché: “bisogna accogliere i giovani e mostrargli come possono 

migliorare i loro ascolti” (maggiori delucidazioni nel prossimo numero 

di SUONO). Il bello è che in quella stessa Monsummano (che non è, 

lo ribadisco, il centro del mondo!) c’è un ulteriore negozio che vive 

anch’esso di buona salute e, spostandosi più a sud c’è chi con opera 

meritoria torna a dar spazio a Mark Levinson, lui in persona non il 

 

in musica, suonata, dagli stessi protagonisti. 

L’unico limite è la nostra fantasia Dovremmo cominciare a pensarlo 

perché iniziano ad essere più d’uno i casi in cui la fantasia e la 



L’EVOLUZIONE DELLA MUSICA 

determinazione portano a buoni risultati: ne ha molta di entrambe 

 

e “vision” il mercato se lo sta “pappando” e in questa luce offrirà da 

qui a breve una nuova esperienza sonora; prove di trasmissione in 

atto negli States e ho già detto troppo, essendo vincolato all’embargo 

sull’argomento! Sembra insomma il momento delle proposte e tra 

queste vanno annoverate quelle che più direttamente riempiranno 

il vuoto del Top Audio: due mini manifestazioni entrambe a Milano, 

l’una a pochi giorni dall’altra, sono già in programma. Una, 

il Gran Galà organizzato da Giulio Cesare Ricci, appare, almeno 

sulla carta, quella più tradizionale nel senso che si allinea ad un 

Caserta: presentazione del nuovo 

marchio Daniel Hertz by Mark 

Levinson, presso Audio Corner. 

format già consolidato e può vantare ormai edizioni in varie città 

a cui si aggiunge quest’anno sia Milano (28 – 29 settembre) che 

Torino (26 – 27 ottobre). L’altra, l’Audiario di Settembre, è una 

completa novità perché non ha precedenti. Ecco come la presenta 

Marco Lincetto che ne è il mentore: “Non vuole essere l’ennesima 

 

 

 

”. 

Comunque vadano, entrambe le manifestazioni nonché gli altri 

eventi programmati e quelli che lo saranno, nessuna e nessuno al 

momento sembra in grado riempire 

il vuoto lasciato dall’unica 

organizzazione destinata alla 

promozione dell’alta fedeltà, 

quell’APAF che, oltre a rinunciare 

quest’anno ad organizzare 

il Top Audio, ha anche una presidenza 

vacante che non lascia 

ben sperare. Eppure è proprio 

da qui a mio parere che si dovrebbe 

ripartire; da un’associazione 

che coordini e indirizzi gli 

sforzi per promuovere un settore 

che vive nel paradosso di 

vedere rallentato il suo sviluppo 

nel momento in cui storicamente 

si ascolta più musica che mai 

nel mondo. 

Modesta opinione di uno che 

immodestamente qualcosa ogni 

tanto l’azzecca…

THOM YORKE / ATOMS FOR PEACE 

di Alfonso Colella 

Anatomia di una voce 

controcorrente 

Thom Yorke è sempre stato un musicista del 

cambiamento e dello sconfinamento, specie quando 

l’azoto che sta nell’aria invade i flussi sanguigni 

e minaccia embolie gassose. Nella semantica di 

Yorke, l’azoto è la routine e la ripetizione. La terapia 

è il cambiamento a trecentosessanta gradi. Amok, 

primo album degli Atoms For Peace (formazione 

che coinvolge musicisti eterogenei ruotanti intorno 

alla scena di Los Angeles) è una sintesi stilistica di 

tutta la stagione Radiohead. 

T 

dall’infanzia deve convivere con una paresi all’occhio sinistro. 

Subisce una serie di operazioni ma con quell’occhio levatoio 

non può sfuggire alle angherie dei bulli. Con una infanzia del genere 

hai tutta una serie di motivazioni per costruirti le ragioni di una tua 

riscossa, senza Chiese e senza partiti. Controcorrente. Yorke a tutt’oggi 

risulta il prodotto di mescolanze e varie sollecitazioni letterarie. Da 

Monbiot a Pynchon, da Chomsky a Douglas Adams, da Elliot a Okri, da 

Vonnegut a Goethe. Ne viene fuori l’identikit di un letterato-rockstar, o 

meglio un trickster-bricoleur, cioè uno che opera negli scarti della realtà, 

 

indirettamente vengono in contatto 

con lui. Forse senza il lavoro 

di un trickster-bricoleur non si è 

capaci di comprendere alcune verità 

e accettarle e la parola chiave è “cambiamento”… 

Succede già nel secondo album dei Radiohead (The Bands - 1995) 

quando Yorke traghetta la band oxfordiana dalle secche del rock convenzionale 

alla musica elettronica. The Bands diventa un pilastro degli 

anni Novanta 

fortemente il sound di quegli anni. Poi con Kid A (2000) i suoi riff e 

accordi jazz, intrappolati tra tessiture classiche e rumori, arriva il primo 


Idioteque 

- 

 

 

Mild und Leise 

 

The Gloaming 

 

 

overdubsglitches 

 

This is the gloaming 

 

- 

 

 

 

 

- 

 

 

 

 

 

 

Just 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Sagra della 

Primavera - 

 

 

 

 

 

(The Creep 

 

 

 

 

 

 

maledettamente speciale 

 

jump cutting 

But I’m a Creep 

 

 

 

 

 

 

“sono una nullitàsono grande e posso superare 

 

The Creep 

 

Amok 

 

- 

- 

 

 

 

 

 

 

 

- 

Before Your Very Eyes… 

- 

The Creep e in 

 

 

 

 

- 

You’re young and good 

lookin/ The keys to the kingdom/Sooner or later/And before your 

very eyes/Old soul on young shoulders/How you’ll look when you’re 

 

 

 

 

 

 

 

Atoms for Piece 

 

 

 

Rabbit in Your Headlights 


THOM YORKE / ATOMS FOR PEACE 

primo disco degli U.N.K.L.E. Su atmosfere armoniche che si rifanno ad 

Erik Satie, canta “Ho una macchina con dei discreti fari blu e il colore 

dei fari si mescola con la vita selvatica che corre tra i cespugli”. Nel 

frattempo stabilisce contatti con i produttori della scena internazione 

europea, americana e tedesca. Di recente ha collaborato con i Modeselektor 

(This) e con Burial (Mirror). Con questi musicisti condivide 

l’idea di liberare la musica elettronica dagli spazi angusti del clubbing 

per farla arrivare negli apparati stereofonici domestici dove è più facile 

valorizzarne certe sfumature dark e crepuscolari. Nel 2009 collabora 

ad un brano del rapper mascherato MF Doom (Gazzillion Ear, 2009). 

Con lui condivide un’esigenza di sintesi, secondo cui le cose interessanti 

devono essere dette in una breve frazione di tempo musicale e in modo 

atipico, anche a rischio di risultare poco didascalici e manifesti. Questo 

approccio estetico già era presente nell’esperienza con i Radiohead. 

Si pensi a quei testi, video e persino magliette della band che ancora 

 

questa o quell’altra canzone. Perché quel modo insolito di pronunciare 

le parole E poi quegli orsi che sogghignano e i minotauri che piangono. 

Stessi enigmi si trovano nei testi e nelle simbologie di Amok. Forse i suoi 

testi sono tutti esiti di conversazioni orecchiate qua e là o resoconti di 

un diario personale amaro e triste. Fatt’è che ogni frase richiede sempre 

una ermeneusi perché le modalità espressive vanno oltre i codici 

convenzionali. Come accade in Default, la seconda traccia del disco, 

dove Yorke sembra guardare al suo passato. Le tastiere sono suonate 

come fossero degli archi, mentre il mix di beat e percussioni spalma 

una venatura di nervoso in tutto il brano. “I’ve made my bed/And I’m 

lying in it./But it’s eating me up,/But it’s eating me up,/It’s eating me 

up (If I could feel all the snakes on my heads) (Ho fatto il letto e mi 

sono disteso. Ma mi sta consumando. Ma mi sta consumando. Mi sta 

consumando (se potessi sentire tutti i serpenti nella mia testa) Il basso 

costruisce una linea luttuosa sulle note di SIb, SI, SOLb, LAb, Mib. Le 

tastiere suonano all’unisono e reggono una melodia cantilenante che non 

 

non c’è un preciso approdo armonico, tutto è lasciato nell’indeterminato 

 

cataloghi della Warp Records. In Ingenue (la terza traccia) è ancora un 

 

cupo. La voce di Yorke si inerpica per cantare quella che potrebbe essere 

interpretata come una storia d’amore molto intensa (Ti conosco come 

il palmo della tua mano). Dropped, che è la quarta traccia, parte lenta 

per poi accelerare con l’inserto del basso e di una drum-machine. Il 

testo si impone per gli aspetti deleteri provocati dalla ruggine, ma non 

capiamo bene quale sia l’area semantica o affettiva di riferimento: “Sono 

 

romperla/sono ruggine./Aspetto/sono qui/senza peso/ sono ruggine”. 

Se dobbiamo individuare una unitarietà, questa sta nella preponderanza 

di campionamenti a basse frequenze con relativi innesti di rumori seriali 

e compulsivi, mascheramenti digitali della voce, abuso di ridondanze. Il 

tutto ibridato con pattern jazzistici mediati da una tradizione colta che 

rimonta al free jazz. A tratti la voce si presenta come un corpo mutante 

 

accade in Unless, dove la voce di Yorke trasmette perfettamente l’angoscia 

espressa nel testo, mentre la musica si erge su un crescendo di tastiere 

conferendo al brano il climax tipico delle composizioni dei Radiohead. 

Stuck Together Pieces ci racconta di una divisione dolorosa mentre il 

basso duetta con una chitarra. 

Ma soffermiamoci con più calma su Judge, Jury and Executioner 

(traccia numero 7). Forse è il pezzo di maggior rilievo che più degli altri 

rimanda all’esperienza con i Radiohead. Parte con un basso che si muove 

su un disegno sincopato in 7/4 poi sul tessuto ritmico si aggrovigliano 

 

galleggiare. Il testo è coinvolgente. Focalizza su una passeggiata (I went 

for my usual walk) cui segue un buio senza futuro (When darkness 

follows/And no tomorrows), dal momento che tutto è stato deciso da 


ingannevoli spie e voci che rimbalzano nella camera di riverberazione 

(It’s all been decided/ All spies deceptive/ All bouncing voices down the 

echo chamber). Ma non c’è da preoccuparsi, basta riderci su ed evitare 

Don’t worry, 

laugh about/ just can’t talk or reason with my executioner/ Judge and 

jury, executioner/ Judge and jury). Conclude il brano una dichiarazione 

di impotenza “I’m like the wind and my anger will disperse” (Io sono 

come il vento e la mia rabbia si disperderà). 

Ad ogni modo la sequenza Judge, Jury and Executioner già da anni fa 

parte dell’immaginario espressivo di Yorke. Risulta come titolo aggiuntivo 

a Myxomatosis, un brano presente in Hail to the Thief (Radiohead 2003). 

Lì c’era un riff violento di un basso sintetico imbottito di saturazioni 

e su una base ritmica funk. Ci risulta che la myxomatosis è un virus 

 

ciò lascia una forte impressione sui ragazzini. Tuttavia la canzone parla 

del controllo delle menti, e quindi sei indotto a chiederti cosa c’entra 

una tematica del potere con la morte dei conigli per malattia Niente, 

eppure Yorke ha la sensazione di sentirsi scuoiato anche lui. Abbiamo 

l’impressione che la sua incursione nella epidemiologia veterinaria gli 

 

quando viene composto il brano Myxomatosis, Yorke si sente prosciugato 

dall’esperienza del “Jubilee 2000 Drop The Debt” avviata insieme a 

Bono degli U2. Nonostante l’impegno formale, sappiamo che in quella 

occasione i politici non hanno mantenuto i patti e che le loro citazioni 

e le loro promesse sono risultate solo una copertura. Il dato di fatto è 

che il debito dei paesi poveri nutre tutto l’establishment del potere e 

 

lebbrosi Non credo, magari il nostro stato d’animo è lo stesso di Yorke, 

 

propri stati di crisi all’esistenza dell’orso grigio. I got myxonatosis, mi 

sento confuso strangolato, abbattuto, continua a gridare Yorke. Eppure, 

approfondendo l’indagine, ci si accorge che l’associazione Myxomatosis- 

Judge, Jury and Executioner si trova anche nel ritornello del brano 

La Haine degli Asian Dub Foundation. La canzone nasce in ambienti 

L’odio di Mathieu Kassowitz del 

1995, dove si racconta una storia di violenza nella periferia parigina. La 

costellazione di riferimenti semantici allora si allarga e conferma ancora 

una volta l’aspetto intellettualistico e tricker della produzione yorkiana. 

Anche l’analisi di Amok 

chiude il CD, mescolando melodie eteree con percussioni a ritmo incalzante. 

Il titolo Amok rimanda al mondo oscuro delle intenzioni omicide e 

dei riti catartici. Dal punto di vista medico, Amok è una sindrome tipica 

delle regioni del Sud-est asiatico, della Malesia, dell’Indonesia e della 

Nuova Guinea 

nel delitto. La patologia riguarda chi ha subito un torto intollerabile e 

non ne sopporta le conseguenze. Dopo un breve periodo di solitudine, 

aggredisce prima i familiari e poi gli estranei. Con la sindrome di 

Amok si corre per le strade e tra i campi uccidendo qualsiasi vita che ti 

viene incontro. Poi ci si accascia nell’amnesia e nell’esaurimento, come 

succede in un racconto di Herbert George Wells (Through a Window 

1894). Ma torniamo ad Amok degli Atoms for Peace. Ad un certo punto 

della canzone ci imbattiamo in un verso dove si dice “Trying round 

pieces of string to run amok run amok run amok” (Sto cercando pezzi 

di stringa per un corsa amok). Più avanti la smania omicida si riversa 

contro il pensiero I’m trying to be a thought killer (Sto cercando di 

essere un killer di pensiero). Ma ci sono anche altre implicazioni e le 

troviamo in Der Amokläufer di Stefan Zweig (1922). In questo romanzo 

Amok è fondamentalmente un eccesso d’amore che si converte in follia 

omicida. Riguarda inoltre gli abulici, quelli che per natura oscillano tra 

depressione e stati di eccitazione. Fatt’è che passata la furia omicida poi 

non si ricorda più niente. Chi è preso da Amok ha un occhio allenato 

“Un occhio allenato sulla tacca nel mirino, colpisce con indifferenza 

chi gli si fa avanti e non spreca pallottole”. Così viene descritta questa 

patologia in un brano di una band tedesca (Eisbrecher 2010). Il brano 

si conclude nella corsa omicida. “Corriamo in preda alla furia omicida! 

Corriamo in preda alla furia omicida! Siamo sotto shock! Corriamo 

in preda alla furia omicida! Corriamo 

- Amok!”. 

A questo punto abbiamo costruito 

un buon puzzle di riferimenti ma 

non siamo soddisfatti, c’è qualcosa 

che ci sfugge. L’imprendibilità in 

fondo è una delle caratteristiche 

del genio e Yorke corre per essere 

 

La voce si dissolve e sprofonda 

nelle linee cupe del basso e delle 

 

scibile. 

Gli ultimi campionamenti 

strisciano ormai sui tappeti sonori 

stabiliti. Poi ogni complessità si 

estingue, nel silenzio. 


RAY MANZAREK 

di Massimo Bargna 

Le due vite di Ray 

Un’altra leggenda 

del rock che se ne va: 

il 20 maggio, all’età 

di 74 anni, il tastierista 

dei Doors è deceduto a 

Rosenheim, 

in Germania, vinto 

da un male incurabile. 

Ci resta la sua musica, 

indissolubilmente 

legata al mito di Jim 

Morrison e degli anni 

Sessanta ma che, 

con alterne fortune, 

ha brillato anche dopo. 

L 

immagine che conserveremo nella memoria, è quella di lui 

’ 

piegato sulla tastiera, sorridente, capelli lunghi e biondi, 

occhiali da intellettuale, estraniato dall’ambiente circostante, 

Ligth 

My Fire. Ray Manzarek, cofondatore con Jim Morrison dei Doors e 

organista che ha fatto scuola per intere generazioni di musicisti, era 

fondamentalmente un uomo innamorato della musica nelle sue più 

diverse declinazioni: rock, blues, jazz, etnica e classica. Tutta la sua vita 

lo dimostra. È stato anche colui che, unendo al proprio innato talento 

artistico uno spiccato intuito imprenditoriale, ha saputo trasformare 

Jim Morrison in un idolo del rock e i Doors in una band di successo 

internazionale. È unanimemente riconosciuto che fu lui a scoprire il 

re lucertola, cioè a intravedere in Morrison quelle potenzialità che ne 

avrebbero fatto un nuovo Mick Jagger, un sex-symbol e un’icona degli 

anni Sessanta, gli anni della rinascita del rock, del Flower Power, del 

Viet-Nam e della contestazione giovanile. Tutto cominciò, ma questa 

è ormai storia, con l’incontro dei due sulla spiaggia di Venice, a Los 

Angeles, nel 1965. Jim che canticchia Moonlight Drive, Ray che dice 

di non aver mai sentito versi del genere e i due che stringono un sodalizio 

artistico per sfondare nel mondo musicale con una rock band a 

cavallo fra psichedelia, blues, jazz, poesia visionaria, citazioni colte e 

atmosfere decadenti. Il nome del gruppo era preso da una poesia di 

William Blake: “Se le porte della percezione fossero aperte, ogni cosa 

”. Lì, sulla sabbia, Ray pronunciò 

con uno stile enfatico che lo caratterizzerà per tutta la vita, la celebre frase 

“guadagneremo un milione di dollari” che si rivelò profetica ma di cui 


il musicista, anni più tardi, si rammaricò perché fu proprio a causa di 

 

 

che Ray aveva conosciuto a un corso di meditazione trascendentale, e 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

- 

 

 

e, se imparò a cantare e stare su un palco, fu soprattutto grazie a Ray che 

lo incoraggiò e gli dispensò pre- 

 

 

 

 

 

Light My Fire- 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

alla dissoluzione dei propri sogni 

 

 

IL DOPO MORRISON 

un virtuoso dello strumento ma I primi due lavori solisti di Ray sono Golden Scarab (1973) e The Whole Thing - 

 

 

Started With Rock & Roll Now It’s Out Of Control (1974) in cui si apprezza una 

buona varietà d’ispirazione e un chiaro tentativo di affrancarsi dal periodo 

 

grande sofferenza e frustrazione 

Doors. Brani come Whirling Dervish e The Moorish Idle con il loro miscuglio di 

 

il progressivo estraniamento di 

sonorità jazz e orientali in stile tipicamente anni ’70, ci mostrano un Ray inedito, 

se 

musicista a tutto campo. Più scontati gli altri brani, soprattutto i blues, anche 

 

di fare tutto lui utilizzando un 

 

se ci sono delle valide eccezioni come Bicentennial Blues e Begin The World 

Again che ricordano per certi versi Frank Zappa. In piena era punk, ritroviamo 

- 

 

Manzarek con un look assolutamente Doors nel gruppo rock Nite City, in cui 

- 

Sofferenza e frustrazione accresciute 

dal fatto che il naufragio 

canta e suona le tastiere in due dischi: Nite City del ’77 e Golden Days Diamond 

 

Night dell’anno successivo. All’esplosione del punk parteciperà nella veste di 

controcorrente e che fece storcere 

 

produttore della band losangelina degli X, che nel disco d’esordio includerà 

una reinterpretazione di SoulKitchen, cavallo di battaglia dei Doors. Inattesa 

 

come ovvia conseguenza anche 

È stato detto, giustamente, che 

e sorprendente, nel 1983, la collaborazione con Philip Glass per l’album Carmina 

Burana, riadattamento in chiave rock delle composizioni di Carl Orff. 

 

 

 

Un ambizioso disco di musica corale a cui, chi è abituato alle sonorità Doors 

 

incanalare in modo costruttivo la 

di Manzarek, deve accostarsi con molta cautela. Negli ultimi anni, a dispetto 

dell’età avanzata, Ray aveva dimostrato la sua inesauribile vitalità tornando 

così tanto e che sentiva come una 

ors 

si sentiva in trappola, voleva 

ai dischi solisti. Del 2006 è Love Her Madly, album di musica strumentale (un 

gradevole mix di elettronica e jazz d’ambiente) che faceva da colonna sonora al 

 

 

film omonimo, codiretto da Manzarek. Dello stesso anno Atonal Head, raffinato 

dionisiaca del gruppo, quella più progetto di commistione musicale jazz, rock, classica ed etnica condotto con il oscura 

e minacciosa, Ray incarna- 

 

compositore e trombettista Bal. Due anni dopo arriva Ballads Before The Rain in 

tandem con il chitarrista Roy Rogers, che sembra quasi una rivisitazione jazz di 

 

 

Satie. E non a caso, tra le cover figura Riders On The Storm. Non si può gridare 

- 

che il tastierista pensasse solo ai 

al capolavoro ma lo sforzo è apprezzabile. Il capitolo finale di Ray, nel 2011, è 

la seconda collaborazione con Roy Rogers per l’album Translucent Blues. L’ex 

 

 

doors torna alle sue origini blues con una serie di canzoni di discreta fattura 

(ad esempio Hurricane). Il CD fu accolto bene da critica e pubblico. Da ricordare 

 

 

anche i due dischi in stile beatnik con il poeta della beat generation Michael 

 

 

McClure, amico di Jim Morrison: The Third Mind (2006) e Piano Poems: live in 

 

San Francisco del 2012. Sono la testimonianza di una mai sopita passione per 

- 

 

 

la musica e le operazioni artistiche colte e sofisticate. 

 

 


RAY MANZAREK 

COME ERAVAMO 

Il nome dei Doors è uno spettro che torna instancabilmente a infestare la 

chiesa del rock. Si pronuncia a caso nelle interviste. Lo si dissotterra per rifinire 

le esegesi. Come un marchio vintage o come un sigillo definitivo per autentificare 

il presente. In questa intervista di 20 anni fa, Ray Mazanek, cinquantenne 

in fiore e saggiamente epicureo, affabile possessore di una carriera meteorite, 

ha accettato di prestarsi al gioco dei ricordi e di raccontare. 

Ray Mazarek: Io e Jim Morrison eravamo studenti alla scuola di cinema 

UCLA (Università della California, Los Angeles). Due amici che parlavano di 

arte, di teatro, di cinema, di jazz. Parlavamo di rock’n’roll, ma mai di formare 

un gruppo insieme. Due settimane prima della consegna dei diplomi, nel 

giugno ‘65, Jim mi ha detto che sarebbe partito per New York. Tre o quattro 

settimane dopo, ero sulla spiaggia, a Venice. E chi vedo venire verso di me 

Jim, o qualcuno che somigliava a Jim, visto che non l’avevo riconosciuto 

del tutto: non era del tutto lui, era molto più bello... mi sono avvicinato e 

ho visto che era davvero Jim, e non il David di Michelangelo. Era fantastico. 

Gli ho chiesto che stava combinando, perché non era a New York. Mi ha 

risposto: “Ho deciso di restare qui, abito sul tetto della casa di Dennis Jacobs”, 

un amico dell’UCLA, che è finito a lavorare per Francis Ford Coppola in 

Apocalypse Now e che alla fine è stato rinchiuso con i matti, viveva sul suo 

tetto e scriveva canzoni. 

Gli ho detto: “Scrivi delle canzoni Allora siediti e cantamene una”. Si è seduto 

sulla spiaggia, era metà luglio, una di quelle giornate calde e assolate di Los 

Angeles... Ha iniziato a cantare Moonlight Drive e ho pensato che erano le 

parole più belle che avessi mai sentito in una canzone rock. Ne ha cantata 

un’altra o altre due e gli ho detto: “Queste canzoni sono fantastiche, perché non 

fondiamo un gruppo rock” Jim ha risposto: “È proprio quello che vorrei fare”. 

È stato immediatamente colpito dal suo carisma 

Le parole delle sue canzoni erano molto belle: “Let’s swim to the moon, let’s 

climb through the tide, penetrate the evening that the city sleeps to hide...” Non 

era solo rock, era poesia. In quel momento, in piena estate 1965, i Beatles non 

erano ancora psichedelici, cantavano ancora “She loves you yeha yeah yeah...” 

i Rolling Stones cantavano il blues di Chicago, erano più funky e più cattivi. 

C’era della poesia in Dylan, ma non c’erano i temi jungiani della poesia di Jim. 

Dylan era molto bello, ma era troppo New York... mancava una certa qualità 

mistica. Era della grande poesia di strada, ma era folk rock, quando la poesia 

di Jim era jungiana, aveva il senso della paura, della morte, della trascendenza, 

che mancava alla poesia di Dylan. 

Qual era la vostra idea all’inizio, quando avete formato il gruppo 

Di fare di tutto. Evidentemente non potevamo cantare come i Beatles. Mc- 

Cartney e Lennon erano grandi cantanti. Noi stavamo per fare della musica 

psichedelica “trip-out” (termine collegato all’LSD, viaggio della musica che fa 

viaggiare come l’acido - ndr), strana e insolita, con una poesia straordinaria. 

Stavamo per fare qualcosa il più artistico possibile, e dato che due membri del 

gruppo erano laureati a un’università artistica, sarebbe stato qualcosa di fottutamente 

artistico, se così posso dire. Quale altro gruppo rock poteva servirsi 

disertava o si presentava ubriaco alle prove (persino a quelle in sala di 

registrazione). Ma se il tastierista sopportò stoicamente per anni questo 

ed altro, non fu soltanto per una questione di denaro. Ray provava un 

sincero affetto per il cantante. Tutti lo ricordano come una persona 

simpatica e cordiale, un vero gentleman. In ogni caso nel 1971, dopo la 

registrazione dell’ultimo album L.A. Woman, Morrison se ne andò a 

morire a Parigi. E scomparso il loro leader, anche i Doors erano morti. 

Qui, dopo sei dischi indimenticabili, montagne di dollari guadagnati e 

 

 

sempre degna di nota. 

Il problema più urgente per i superstiti della band, era come sopravvivere 

 

cominciò a commettere una serie di errori che, nel corso degli anni, gli 

alienarono le simpatie di una parte dei fans. A cominciare dal tentare 

di mantenere in vita i Doors con una sorta di accanimento terapeutico. 

Come si poteva del resto rinunciare a un nome che era di per se stesso 

 

d’accordo, ma le vendite di L.A. Woman non erano andate male e il 

singolo Riders On The Storm (in cui Ray svolgeva un ruolo predominante 

al piano) con i suoi splendidi passaggi jazzati sembrava aprire 

nuovi sbocchi musicali per il gruppo. Jim era insostituibile ma Ray, 

che durante i concerti dei Doors ogni tanto cantava dei blues, avrebbe 

potuto rimpiazzarlo senza ingenerare nel pubblico la sensazione di un 

 

pubblicarono altri due dischi: Other Voices (uscito di corsa soltanto sei 

mesi dopo L.A. Woman, quasi si volesse esorcizzare lo spettro di Jim) 


di Brecht e Weil Nel primo album c’è anche un pezzo di Willie Dixon, The End 

è un omaggio a Ravi Shankar e alla musica indiana, Light My Fire è influenzato 

dal jazz. Cercavamo di mettere insieme tutti i generi musicali possibili. Non 

era jazz, non era nu-jazz, non era blues propriamente detto, era rock’n’roll 

suonato da una band di tipi bianchi in California del sud. In quel momento, 

la roba che andava in California, erano le cose psichedeliche: Peace and Love, 

il movimento flower-power. Tutti i gruppi erano come sotto acido, i Grateful 

Dead, i Jefferson Airplane... I Doors erano più orientati al blues, erano più duri, 

più hard, più oscuri. Perché i Doors leggevano. Non voglio dire che gli altri non 

leggessero, ma... penso che la nostra visione fosse un po’ diversa, uscita dai 

film tedeschi, dal cinema espressionista, e dalla poesia simbolista francese, 

Rimbaud. Per me erano i film tedeschi: Pabst, Fritz Lang, questo genere di cose. 

E anche Parigi. Io e Jim amavamo la Parigi e la Berlino tra le due guerre. Dalla 

fine della prima guerra mondiale a quando Hitler blocca la Bauhaus. I Doors 

sono quindi fondamentalmente un gruppo dadaista, surrealista e Bauhaus. 

Ma siccome sono americani, hanno subito la vecchia influenza nera: io vengo 

da Chicago e Jim era del sud, quindi il blues, le radici del blues. 

Molti considerano L.A. Woman come il vostro capolavoro. Cos’è che ha 

dato a questo disco questa unità e questa forza incantevole 

C’è già il fatto che abbiamo registrato nella nostra sala prove, al Workshop. 

La nostra casa discografica era dall’altro lato della strada. Abbiamo preso dei 

microfoni, un registratore e una vecchia console che abbiamo installato negli 

uffici, al primo piano, e provavamo. Non eravamo in studio ma veramente a 

casa nostra. Ci sentivamo bene gli uni con gli altri, stavamo bene. Abbiamo 

preso in mano la produzione. Era una tappa completamente nuova per i Doors. 

Forse c’era qualcosa nell’aria, forse Jim sentiva che quello poteva essere 

il suo ultimo album... Durante la registrazione, l’8 dicembre 1979, il giorno 

del suo compleanno, si è fatto come regalo di venire al Workshop con un 

producer, per registrare tutta la poesia che aveva, cinque o sei ore di poesie... 

“Voglio assolutamente registrarlo su nastro, solo una volta” ci diceva. Perché ha 

avuto bisogno di farlo in quel momento, il giorno del suo compleanno, sei 

mesi prima della sua morte... Non lo so... . 

Perché Jim è andato a Parigi, solo 

Per riposarsi, per prendersi delle lunghe vacanze. Il nostro contratto con 

Elektra, la nostra casa discografica, era scaduto, erano usciti i sette album 

previsti. Potevamo rinnovare il contratto, potevamo firmare con un’altra 

casa discografica, potevamo continuare, potevamo fermarci e decidere di 

non registrare più, tutto era permesso. Alla domanda “Ci vogliamo fermare” 

tutti hanno risposto “Well... no!!!” (ride)... Ma non dovevamo più lavorare così 

duramente, i Doors erano sul punto di entrare in una nuova fase, avevamo 

una sensazione di rilassamento, di confort, di benessere. Era il momento di 

prendere un po’ le distanze: “Non siamo obbligati a fare tournée, non siamo 

obbligati a far uscire un disco all’anno”... Progettavamo dei film... E Jim è partito 

per Parigi per andare dove era andato Hemingway (ride - ndr)... dove vanno 

gli americani, dove vanno gli artisti, dove era andato Fitzgerald... 

È stato segnato dal mistero che circonda la sua morte 

Certo! È terribile. 

e Full Circle del ’72 ma il risultato fu deludente, sia dal punto di vista 

musicale che di riscontro nelle vendite. Questo insuccesso e i contrasti 

 

guardare avanti, pensare a una carriera solista e nello stesso tempo 

gestire con oculatezza l’eredità Doors. Ed è ciò che Ray Manzarek ha 

sempre fatto nel corso della sua “seconda vita”, mantenendo un piede 

 

contemporaneo di cui ha continuato a far parte anche se con un ruolo 

non più da protagonista. 

Ancor più dopo lo scioglimento del gruppo, Ray Manzarek si convinse 

che il mito dei Doors doveva continuare a vivere. E che spettava a lui, 

 

 

numerose critiche, fu che la sua visione di ciò che avevano rappresentato e 

rappresentavano i Doors non coincideva strettamente con quella dei fans 

 

An 

American Prayer. Progetto legittimo visto che era nelle intenzioni dello 

stesso Morrison che, a più riprese, aveva registrato delle performance 

poetiche pensando di farci un disco con sottofondo musicale. Finita 

nelle mani dei Doors superstiti, l’idea venne parzialmente snaturata 

col risultato che il disco fu duramente stroncato dall’ex produttore Paul 

Rothchild. La musica era invadente, conteneva continue citazioni delle 

 

 

 

Alive She Cried che 

 

 

Gloria, di Van Morrison. A partire 

 

 

 

culminare con le edizioni integrali di Live At The Matrix e Live At The 

Roundhouse. Manzarek ha inoltre continuato a suonare in concerto 

i pezzi dei Doors con diverse formazioni che hanno visto l’adesione, 

oltre che di Krieger, di artisti famosi come Stewart Copeland dei Police 

- 

 

 

Densmore, glielo avevano impedito. 


di Roberto Paviglianiti 

TEHO TEARDO 

Visione d’insieme 

Le uscite degli album 

Music For Wilder Mann 

e Still Smiling, realizzato 

con Blixa Bargeld, 

sono state delle ottime 

opportunità per puntare 

i riflettori su Teho 

Teardo, un personaggio 

che si muove 

nell’ombra, dalla quale 

ricava un privilegiato 

punto di osservazione. 

foto A. Boccalini 

S 

sparsi ovunque e un banco di lavoro che ha l’aria di essere 

rimasto acceso per diverse ore. Lo studio di registrazione 

casalingo di Teho Teardo è accogliente, c’è anche un divano per gli 

ospiti. Ci riceve alla porta, ci offre caffè e biscotti, è gentile. La musica 

che ci fa ascoltare no; non dà carezze e vibra d’imprevedibilità. È 

quella del suo Music For Wilder Mann, 

di Charles Fréger. Ti prende per la gola, ti stringe in una morsa di 

suoni. Proietta un’immagine forte e inquietante. Immagini con le 

 

Diaz, Il divo, Lavorare con 

lentezza 

vive di luce propria in un continuo e affasciante rincorrersi d’idee 

creative. Situazioni che lo hanno portato a collaborare anche con Blixa 

Bargeld (fondatore degli Einstürzende Neubauten) per l’album Still 

Smiling, un altro episodio di rilevante importanza di un processo 

creativo che sa emozionare. 

È vera la storia che il libro di Charles Fréger ti è caduto su 

un piede in una libreria di Berlino 

Certo. Mi piace pensare che un libro che ti cade addosso, facendoti 

anche un po’ male, sia un segnale da cogliere immediatamente, e 


guarda cosa è successo dopo: mi sono chiuso in studio e non ne 

Music For 

Wilder Mann. 

 

 

Music For Wilder Mann 

È stata dunque una precisa esigenza espressiva 

 

 

 

 

 

 

sivamente 

sui due lati di un vinile. Per quale motivo e a 

quale scopo 

 

- 

 

- 

- 

 

 

mano che si chiama “copertina” 

 

 

 

 

 

 

dentro un mio disco. 

In quest’album, come in altri, 

giocano un ruolo deci- 

 

spesso a questo ingrediente 

timbrico. 

 

Music 

For Wilder Mann 

Negli ultimi mesi ti sei dedicato anche a Still Smiling, l’album 

con Blixa Bargeld. 

 

 

 

 

 

 

 

 

foto S. Caleo 

Che cosa rappresenta per te il cinema Da dove è nata la 

passione per l’arte in genere 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Come si sviluppa solitamente 

il tuo processo creativo 

riguardo alle colonne sonore 

Trai ispirazione dalle 

 

- 

- 

 

Registri e trovi le soluzioni 

compositive nel tuo studio 

casalingo, nel quale trascorri 

molto tempo. Hai una 

“giornata tipo” con delle 

precise scadenze o procedi 

in maniera totalmente libera 

e improvvisata 

 

 

 

 

 

Lo studio di registrazione è per te un luogo dove dar forma 

alle tue idee o lo intendi più come uno strumento vero e 

proprio 

 

 

 

 

 

 

 

 


TEHO TEARDO 

rimodella in base alla sua forma. 

Perché la tua musica riesce a 

vivere di luce propria anche 

se ascoltata senza l’ausilio 

 

Cerco di fare musica che sia in 

grado di sostenere se stessa al 

mula 

del commento musicale. 

Stabilisco un rapporto drammaturgico 

in cui la musica entra 

nella narrazione senza divenire 

un banale accessorio narrativo 

o, ancora peggio, un riempitivo. 

Sei molto attratto dall’ibridazione di elettronica e strumenti 

acustici. 

Mi piace il suono, nelle sue innumerevoli varianti. Quello delle tangenziali, 

dei ghiacciai e del violoncello; nessuno primeggia sull’altro, 

sono tutti là a nostra disposizione, dobbiamo solamente trovare delle 

relazioni sensate tra questi. 

Remixare altri artisti ha 

portato delle variazioni 

sul tuo modo di concepire 

 

Mi ha certamente aiutato nell’essere più obiettivo con la mia musica 

attraverso un percorso da ascoltatore. Tutto passa prima dall’ascolto. 

Per quello che fai hai ricevuto dei complimenti da parte di 

 

Sì, gli ho chiesto di fare un album usando solo due sintetizzatori indossando 

un camice bianco come nello studio di fonologia negli anni 

sound designerto 

Cinquanta. Io e lui, soli con un synth ciascuno. Mi sarebbe piaciuto 

molto, ma sapevo sarebbe stato 

preciso che dai a questa 

 

Teho Teardo e Blixa Bargeld STILL SMILING Spècula, 2013 

 

In Still Smiling convergono i percorsi stilistici, e di vita, di due grandi artisti, Mica potevo proporgli di fare un 

La consapevolezza della tridimensionalità 

del suono. Quando 

qualcuno mi dice che quel suono 

Teho Teardo e Blixa Bargeld, che riversano nelle dodici tracce proposte, dieci 

delle quali inedite, le loro attitudini e i loro mondi sonori, dando vita a una 

forma particolarmente interessante, per contenuti ed espressività d’insieme. 

disco con l’orchestra, non credo 

che il mondo ne abbia bisogno. 

Così gli ho proposto qualcosa 

Registrato tra Roma e Berlino, l’album trae forte connotazione dall’utilizzo 

l’ha sentito sulla pancia io sto già 

che avrebbe potuto spiazzare 

degli archi – tradotti da Martina Bertoni e il Balanescu Quartet - e trova nella 

bene. Nonostante troppi ascoltino 

entrambi. 

voce di Bargeld l’elemento catalizzatore, messo in primo piano sugli sfondi 

musica solo con i cellulari, 

il suono è tutto intorno a noi e 

non nello spazio angusto di un 

sonori pensati da Teardo, sinistri e forti di una certa inquietudine. Brani cantati 

in italiano, come l’iniziale Mi scusi, inglese e tedesco, formano un itinerario 

perennemente in bilico tra il passaggio cantabile e la spigolatura melodica 

 

diventare musicista vista la 

microchip. Un compositore non 

da interpretare, dove le matrici ritmiche sono al contempo solide e capaci 

grave crisi che sta attanadi 

flettere a seconda dello scenario. Alone with the Moon (cover del brano 

può non tenerne conto. Oltre a 

 

firmato dei Tiger Lillies) è una sorta di ballata romantica, quasi rassicurante; 

questo la necessità di stabilire un What If… è un momento che unisce teatralità e fantasia, presa di coscienza 

legame con i luoghi. La musica 

ha un rapporto strettissimo con 

la spazialità, anche quando registro 

e ironia sottintesa; la struggente A Quiet Life – dalla soundtrack del film Una 

vita tranquilla di Claudio Cupellini - è proposta in una nuova versione; mentre 

il resto presenta momenti costruiti con l’unione di sonorità elettroniche e 

di fare quello che si sentono 

e di farlo al meglio. Abbiamo 

bisogno di gente che faccia le 

con un quartetto d’archi. 

cose con passione e seriamente, 

acustiche, capaci di vivere in simbiosi e di rimanere perfettamente in piedi 

anche se presi singolarmente. Lavoro importante, di forte intensità e pensato 

Sono attratto dall’idea della musica 

ci sono troppi incompetenti in 

nel dettaglio, al quale vanno dati un paio di ascolti di vantaggio, soprattutto se 

da camera, spesso più per la 

forma che può avere la camera 

che, contenendo la musica, la 

non si è seguaci dei due protagonisti della vicenda, ma poi, una volta entrati 

in sintonia, sarà difficile rinunciare alla loro idea di sorriso. (R. P.) 

questo Paese che occupano spazi 

strategici abbassando la qualità 

delle cose. 


Audio Research REFERENCE 250 

Amplificatore monofonico a valvole 

Come altri prodotti presentati recentemente, 

anche per il Reference 250 le novità riguardano 

la veste estetica, ma più ancora il design 

interno. Si coglie innanzitutto l’aspetto 

moderno ed il perfetto abbinamento cromatico, 

che comprende un pannello frontale totalmente 

rinnovato con un piccolo pulsante di accensione in alluminio, 

oltre al fatto che le serie in colore naturale hanno 

maniglie e griglia superiore in argento, la versione nera 

maniglie e griglia neri. Un nuovo indicatore analogico sostituisce 

il display digitale fluorescente; questo indica 

potenza di uscita, tensione di alimentazione e aggiustamento 

del bias delle valvole, che si effettua per mezzo 

di regolazioni al di sotto del display. Tre sono i livelli di 

illuminazione, inclusa la possibilità dello spegnimento 

totale, mentre un piccolo schermo LCD posto all’interno, 

ma visibile attraverso il pannello superiore, indica le ore 

di funzionamento delle valvole. La silenziosissima ventola 

di raffreddamento sul pannello posteriore è abbinata 

ad una griglia di ingresso a bassa turbolenza ed opera a 

due velocità. Il cavo di alimentazione da 20 A è lo stesso 

del REF210, mentre le connessioni di uscita prevedono i 

tre diversi valori di impedenza 4, 8 e 16 Ohm. 

L’impatto devastante del REF 250 è diretta conseguenza 

del nuovo trasformatore di alimentazione con un corrispondente 

incremento del 50 % di capacità energetica, 

unitamente alla corrente di uscita dei tubi KT120. Anche 

la velocità nella risposta in gamma bassa, il controllo e 

la definizione del tessuto sonoro hanno fatto un deciso 

passo avanti. Inoltre, i nuovi condensatori in Teflon migliorano 

risoluzione e focalizzazione della scena con ogni 

genere musicale. L’esplosivo micro e macro contrasto 

dinamico, il bassissimo livello di rumore ed il ferreo controllo 

esercitato su ogni sistema di altoparlanti rappresenta 

il nuovo standard offerto da questo amplificatore. 

Con esso, ancora una volta, Audio Research ridefinisce 

lo stato dell’arte della riproduzione sonora. 

Audio Natali Srl - Via Alessandro Volta 14 - 51016 Montecatini Terme - Pistoia - Tel 0572-772595 - Fax 0572-913216 

Web: www.audionatali.com - E-mail: info@audionatali.com

STEFANO BATTAGLIA 

di Maurizio Favot - foto Caterina Di Pierri 

Il mio canto semplice 

Classe 1965, Stefano Battaglia è stato uno schietto enfant prodige del jazz italiano: alla fine 

degli anni ’70 era già nel giro creativo milanese. Precoce anche nel raggiungere una peculiare 

maturità espressiva, non ha mai smesso di cercare strade nuove. 

La sua scelta più recente è quella di una coinvolgente, fascinosa semplicità. 

Dopo una solida preparazione accademica, Battaglia ha imboccato 

con entusiasmo i sentieri dell’improvvisazione, 

Things Ain’t 

What They Used To Be 

esperienze e oltre sessanta titoli alle spalle, è uno dei pianisti di punta 

- 

 

 

 

 

 

Quando hai cominciato a suonare 

 

 

 

 

 

 

- 

 

Studiare uno strumento. Quello che alle volte per i bambini 

è un po’ una costrizione, per te era piacevole. 

 

 

 

È dunque partito in tenera età un iter accademico che è 

 

 

 

 

 

molto importanti, perché mentre mia nonna era assolutamente incen- 

 


maggiormente nelle mie corde: i clavicembalisti, Bach e Scarlatti, le 

suite di Haendel. Un repertorio che mia nonna snobbava, perché lei 

era proprio pianista al 100%. La direzione che avevo preso, comunque, 

era quella di fare il concertista. 

Quand’è che poi hai cominciato ad accostare a questa formazione 

degli interessi diversi 

Io andavo tutti i sabato pomeriggio da Buscemi, un famoso negozio 

di dischi a Milano. Rimanevo lì per ore. Cercavo soprattutto cose 

di musica classica, le cose che stavo studiando, o che avrei voluto 

preparare. Un giorno presi invece due dischi diversi, perché erano di 

 

Si è un po’ ossessivi a quell’età… Praticamente ascoltavo solo dischi 

di pianisti. Non sapevo assolutamente nulla dei musicisti, che erano 

Paul Bley e Keith Jarrett. È stata la seconda svolta. Dopo la scoperta 

del pianoforte da bambino c’è stata quella di questa musica che non 

capivo da dove venisse, perché non sapevo nulla di jazz, ammesso che 

quei dischi siano di jazz, visto che 

c’è un po’ di tutto… 

Penso che all’epoca c’erano 

sostanzialmente due strade 

che potevano portare al jazz. Pianisti di quel tipo per chi 

proveniva da percorsi accademici, il jazz-rock per chi arrivava 

dal rock. 

Ecco, io quelle strade le ho percorse entrambe. Perché oltre all’amore 

per la musica classica andavo matto per il progressive inglese. Il primo 

pezzo che ho imparato a suonare tramite i dischi è stato Fifth Of Fifth 

da Selling England By The Pound dei Genesis. Quindi in realtà già 

cercavo altre cose. Mi perdevo con quella musica, King Crimson, Peter 

Gabriel, anche per i testi. Poi ho cominciato a comprare tutti i dischi 

di Paul Bley e Keith Jarrett. Con Jarrett ho conosciuto Dewey Redman 

e quindi il gruppo Old & New Dreams, e poi Ornette Coleman e si è 

formato un albero, con tanti rami… 

Le prime esperienze nel settore jazzistico sono state da solo 

o con altri musicisti 

In realtà io già improvvisavo al pianoforte, anche prima di ascoltare 

Jarrett e Bley, ovviamente senza sapere minimamente cosa facessi. Il 

canale del giocare con lo strumento è stato attivo da subito. E questo 

grazie al fatto che io non ho avuto un maestro normale, del tipo che 

vai e poi esci dalla lezione. Io andavo a casa di mia nonna, lei mi cucinava, 

poi mi faceva un’oretta di lezione, e io dopo rimanevo lì tutto il 

giorno al pianoforte, a giocare. Lei non mi diceva mai nulla, mi lasciava 

fare. Quindi ho respirato da subito un senso di libertà. Quel cuore di 

nonna è stato molto importante. Non ho avuto la parte oppressiva 

dello studio. Mi perdevo per tutto il pomeriggio nella ricerca un po’ 

uterina del suono, anche isolandomi. Questa cosa la ritrovo ancora 

oggi nel piano solo, consapevolezza a parte. Il processo è esattamente 

lo stesso. Non sono cambiato. Non sono cresciuto… 

Dopo tante ore passate a suonare o ad insegnare, non 

desideri ricevere ancora dall’esterno. Serve il silenzio 

per avere di nuovo il desiderio di ascoltare. 

Si tratta in effetti di un percorso davvero peculiare, con un 

grado di libertà non comune… 

Ho cominciato a frequentare la scena milanese dei concerti. Io abitavo 

in via Solari, nella zona dei Navigli, e ho cominciato a suonare con l’area 

creativa… Erano tutti più grandi di me, di almeno 10 anni, come Paolino 

Dalla Porta, Tiziano Tononi, Manu Roche, ma per motivi misteriosi 

mi accettavano a casa loro. Assorbivo tutto: le conferenze di Arrigo 

 

e inizio ’80, il jazz era in espansione e ai concerti potevi trovare anche 

2000 persone. All’Orfeo l’Art Ensemble Of Chicago fece 2500 spettatori. 

Come regalo per aver preso il diploma io chiesi ai miei genitori 

l’iscrizione al seminario di Siena Jazz, una cosa che a Milano aveva una 

 

 

concertistica, basata molto sull’improvvisazione. Alla tradizione boppistica 

mi sono invece avvicinato dopo, proprio per colmare quella specie 

di vuoto che avevo alle spalle. Proprio durante quel seminario estivo 

lavorai un paio di settimane con 

Enrico Pieranunzi. Al terzo livello, 

il più alto, eravamo in due, io e 

Alberto Tafuri (che poi si è rivolto 

maggiormente all’ambito pop ed 

è stato anche vocal coach della squadra di Elio per l’edizione 2010 di X 

Factor - ndr). Ebbene, Alberto chiese di passare al secondo livello, con 

Riccardo Zegna, perché così si sentiva più a suo agio, e io rimasi da solo 

con Pieranunzi! È stata una cosa fondamentale, perché Enrico era in 

una fase particolare, voleva cambiare il suo modo di fare musica, era 

molto aperto. Il suo insegnamento non fu “canonico”, non mi spinse a 

studiare, ma a proseguire una mia strada. Fu straordinario sul piano 

umano e in termini di motivazioni. Io tornai a casa gasatissimo. 

Poi, dopo pochi anni, sei passato dall’altro lato, assumendo 

il ruolo di insegnante… 

Nel 1988 Franco Caroni mi chiamò per sostituire Luca Flores, che 

 

parte degli allievi erano più anziani di me! Quello fu un periodo in cui 

mi accostai seriamente anche alla tradizione e ad alcuni autori che 

mi stavano a cuore, come Lennie Tristano e Bill Evans. In particolare 

realizzando anche delle incisioni in trio con Dalla Porta e Aldo Romano, 

anche se non evansiani nello stile, però dedicati al suo repertorio. 

A un certo punto hai anche incrociato uno dei tuoi principali 

punti di riferimento, che hai già citato: Paul Bley… 

Passò un periodo a Milano, durante il quale incise con Dino Betti Van 

Der Noot e Tiziana Ghiglioni. Gli dissi subito che era lui il principio di 

tutto per me. Forse anche perché così nutrito nell’ego, fu molto generoso 

con me, prodigo di consigli. Certo è un tipo particolare, e in quel periodo 

era particolarmente arrabbiato con i giornalisti… In effetti, forse non è 

mai stato completamente riconosciuto, mentre molti dei pianisti che a 

lui debbono molto hanno avuto paradossalmente attenzioni maggiori, 


STEFANO BATTAGLIA 

Non è facile, oggi, resistere su posizioni rigorose ed evitare 

compromessi. Anche per chi, come te, incide per un’etichetta 

autorevole come la ECM e ottiene riconoscimenti interna- 

 

Siamo comunque dei privilegiati, perché siamo nella musica, nel giar- 

 

 

 

 

momento complesso, anche eccitante in un certo senso. So che come 

musicista raccolgo quello che semino. Quello che ho è il frutto di ciò 

- 

 

ha grande successo è talmente lontano da quello che voglio difendere 

 

anche degli aspetti dolorosi, ma sono perfettamente conscio di doverli 

accettare. Faccio quello che sono e non voglio fare ciò che non sono! 

come lo stesso Jarrett e il primo Chick Corea, quello dei dischi Blue 

Note, del trio con Altschul e Holland e poi in quartetto con Braxton. In 

quel momento io ero completamente dentro il mondo del free “melodico”, 

Bley, Ornette, Don Cherry, Dewey Redman… Era proprio la mia 

musica di riferimento. Credo che se si confronta Bley con il Bill Evans 

dello stesso periodo degli anni ’60, quello dei famosi dischi al Village 

 

 

era nel mistero totale, pur proponendo una visione lirica, melodica e 

poetica straordinaria. Lì è proprio il mio eroe. È un retaggio dal quale 

non mi separo mai. 

Tutto questo porta comunque ad una scelta che riduce le 

dimensione dell’organico… 

- 

 

chiave nella storia evolutiva del linguaggio non li amo. Faccio fatica ad 

accettare i musicisti che suonano tanto, forte, sempre. Questo ha fatto 

sì che mi sia anche separato dai miei colleghi milanesi più legati, anche 

ideologicamente, a quell’estetica. A me interessa proprio l’opposto: la 

 

vicino ad un’idea romantica. I gruppi superiori al trio o al quartetto sono 

 

 

 

Ho scelto musicisti non solo vicini per poetica, ma anche logisticamente, 

 

 

 

Vuoi raccontarci qualcosa a proposito di Songways, il tuo più 

recente lavoro pubblicato a inizio anno dalla ECM (L’album 

è già stato recensito da Roberto Paviglianiti, in SUONO n. 

475, aprile 2013 – ndr). 

È il secondo volume di un grande lavoro che sto facendo, sulla musica 

- 

 

miro ad essere in qualche modo un musicista di 1000 anni fa, con un 

 

 

 

 

 

 

 

vicino a una chiesa romanica. Ho usato molto delle armonie arcaiche, 

 

 

In questi tempi dominati da piccoli dispositivi digitali portatili 

 

ed ascoltare della musica riprodotta come si deve 

No, no! Io sono un dinosauro. Amo il rapporto poltrona/casse eccetera. 

 

 

 

 

 

 

 

 

per avere di nuovo il desiderio di ascoltare. 


GX Gold Series 

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ALESSANDRO LANZONI 

di Jacopo Cosi 

Se non ascolti, parli da solo 

Alessandro Lanzoni è diventato grande. Sfuggito miracolosamente alla trappola dell’enfant prodige, 

tipologia di artista sempre sull’orlo del fenomeno da baraccone, che cessa di apparire una volta 

passato l’effetto sorpresa, trappola tesagli dal destino a soli quattordici anni. Oggi che di anni ne ha 

venti, è un pianista jazz maturo, completo, con uno straordinario senso della melodia. 

Dark Flavour, in trio con Matteo Bortone al contrabbasso ed 

Enrico Morello alla batteria, è di una bellezza cristallina. 

Undici tracce con tre pezzi presi da Monk (Introspection, 

Crepescule with Nellie, Bright Mississippi), uno da 

Coltrane (Satellite), e una composizione di Bortone 

(Song One). Tutto quello che avremmo voluto 

ascoltare in ambito jazz, e che non avremmo mai 

osato chiedere ad uno, meglio, tre giovani talenti. Un 

album che a dispetto del titolo e dei brani scelti non 

prende mai un solo colore dalla tavolozza sincopata. 

Attraversa la classica (Levra, terzo in scaletta, è 

l’anagramma di Ravel) con sfumature romantiche, 

naviga con la ritmica in poppa tra sequenze impossibili di accordi, 

per approdare nelle acque dell’interplay, senza paura, nell’oceano 

di Bill Evans, dove il trio si trova a meraviglia, per poi ripartire e far 

 

rientrare tutti insieme in scia, senza esagerare nello 

sfoggio di tecnica, mentre la mano destra di Lanzoni 

accarezza di melodie l’interno corpo del disco, e la 

sinistra pesca, copiosa, armonie. 

Tutti insieme gli ingredienti sapientemente miscelati 

Dark Flavour, uno 

di quei tipi di cocktail che una volta provato non si 

può farne a meno, e diventa “il solito, grazie” per 


un bel po’. Insomma, uno di quei dischi che una volta usciti dalla 

custodia, staranno molto nello stereo prima di tornarci. 

A quattordici anni Alessandro Lanzoni si ritrova a suonare e incidere 

prima con Ares Tavolazzi, poi con lo stesso grande maestro contrabbassista 

e un altro nome “miliare” del mainstream jazz, Walter Paoli, 

 

ad un big assoluto come Lee Konitz. Intanto gli anni sono passati. 

Ma tutto questo comincia quando vince il concorso “International 

Massimo Urbani Award 2006”, al quale seguono altri riconoscimenti 

come il “Concorso Luca Flores 2008” e il “Best Young Soloist” a 

Parigi, nel 2010, in occasione dell’ultima edizione del concorso 

internazionale Martial Solal, la più prestigiosa fra le competizioni 

jazzistiche dedicate al pianoforte. 

La famiglia di musicisti, babbo, mamma, sorella, la sua testa, e chissà 

 

 

 

della musica. Lanzoni si diploma in pianoforte al conservatorio 

“Cherubini” di Firenze (sua città natale) con il massimo dei massimi 

e tutte le lodi possibili. Si specializza in quel di Siena nel campo jazz, 

con i più grandi maestri in circolazione a livello internazionale. Da 

qui, tra l’altro, gli arriva anche la possibilità di suonare con Kurt Rosenwinkel. 

Non si fa scappare un seminario. E quando si ripresenta 

sul mercato con Dark Flavour, adesso, non è più il minorenne che 

 

Di pappa, come si dice nella sua Firenze, ne ha mangiata davvero 

tanta. È cresciuto. È un musicista fatto, che può divertirsi a scoprire 

tutto quello che la sua curiosità lo porterà a scoprire. Un compositore 

maturo. Un nuovo grande jazzista italiano al quale, da qui in avanti, 

nessuna strada potrà essere preclusa. Un ragazzone alto e timido, ma 

di quella timidezza pronta ad esplodere in un sorriso. Flemmatico 

e felino, sia nell’andamento, che nell’approccio al piano. Una sorta 

di gatto gigante. 

Un “gattone”, come Gianni Clerici soprannominava il tennista Mecir, 

 

Come hai cominciato 

 

al settembre scorso, quando mi sono diplomato al conservatorio. 

 

un “piano solo” ci metto sempre qualcosa. La settimana scorsa, per 

esempio, Debussy, tra cui un preludio, su cui ho improvvisato un 

po’ sopra. Mi piace omaggiare Debussy: oltre alla bellezza delle sue 

composizioni ci sono tanti sbocchi per l’improvvisazione. La struttura 

dei pezzi è rapsodica, e da lì è facile ricavare qualcosa. 

Ti piacciono altri autori classici 

Soprattutto autori del Novecento, come Ravel. 

Anche la dinamica classica, il crescendo 

Sì, mi piace giocare con le dinamiche, una cosa non molto usata nel 

jazz. Si tende a suonare a quel tipo di volume, perché il suono della 

batteria è sempre abbastanza forte. Provando insieme, con Matteo e 

Enrico, ci siamo accorti che si può suonare molto piano. Dal vivo si 

sente ancora di più. E non sono sbalzi a caso di dinamica, in Levra, 

per esempio, il crescendo è dato dalla scrittura del brano, la melodia 

che sale proprio in quel punto porta a far salire il volume. 

 

Dark Flavour, che è anche un brano dell’album - uno dei più riusciti 

secondo me, per questo l’ho usato come titolo - ha un carattere 

scuro, che non deriva dal mio di carattere, non sono depresso, è 

più una questione di discorso compositivo: casco facilmente sugli 

accordi minori. 

Nel quartetto con Nico Gori suoni il violoncello. Perché 

Lo suonava mio nonno, anche se non l’ho mai conosciuto. Era un 

violoncellista dilettante. C’era questo strumento in casa, così l’ho 

provato. 

Non lo suona tua sorella 

No, lei suona il violino. I miei, il piano. E la nonna era insegnante di 

armonia. La nonna, e il nonno, dalla parte materna. 

Hai mai sentito quando eri un enfant prodige il rischio 

“baraccone” 

C’è questo rischio, quando sei giovane, che ti spingano tantissimo, e 

 

dischi con la Philology di Paolo Piangiarelli. Lui è uno vivacissimo. 

 

insieme a me. Lo devo ringraziare tantissimo. Era lui il direttore del 

concorso Urbani, che vinsi. Ho fatto il primo disco con lui. Mi ha 

fatto conoscere Tavolazzi, Paoli, con cui ho avuto il trio per diversi 

anni, e poi mi ha fatto incidere con Lee Konitz. 

Ma 

Ho pensato che prima di fare un altro disco, era meglio pensarlo, 

 

sono arrivate quando ho fatto il biennio di specializzazione a Siena 

Jazz. È stata un’esperienza incredibile, ho conosciuto tanti musicisti 

americani, tanti stimoli nuovi. Con uno degli insegnanti, Kurt 

Rosenwinkel, ho fatto dei concerti insieme a Gatto, anche lui mio 

insegnante. E con Gatto ci suono tuttora. 

A Siena hai conosciuto il tuo trio 

Enrico era in classe con me nel biennio. E Matteo passava di lì una 

sera. Ci siamo messi a suonare insieme degli standard. La base e 

l’amore per la tradizione, specie per Monk, che è stato il nostro punto 

 

sperimentato dei brani nostri. 


ALESSANDRO LANZONI 

DICO DI LUI 

Nico Gori è uno dei più importanti 

clarinettisti jazz italiani. Membro inamovibile 

dei Visionari di Stefano Bollani, 

ha suonato, clarinetto solista e 

primo sax alto, con la Vienna Art Orchestra, 

la più prestigiosa del mondo, 

per tutto l’emisfero terracqueo. 

Gori ha collaborato con i più straordinari 

artisti, da Caetano Veloso 

a Fred Hersch, pianista newyorkese 

definito “il poeta del jazz”, con cui ha 

dato ultimamente alle stampe l’album 

Da Vinci. Dieci brani tra standard 

(Tea for Two) e composizioni 

di entrambi (in prevalenza Hersch) 

da ascoltare e riascoltare all’infinito, 

lasciandosi sorprendere ogni volta 

dal contrappunto, l’estro, il timing e 

il lirismo di questi due maestri, uniti 

da uno spirito unico, e da un talento 

senza limiti di letteratura e tecnica. 

Gori si è appena trasferito in Danimarca, 

dove, a differenza dell’Italia 

la crisi non ha intaccato l’economia 

culturale, e i musicisti fanno vite da 

musicisti, a partire dalle paghe e a 

finire al posto che occupano nei gradini, 

alti, della scala sociale. Passerà 

almeno metà anno là, tra concerti, 

festival e seminari di cui sarà professore. 

Di Alessandro Lanzoni è “il 

babbo” jazz. Babbo perché anche 

lui fiorentino, e distante di età quasi 

venti anni. Insieme hanno un quartetto 

che porta il nome “Gori Lanzoni 

quartet”. 

“Il gruppo poteva anche essere a mio 

nome – dice Nico – perché all’interno 

sono il più anziano”. Stefano 

Tamborrino alla batteria, e Gabriele 

Evangelista al contrabbasso, completano 

la line up. “Ad Alessandro 

ho insegnato i primi rudimenti – continua 

-. Veniva a sentirmi suonare, 

e poi ne avevo sentito parlare da 

Walter Paoli e altri. Così tre anni fa 

abbiamo messo insieme il gruppo. A 

due nomi leader, perché lui è forte, e 

a me piaceva dargli subito una certa 

responsabilità”. 

Nico Gori sostiene poi che Lanzoni 

è “un ragazzo maturo, molto oltre la 

sua età, anche dal punto di vista musicale. 

Tanto lo ha aiutato essere figlio 

di musicisti”. Con il quartetto Lanzoni 

non suona solo il piano, ma anche 

il violoncello. Saranno il 25 giugno 

al circolo arci del Girone, all’interno 

del calendario del Festival Estate 

Fiesolana. Ma secondo Gori quali 

sono le caratteristiche del giovane 

talento “Ha una grande sensibilità 

e intelligenza musicale. E una cosa 

bellissima, sa ascoltare e accompagnare. 

Non è per niente scontato. Ci 

sono tanti pianisti, che suonano con 

il pilota automatico, in attesa di sdarsi 

sul proprio solo”. E Lanzoni ha anche 

grande cultura classica. La stessa che 

condivide con il compagno leader di 

quartetto, grazie agli studi presso il 

conservatorio “Cherubini” di Firenze. 

“Ha una grande conoscenza anche 

della tradizione jazz. Altri ragazzi della 

sua età, che hanno venti anni, partono 

magari dagli anni Novanta, e quindi 

non hanno idea di chi possa essere 

Teddy Wilson o John Lewis. Questo fa 

di lui un musicista completo. E, non 

solo conosce la tradizione, gli piace”. 

E cosa ne pensa invece Gori del fatto 

che alcuni abbiano tirato in ballo il 

nome di Luca Flores, altro grande 

jazzista fiorentino (d’adozione, palermitano 

di nascita), morto suicida 

e celebrato in un libro, di Walter 

Veltroni, e un film Piano, solo, di Riccardo 

Milani. “Secondo me non c’entra 

niente. Forse perché è un ragazzo 

introverso, più timido forse che introverso. 

Ma quando suona, è uno che 

spacca. Timidezza e flemma lasciano 

il campo alla vitalità”. 

Infine se Dark Flavour è un gran disco, 

merito va anche agli altri due 

del Lanzoni trio, Matteo Bortone e 

Enrico Morello. “Menzione d’onore 

pure per loro – chiosa Gori - Altri due 

ragazzi che hanno fatto esperienza, e 

studiato molto. Matteo è da tanto a 

Parigi, ha fatto un gran lavoro e adesso 

suona come un grande. Morello era 

nella classe di specializzazione a Siena, 

insieme ad Alessandro. E non va 

sottovalutato, il fatto che siano tutti e 

tre della stessa età, che condividano 

gli stessi ascolti, le stesse problematiche 

dei vent’anni. Sono amici con 

caratteristiche, e intenzioni, molto simili”. 

Talmente simili che vorrebbero 

andare in vacanza insieme. Ultima 

notizia di gossip, per chiudere. Fidanzate 

permettendo. Jacopo Cosi 

È sbocciato l’amore e... 

Siamo passati al lavoro sui dettagli. La dinamica, come dicevo, la 

ritmica. Abbiamo fatto molti esercizi ritmici. 

di dimenticarci tutto, proprio per evitare di essere scolastici. Quando 

suoniamo, ci lasciamo alle spalle il lavoro precedente, e in prima 

linea c’è il dialogo tra di noi, l’interplay. 

Nel disco sembra che stiate suonando guidati dal “clic”. 

Non è così 

Quando studiavamo, usavamo il metronomo. Ma durante la registrazione 

no. Ci siamo esercitati molto perché nel disco ci sono 

brani dispari, cambi di ritmo. Tutto questo è soprattutto un pallino 

di Enrico, il suo campo. 

 

Una volta che eravamo a registrare il disco, dal vivo, abbiamo cercato 

 

Siamo interessati a fare la nostra musica, ma proveniamo dallo studio 

dei classici. Diciamo che, tra i tanti linguaggi del jazz, ci piace molto 

la pronuncia swing. 

 

Il bello del jazz è questo. Essendoci l’improvvisazione, quando suoni 

con altri, diventa proprio uno scambio. Se non ascolti, è come se tu 

parlassi da solo. Si deve ascoltare. È così e basta. 


Anche se ce ne sono a bizzeffe 

che suonano aspettando 

il momento del loro 

solo. A chi ti sei ispirato per 

le linee melodiche della tua 

mano destra 

L’influenza di Jarrett, all’inizio, 

è stata fortissima. Ultimamente 

penso di essermene staccato un 

po’. Mi ha sempre colpito la sua 

forte inclinazione melodica. Di 

ascolti ne ho fatti tanti comunque. 

Lee Konitz e i musicisti che 

suonavano con lui, Tristano, 

Marsh. 

 

disco c’è Coltrane. Perché 

Abbiamo scelto Satellite perché 

in scaletta ci mancava qualcosa 

di veloce. Originariamente 

è più lenta, ma noi l’abbiamo 

accellerata, e funziona. E poi 

è coerente alla complessità 

armonica degli altri brani di 

Dark Flavour. Ci sono delle 

progressioni molto difficili da 

eseguire. Ma abbiamo trovato 

un arrangiamento, e poi abbiamo 

fatto a modo nostro. 

Però siete un trio senza sax 

Ci trovavamo bene così. Non mi veniva in mente nessun altro da 

aggiungere. Va bene così. E poi, si può suonare Coltrane senza 

avere per forza un sassofonista nel gruppo. 

Anche perché a svisare, a fare il sax, ci pensi tu con la 

mano destra. Altri pianisti tuoi idoli 

Prima di Jarrett è arrivato Bill Evans. Mi ha attratto subito, perché 

ha questo modo classico di approcciare al piano, che si sente anche 

nel suono. Quando ero bambino ascoltavo solo classica. Però, oltre 

alla classica, Jarrett aveva già tutto del jazz, le armonie, ecc. Mi 

ha veramente affascinato, e da lì ho cominciato. Ultimamente mi 

piace il linguaggio di Herbie Nichols. Anatolio, primo brano del 

mio disco, si ispira a lui, al suo stile, che è una sorta di be bop 

articolato e dissonante. 

Primo disco 

Il mio primo disco jazz era una selezione che aveva in copertina 

quattro pianisti: Evans, Jarret, Tyner e Hancock. 

Ti hanno paragonato a 

Luca Flores. 

Sì, ma credo sia impossibile 

fare paragoni. Forse per il 

mio carattere, apparentemente 

chiuso, timido. 

Ti emozioni molto quando 

suoni 

Bisogna stare attenti a non 

umanizzare tutto quello che si 

fa in musica. Soprattutto nel 

momento dell’esibizione uno 

deve essere concentrato solo 

su quello che sta suonando, sul 

linguaggio musicale. Se sei depresso, 

se ti viene in mente la 

ragazza che ti ha lasciato, finisce 

che ti distrai. E allora arrivi 

a qualcosa di meno creativo. 

Potresti essere accusato di 

freddezza 

Ci sono tanti che dicono che la 

musica e la matematica vanno 

di pari passo. Il ritmo è vero, è 

matematica, i tasti del piano, gli 

intervalli, tutto torna, ma per 

quanto riguarda l’aspetto creativo, 

la matematica non c’entra 

niente. La musica è un linguaggio molto irrazionale. 

Da che parte andrai 

Non voglio fare programmi a lungo termine. Adesso sta andando 

bene con il trio, e voglio continuare con questo. Ho già cominciato 

a scrivere pezzi nuovi. Fare una tournée con questa crisi è molto 

difficile. Abbiamo già suonato in molti club importanti, ma ci 

mancano un po’ di festival, speriamo di incrementare l’attività. 

E poi voglio continuare con gli altri progetti, le collaborazioni. 

Spero che rinasca per bene il quartetto con Nico Gori, anche se è 

andato in Danimarca. Continuerò a suonare con Gatto, e a Parigi 

con Aldo Romano. E mi piacerebbe andare a New York. Ma per 

adesso è solo un sogno. Costa molto stare là. 

 

Non mi sono mai sentito un “enfant prodige”, anche quando 

ero più giovane, non sono mai stato il “mostro” tutta tecnica 

e super-virtuosismi. Certo, la tecnica l’ho studiata al conservatorio, 

ma suonare è una cosa che ho sempre approcciato in 

maniera naturale. 


A FAVORE O CONTRO 

di Pietro Acquafredda 

Perché sostenere Pereira 

Nominato a Milano il successore di Stéphane Lissner. È Alexander Pereira, che si è fatto le ossa 

all’Opera di Zurigo, da dove è emigrato tre anni fa, destinazione Salisburgo, dove però sembra non 

goda della stessa buona fama zurighese. Arriverà a Milano nel 2015. Salvo che… 

Q 

 

Lohengrin 

 

La Traviata 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


parte di alcuni giornali (capitanati dalla Aspesi repubblicana); alla da principio, su regie nuove. L’orchestra del teatro zurighese non può 

certo competere con quella milanese e dunque i direttori ospiti devono 

il Corriere della Sera che, questa volta, ha deciso di rendere pubblica essere di più alto livello, e magari non giovanissimi, lasciando che la 

la censura del sovrintendente nei confronti del critico. E poi, aggiungiamo 

anche, che qualche cast – dalla regia ai cantanti ai direttori di giovani che trovano il pubblico sempre accondiscendente in molti 

Scala sia un traguardo faticosamente raggiunto e non la passerella 

 

 

augurano, anche per evitare alla Scala la scoppiettante coesistenza di assolutamente a digiuno di melodramma, come sembrò ad un certo 

due “papi” che certamente hanno visioni diverse della conduzione del punto esser venuta in mente all’attuale dirigenza scaligera. E non 

massimo teatro d’opera del mondo; perché se una tale coabitazione 

 

A Lissner, al quale non si può non riconoscere di aver tenuto il timone 

fermo in un periodo in cui il teatro sembrava essere allo sbando, dopo cui vetrina ogni anno devono per forza apparire tutte le star monl’uscita 

traumatica di Fontana e di Muti e il salutare allontanamento 

di Mauro Meli, va rimproverata la gestione scaligera che in nome artistica che non ha e non deve neanche difendere, mentre invece la 

della “internazionalità”, sta rischiando di far perdere a Milano quella 

identità che fa sì che i Wiener 

 

Stéphane Lissner. 

 

pur avendo le capacità per farlo 

Nella pagina accanto, Alexander Pereira. 

- 

con buoni risultati. 

boim 

- pagata cara dal teatro, 

far tornare la Scala ad essere 

 

anche in termini economici - sta 

quella di Muti, senza avere Muti 

facendo perdere alla Scala quella 

che, sia chiaro, mai e poi mai tornerebbe 

a dirigere l’Orchestra 

sua personalità alimentata dalla 

grande tradizione interpretativa 

nifestatagli, 

alla vigilia del suo 

italiana: per molti anni Verdi non 

gurazione 

di stagione - la qual 

 

abbandono, del quale fu causa 

 

ne 

melodrammatica italiana, 

scandalosa - e gli altri grandi autori 

dell’opera italiana non sono 

che nella gestione Lissner-Baneanche 

apparsi in cartellone. 

 

 

(curioso poi che Barenboim alla 

temente 

mal consigliato dai suoi 

lodramma italiano che invece ha 

Scala non ha mai diretto il me- 

più stretti collaboratori, la girandola 

di giovanotti sul podio del 

larmente, diretto nel suo teatro 

regolarmente, abbastanza rego- 

 

 

ha mancato ogni obiettivo, anche di semplice decenza. 

nel curriculum sulla sua abilità a trovar soldi per le istituzioni per le 

tutto 

non dovrà fare della Scala una Zurigo più grande, fra i due teatri 

 

 

teatro di periferia nei confronti del teatro milanese. Certo con la sua 

- “Concerti Bach” di Francoforte, all’Opera di Zurigo, ed ora alla Scala. 

prodasse 

nella carica di Sovrintendente, un italiano, sebbene ve ne fosse 

 

 

Gatti che probabilmente vorrà insediare, trionfatore a Milano; e con 

 


REPORTAGE METROPOLIS STUDIOS 


Welcome to 

the pleasure dome 

Che sensazione fa entrare in uno dei più titolati studi del mondo Proviamo a raccontarvelo 

dopo aver visitato a Londra i Metropolis Studios, un’esperienza indimenticabile sia dal punto di 

vista architettonico (si tratta di un incredibile recupero di archeologia industriale) che musicale. 

Abbiamo ascoltato i master di Gianna Nannini e toccato con mano l’antro dove incide Vangelis. 

Poi ci hanno dato udienza due dei “guru” della masterizzazione… 


Vestigia del passato, 

echi dal futuro... In 

alto la struttura della 

vecchia stazione 

elettrica per i filobus, 

il cui parcheggio è 

ancora qui. A fianco: 

la sezione regia della 

Sala A. 

Si potrebbe definire “predestinato” il distretto di Londra 

 

Chiswick Records) e forse non a caso sono nati lì John Entwistle, 

Pete Townshend degli Who nonché Phil Collins… 

Non vi sorprenderà allora scoprire che proprio in questo quartiere, 

recentemente tirato a lucido da una serie impressionante di ristrut- 

 

nelle grandi città estere e in particolare a Londra), si trova la sede dei 

Metropolis Studios, uno dei più titolati studi di registrazioni al mondo, 

come testimoniano i numerosi riconoscimenti internazionali per 

 

 

sono un lampante esempio di archeologia industriale: trovano posto 

 

no, 

appunto, su un parcheggio dove stazionano gli attuali autobus 

 

di scale e strutture in ferro per sfruttare su più piani la notevole 

 

intricato percorso che via via si “apre” su questa o quella meraviglia 

 

per merito e per interesse della PMC, azienda inglese di diffusori che 



Sala A: uno dei tre ambienti dove si registra. Si intravede il 

pianoforte Fazioli utilizzato da Freddie Mercury. A destra la regia 

della Sala B. 

Il complesso coacervo di tastiere 

e pedali utilizzato da Vangelis 

nello Sutudio E monopolizzato 

dal compositore greco. 

divide i suoi sforzi tra il mercato consumer e quello professionale ed 

è, non a caso, uno dei principali fornitori dei Metropolis: l’abbinata 

Bryston / PMC viene utilizzata praticamente in tutte le sale destinate 

 

multicanale) e alle due di registrazione. Proprio dalla più grande 

delle due cominciamo la visita… 

Lo Studio A che si spalanca davanti a noi una volta raggiunto il primo 

 

è composto da tre ambienti ognuno con differenti caratteristiche 

acustiche: alla sala principale, di circa 90 mq in grado di ospitare 

 

riverberante e una completamente assorbente (dead room). Tutte 

vengono controllate da una control room di 60 mq, dove svetta la 

 

 

informa che il Fazioli gran piano presente nella sala è stato l’ultimo 

strumento suonato da Freddie Mercury prima della sua morte! 

La visita continua con lo Studio B, molto simile al precedente 

ma leggermente più piccolo tanto nell’area riservata alla control 

 


L’UOMO DEL MONTE… 

Quando entri nello studio di Tim 

Young, a parlare per lui sono i numerosi 

premi affastellati sulle poche 

superfici libere: “Masterin Engineer 

of the Year”… Quasi immediatamente 

attacca la musica e ascolto 

i Genesis in multicanale così come 

non li avevo mai ascoltati: “Abbiamo 

completamente remixato, in stereo e 

in 5.1 tutto il catalogo. È stato un lavoro 

infernale! L’ingegnere del suono 

originale, Nick Davis, ha avuto due 

anni per realizzare il suo lavoro ma il 

punto è che lui aveva tutto il tempo 

che voleva per completare il lavoro, 

non erano previsti termini di consegna, 

capisci Mentre realizzava il mixup 

faceva costantemente riferimento 

agli originali!”. 

Come era registrato il materiale 

originale 

Tutti i primi dischi erano analogici, 

abbiamo avuto dei master digitali 

solo per le ultime registrazioni. Abbiamo 

rimasterizzato il tutto in DSD 

e da lì a 96/24 per i DVD e 44,1 per i 

CD. I master stereo a 96/24, quelli voluti 

da Peter Gabriel in occasione del 

25mo anniversario sono quelli poi 

messi in vendita sul sito della B&W, 

anche se credo che siano poche le 

persone che possono scaricare quei 

file ed ascoltarli con convertitore 

D/A Prism (ride - ndr). 

Beh in Italia qualcuno lo fa, magari 

non con un Prism ma con MSB e 

dCS… 

Sì, dCS è ottimo! 

Certo si tratta ancora di poca gente 

anche perché, dal punto di vista 

della qualità, nella musica viviamo 

un periodo di oscurantismo! 

Quando ho iniziato ad ascoltare la 

musica, come tutta la gente della 

mia generazione (forse anche tu, Paolo, 

appartieni a quella generazione 

lì…), la maggior parte di ciò che veniva 

registrato allora era una performance 

in uno studio, erano musicisti 

che suonavano in uno studio. Ora la 

maggior parte dei dischi non sono 

concepiti così! E credo che questo sia 

uno dei motivi per cui personalmente 

sono appassionato della musica di 

ECM, dei dischi di questa etichetta: 

perché magari a volte la musica è 

difficile ma si tratta sempre di musicisti 

che si danno ascolto l’un l’altro 

suonando musica. Ed è per questo 

che mi piace, a parte il fatto che 

sembra sempre magnifica, o suona 

quasi sempre in modo magnifico. E 

questo è il punto per me, è quello 

che la musica dovrebbe fare, e quello 

che per me manca alla maggior 

parte della musica pop. Musica per 

me vuol dire principalmente questo: 

una sorta di viaggio dove si cerca di 

scoprire dove ci si trova, chi si è; ci si 

addentra in un percorso che ti può 

sorprendere… oppure no! E allora 

pensi: “Oh, capisco cosa sta cercando 

di fare” e questo è quanto. In fondo è 

persino ingiusto paragonare questa 

idea della musica alla musica popolare: 

il pop moderno di solito è un’idea 

melodica che magari ti martella 

fino a piegarti e farti fischiettare. Ma 

lo stile ECM, indipendentemente 

che sia jazz o qualcosa di simile, è 

in realtà musica con i musicisti che 

fanno ogni sforzo per attirarti. Per 

me questo è essenzialmente la musica, 

e lo stesso vale per uno come 

Peter Gabriel, perché quello che fa 

nel creare è cercare di farti rispondere, 

di attirarti dentro quel progetto! 

Una sorta di spettacolo audio 

che va al di là del puro ascolto 

musicale 

È un effetto visivo che si crea nell’audio. 

Penso sia un punto di vista giusto, 

perché quando ascolto un disco 

dal punto di vista del mastering, 

ascolto la profondità, la larghezza, 

l’altezza, delle dimensioni sonore. Se 

penso: “Beh in realtà questa cosa sta 

interessando la parte melodica del 

brano”, in qualche modo cerco di evidenziarlo. 

Da un po’ invece la gente 

ha iniziato a mixare solo con i computer, 

solo nei computer. È come se 

non ci fosse niente dietro: solo un 

muro e poi niente al di là di esso… 

Hai ragione troppo spesso nel pop 

la produzione si focalizza soltanto 

sull’obiettivo finale: fatemi suonare 

la chitarra come quella dell’artista 

A, il basso come Mr. B e la 

batteria del Signor C… 

Un sacco di musica pop è ispirata 

solamente da considerazioni di carattere 

commerciale. Se Rihanna fa 

un disco che ha un suono che alla 

gente piace, allora puoi stare sicuro 

che quel suono si sente ovunque. 

Avete mai sentito parlare degli Scritti 

Politti, un gruppo di tanto tempo 

fa Il loro sound era incredibilmente 

“influente”: se ascoltate alcuni suoni 

di tastiere è come sentirli ancora… 

Per non parlare della compressione… 

Il fatto è che ti portano il lavoro e poi 

ti chiedono: “possiamo registrare ad 

un livello più alto”. Naturalmente si 

può, basta girare una manopola verso 

l’alto! Il punto è che se si interviene 

sul segnale con la compressione, si 

diminuiscono le possibilità di tornare 

indietro. Questo chi fa mastering lo sa 

e, personalmente, penso che rovini 

un sacco di musica. Ma a determinare 

le scelte sono le ragioni commerciali: 

se noi tutti in questo studio 

decidessimo di non comprimere la 

musica come vuole il cliente, quel 

cliente comunque la volta dopo non 

tornerebbe da noi! La cosa curiosa è 

che esiste addirittura una scuola di 

pensiero secondo cui comprimere 

sarebbe meglio; non lo capisco. Se 

non c’è “spazio” nella musica, la musica 

non respira e non si può vivere 

senza respirare…. O si può 



Vinile e vecchi merletti Ai 

Metropolis i banchi regia 

utilizzano una sezione pre 

realizzata ad hoc e ogni 

sala master dispone di 

un registratore a bobine. 

All’interno della struttura 

anche un tornio Neumann e 

una lavadischi Loricraft. Nella 

pagina accanto: una delle tre 

sale multicanale. 

facilmente adattabile alle esigenze estemporanee delle registrazioni 

e viene spesso utilizzata per live in studio. Per accedere allo Studio C 

(come non segnalare il banco Neve che lo occupa) occorre raggiungere 

il piano più alto dei Metropolis e, infatti, è tutto un muoversi 

di persone che percorrono le scalette in metallo che portano dal 

pianterreno al secondo piano! Posto che lo Studio D… non esiste (!) 

una sorpresa ci attende allo Studio E, quello successivo in ordine 

alfabetico: buona parte dei 55 mq della control room sono occupati 

da una sequela pazzesca di sintetizzatori: solo i pedali che li controllano 

sono 16! È l’attrezzatura di Vangelis che al momento della 

mia visita sta registrando il suo nuovo lavoro… Il tutto presente in 

una penombra, per non indispettire il “maestro”, lo ammetto mette 

in soggezione e l’impressione è quella di aver appena profanato un 

tempio: emozionante! Ma di emozioni ne devo ancora vivere alcune 

perché, così mi annunciano, stiamo per entrare nel regno di Tim 

Young. Young è uno dei più famosi mastering engineer europei, 

nonché uno dei fondatori dei Metropolis Studio. Damon Albarn, 

Sex Pistols, Manic Street Preachers, Chris Rea, Queen, Kim Wilde, 

Massive Attack, Zazie, Van Morrison, The Beatles e Madonna, sono 

solo alcuni degli artisti di cui ha curato i prodotti. Mi dedicherà 


PIACERE ASSOLUTO 

Lo studio dove opera Tony Cousin 

è una vera bomboniera hi-fi: da leccarsi 

i baffi! L’enorme finestrone su 

cui guarda la consolle è attorniato 

da due giganti che farebbero invidia 

a qualsiasi appassionato; si tratta dei 

monumentali PMC BB5. Rimango un 

po’ sorpreso quando entro perché 

sento parlare in italiano: è Gianna 

Nannini, o meglio la sua voce che 

canta Indimenticabile, perché ai Metropolis 

stanno realizzando il master 

di Inno, raffinatissimo lavoro (gli 

archi sono stati registrati qui vicino 

agli Abbey Road Studios) della cantante 

toscana. Rubo qualche nota e 

qualche foto prima che Cousin applichi 

l’embargo e, per non lasciarmi 

a bocca asciutta, tiri fuori qualche 

chicca dal suo archivio. Torna nella 

stanza con una pila di CD: sono le 

rimasterizzazioni dell’opera intera di 

Peter Gabriel. Prende qualche disco 

e lo mette sul platorello. Poi è piacere 

assoluto, alla faccia di chi crede 

che “professionale” non faccia rima 

con audiofilo! 

una buona fetta del poco tempo a sua disposizione (vedi intervista) 

rivelando le sue preferenze in fatto di artisti: “I Weather Report 

per me sono la più grande band del loro tempo e forse di sempre. 

Se ascolti la musica del gruppo originario anche adesso è ancora 

‘fresca’; è veramente, musica straordinaria! Erano musicisti meravigliosi, 

fuori da questo mondo in termini compositivi. Credo 

davvero che Zawinul sia un genio e comunque il gruppo ha avuto 

tre compositori (Shorter, Zawinul, Pastorius) al più alto livello 

di abilità musicale. Sono stati davvero straordinari. Perché anche 

se li si confronta con il grande Miles Davies, la musicalità è 

impareggiabile.” Mentre Miles controllava tutto, Zawinul lascia 

che ogni strumento ‘lavori’ insieme agli altri... 

La visita continua con l’incontro di un altro decano del mastering come 

Tony Cousins, al quale chiedo se i vari Ampex (ce n’è uno in ogni sala, 

accanto all’immancabile Pro Tools) vengano utilizzati e se esistano 

committenti che chiedono di realizzare prodotti nell’uno e nell’altro 

formato: “Raramente” risponde Cousins, “i costi per realizzare un 

master su nastro sono oggi troppo alti e quasi tutti rinunciano”. 

Segno dei tempi: siamo a bordo di un’astronave futuristica e si rischia 

che manchi il carburante… 


LE CITTÀ DELLA MUSICA 

di Federico Geremei 

Pacific Beat 

foto T. McKenna 

L’invito, per una volta, è a guardare in basso. Tra i piedi che si muovono lungo il marciapiede 

di una strada al centro di Papeete, la capitale. E non col naso all’insù – come suggeriscono le brochure 

dal lessico troppo patinato (ma in Polinesia più azzeccato che altrove) – o con lo sguardo che spazia, 

saturo ma non sazio, dall’atollo in primo piano all’orizzonte sul Pacifico e oltre. 

Capita d’imbattersi in una scritta rosa: “C’est à travers les mots, 

entre les mots, qu’on voit et qu’on entend”. È una frase di 

 

sonalissimo 

resoconto – condensa l’esotismo polinesiano in un cocktail 

 

 

le tradizioni orali a dare forza al canto, alle danze, alla musica. Le corde 

vocali al servizio dei racconti e dei canti accordano quelle di ukulele & co, 

 

comprendere la miscela di ritualità partecipata, arte, socialità ed estro. 

Un rebus antropologico liquidato in fretta dai primi avventurieri e dai 

 

lascive. E così i pehe 

mito e lo calavano nella vita di tutti i giorni – sono stati riconvertiti in 

himene- 

orero sopravvive oggi tra amarcord 

e nuove, inevitabili forme e varianti. Come orientarsi in tutto questo 

 

 

 

 

non esoterica) o melange percorribile – ci si può nutrire con assaggi 

 


- 

 

 

 

bringue 

 

- 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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airoi 

 

 

 

 

 

 

upa 

upa 

 

 

INFO 

 

 

Ente del Turismo della Polinesia Francese in Italia 

 

www.tahiti-tourisme.it 

- 

 

- 

Ori Tahiti – La 

info@tahiti-tourisme.it – 02-66980317 

Compagnia di bandiera Air Tahiti Nui 

www.airtahitinui.com 

 

 

 

- 

Danse à Tahiti 

 

Formalità di ingresso 

Passaporto con validità di almeno sei mesi dalla data di rientro. Per chi vola 

- 

 

passando per gli Stati Uniti – anche solo in transito – valgono disposizioni 

ulteriori: eventuale visto e certificazione ESTA. 

 

 

foto F. Geremei 


LE CITTÀ DELLA MUSICA 

L’UKULELE 

È da secoli protagonista della musica polinesiana. Per qualcuno è la derivazione 

dei portoghesi cavaquinho e rajão, altri lo ritengono una variante del 

kamaka hawaiano. Che sia fiorito spontaneamente alle isole Marchesi (e da lì 

nel resto della Polinesia) o abbia prima germinato sulle coste lusitane e/o tra 

i vulcani dell’arcipelago su cui oggi sventola lo star-spangled banner, poco 

importa: ha quattro corde (a volte otto) – sol, do, mi, la – e niente cassa di 

risonanza. Ha però risuonato spesso oltre i confini di Tahiti: Rino Gaetano l’ha 

portato sul palco dell’Ariston per accompagnare Gianna (Sanremo 1978) e 

qualche anno dopo è stata fondata la Ukulele Orchestra of Great Britain. C’è 

poi voluto un decennio ed è stata la volta di Israel Kamakawiwo’ole con la 

sua Over the Rainbow. Ultime due segnalazioni, per gli anni Duemila: Amanda 

“Fucking” (sic) Palmer dei Dresden Dolls s’è cimentata a reinterpretare alcuni 

brani dei Radiohead con l’ukulele ed Eddie Vedder ha realizzato un interno 

album, Ukulele Songs. 

foto F. Geremei 

quell’anno – e, di nuovo, per trent’anni – che si entra in una nuova 

fase. Tutto merito di Madeleine Moua, istruttrice di danza che standardizza 

alcuni canoni artistici, ne promuove la diffusione e dà il la ai 

 

e promozione partecipata, pone le basi per il revival i cui echi si sentono 

ancora oggi. Quali princìpi sono rimasti immutati in questi due secoli 

ote ‘a, l’uso delle mani 

per rafforzare ciò che i testi evocano e i movimenti molto limitati della 

testa che resta quasi sempre immobile. Un turbocompendio è dunque 

necessario. La hura, una delle danze più antiche, aveva un carattere 

speciale: i costumi particolarmente elaborati coprivano buona parte 

ote ‘a, nata invece 

come danza maschile di guerra, s’è poi articolata ed estesa alle donne 

 

panorama polinesiano. La hivinau e la pa’o’a puntano sul dialogo tra 

un coro e un solista per mezzo di corrispondenze sonore e movimenti 

circolari. L’aparima 

alternativamente forza espressiva dai movimenti (aparima vava) e dalle 

parole (aparima himene). 

La scena musicale tahitiana, intesa come contenitore e arena di performance, 

è stata poco varia e piuttosto eventuale per tanto tempo. Le 

cose stanno però cambiando e l’offerta della vie nocturne si fa sempre 

più affollata. Orbita tra il lungomare nel cuore di Papeete e qualche 

tratto costiero non lontano dai moli capitolini. Il Morrison Cafè ed il 

Mango si contendono la scena hi-end del Vaima – il centro del centro di 

Papeete – con dj set e cocktail dal tramonto in poi. Idem per l’Ute Ute 

(rue Collette 45) mentre il Velvet si rivolge ad un pubblico più giovane. 

Al Manava Café (avenue Bruat) si ozia miscelando l’alcool coi decibel: 

a volte è lounge music, ogni tanto sono le improbabili performance di 

karaoke ad animare l’ambiente. Il panorama istituzionale si integra con 

quello di bistrot et similia. Vale dunque la pena informarsi su cosa sia 

in programma in Place To’ata ed al Grand Théâtre de la Maison de la 

Culture (te Fare Tauhiti Nui). Il Royal Tahitien si sta affermando come 

ribalta di musica locale, tradizionale e moderna, consolidando l’offerta 

dei weekend con concerti che spaziano tra i generi, per un pubblico 

trasversale e attento. La rassegna cittadina, parziale ma orientativa, si 

chiude col Retrò e Les Trois Brasseurs: locali storici sui cui palchi ogni 

tanto si affacciano artisti degni di nota ed esordienti più volenterosi che 

 

la macchina o un passaggio via mare. Piroga, catamarano o taxi, non 

 

e si beve bene e le proposte musicali sono interessanti. Le alterazioni 

cromatiche del Blu Banana e del Pink Coconut non alludono a psichedelismi 

oceanici, sono i nomi di due valide alternative al boulevard della 

capitale. Si trovano sui moli della Marina Taina a Punaauia (un quarto 

d’ora da Papeete). Al Maru Kafé di Mahina (pk 10, côté mer) si va per 

la cucina fusion hawaiana e per le sporadiche jam session. 

Lo stardom musicale tahitiano ha un centro di gravità denso: è composto 

da miscele sempre diverse di rock tradizionale – più o meno mainstream, 

con sperimentazioni che attingono a vivai locali e impreviste contaminazioni 

– e da un folkpop in buona parte presidiato da voci femminili. 

Ragionare per generi ha comunque poco senso, meglio provare a tracciare 

 

ordine molto soggettivo di preferenza: Toa Ura, Tikahiri, Manahune, 

Pepena, Maruao. Sull’altro fronte vanno segnalati Nyah, Angelo, Taloo 

e Sabrina Laughlin. Una menzione a parte la meritano Jean Gabilou 

– settantenne eroe locale che ha attraversato gli anni ’70, ’80 e ’90 tra 

avanguardie curiose e melodie catchy – e l’hip hop che ha mosso i primi 

veri passi con Fenua Stile e Code98 e inizia ora a proporre nuove realtà. 

Te Fare Upa Rau, il conservatorio di Papeete, è attivo da oltre un trentennio 

e dal 2005 è guidato da Fabien Dinard, etoile delle danze tahitiane: 

per quindici anni ha diretto il corpo di ballo Te Maeva, uno dei 

più importanti dell’arcipelago, ed è stato riconosciuto come il miglior 

ballerino della Heiva i Tahiti. L’istituto, con sede al centro di Tipaerui, 

è articolato in due dipartimenti (più uno): arti tradizionali, arti classiche 

ed arti plastiche. Oltre mille studenti, un terzo dei quali frequenta 

i corsi di danza. Attivo tutto l’anno, si apre alla comunità locale ed ai 

viaggiatori in visita per far conoscere i propri talenti in diverse occasioni. 

Le prossime due sono il Grande Concerto della Pace (settembre) e La 

Giornata Portes Ouvertes (dicembre). 


I COLORI DEL SUONO 

di Guido Bellachioma 

Italia ‘70 

Negli anni ‘60 

il batterista era spesso 

al servizio degli altri, 

nei ‘70 con la rottura 

delle barriere stilistiche 

diventa un musicista 

come tutti gli altri, 

persino più selvaggio... 

immagine perfetta come 

simbolo per l’avventura 

denominata Italia ‘70. 

foto F. D’Emilio 

Gianni Belleno, dopo lo 

scioglimento dei New Trolls, 

con gli Ibis nel 1973. 

Il numero 70 esce spesso sulla ruota della musica contemporanea, 

quindi conviene giocarvelo senza troppe remore, rischiate di 

vincere… e in quella italiana non poteva andare diversamente. 

Da quella decade pazzesca, non solo a livello musicale, provengono 

i personaggi che compongono questo sesto numero de I colori del 

suono. Due cantautori, sia pure decisamente diversi, come Francesco 

Guccini e Francesco De Gregori, e tre gruppi rock, in qualche modo 

legati tra loro, sia dalla matrice progressive sia dalla provenienza 

romana. Banco del Mutuo Soccorso (la nuova e monumentale 

versione del capolavoro Darwin, CD e vinile, merita attenzione). I 

riformati Semiramis, in cui militò a inizio anni ‘70 un giovanissimo 

Michele Zarrillo, stanno scaldando i motori per riportare in pista 

il loro Dedicato a Frazz, album che nel 1973 lasciava ben sperare 

per il loro futuro, se non si fossero sciolti come tante altre realtà di 

 

nel settore progressivo, pure loro bruciati come una supernova 

dall’instabilità emotiva e artistica. Mi scusino gli altri protagonisti 

ma questo numero è dedicato in particolare a Marcello Vento e 

Maurizio Rota, motore ritmico e voce di questa band; entrambi ci 

hanno lasciato troppo presto… 


I COLORI DEL SUONO ITALIA ‘70 


Quasi come Guccini... 

Parafrasando il titolo di uno dei più riusciti 

lavori del cantautore, Quasi fosse Dumas, 

interamente live, tentiamo di tracciarne il ritratto 

con l’ausilio di una corposa chiacchierata... 

E se fosse “quasi” un’intervista vera 

Rieti, 2011 

foto F. Desmaele 

D 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Oggi gli artisti rinnovano l’immagine tutte le stagioni, a volte 

ogni settimana, non è perlomeno strano che per numerose 

decadi tu abbia pubblicizzato i concerti col manifesto che ti 

ritrae intorno alla metà degli anni ‘70 Consuetudine scaramantica 

o paura del tempo che passava 

 

- 

 

 

 

 

 

 

 

 

Nel 1961 cantavi L’antisociale, ritratto dei disagi sociali di 

quella generazione. Nonostante fosse una canzone impegnata 

aveva un timbro allegro, persino sereno. Come dipingeresti 


FRANCESCO GUCCINI 

l’antisociale odierno, ormai a molti decenni di distanza da 

quella prima volta 

Non si può scrivere la stessa canzone due volte, quindi non saprei 

come descrivere l’antisociale. I cantautori scrivono canzoni sulla 

loro pelle e sugli anni che trascorrono in un certo modo. Si cambia 

troppe volte nel corso della vita, il 21enne di ieri non è più l’uomo 

“maturo” odierno, oppure lo è ma in maniera diversa. Ho composto 

una canzone intitolata Nostra signora dell’ipocrisia, non si tratta 

 

Parla delle brutture della nostra società in modo diverso che in 

precedenza, seguendo, ovviamente, le idee di un passato che non ho 

rinnegato. Solo bisogna rendersi conto che molte cose sono cambiate, 

spesso in peggio. 

Scontata ma doverosa una domanda su Augusto Daolio, altra 

“icona”, come il tuo manifesto, della musica italiana. Parlavi 

dei Nomadi e inevitabilmente spuntava il nome di Guccini. 

(borbottio indistinto - ndr) Purtroppo 

gli anni aumentano: è facile 

andare ad un funerale, meno ad un 

matrimonio, e questo fatto risulta, 

disgraziatamente, inevitabile. Al 

di là della retorica, lui era troppo 

giovane per essere naturalmente 

 

di una grave perdita. Certo sarà 

 

Era l’unico personaggio dell’intera schiera dei gruppi anni ‘60 ad essere 

ancora voce importante della canzone italiana. Il pubblico stravedeva 

per Augusto e lui lo ripagava con estrema partecipazione. Ha voluto 

 

per lui uno sforzo titanico. 

spesso si tratta soltanto di un naturale ricambio generazionale, perché 

sono arrivati in certe strutture le persone che sono cresciute con quelle 

determinate canzoni, perciò non hanno nessuna vergogna o nessun 

pavido timore, come facevano i vecchi accademici, che si trinceravano 

dietro la cultura con la K. 

Finalmente il riconoscimento della canzone come opera 

d’arte 

Opera d’arte non so e non mi interessa più di tanto; sicuramente progetto 

vitale e valido culturalmente. Prende molta parte della nostra vita, questo 

è il punto interessante nel bene e nel male, quindi degna di attenzione. 

 

 

In fondo una pagina scritta, sia una poesia che una 

canzone, non è una realtà immutabile come può 

apparire a livello superficiale. A volte, riascoltando i 

testi delle nostre canzoni preferite, che sembravano 

misteriosi e nuovi, ci accorgiamo come siano logici 

ed inevitabili. 

Non tutti la pensano allo stesso modo, compresa la maggior 

parte degli stessi artisti. 

Lo so, mi dispiace ma non posso 

fare molto, tranne che continuare 

ad avere il medesimo comportamento. 

Circa 30 anni fa due 

ragazzi francesi diedero la tesi 

universitaria sulle mie canzoni, 

mentre una ragazza bolognese 

 

per la propria. Le risposero, più 

o meno brutalmente: “Insomma, 

vuol fare una tesi su quelle canzoni... via, che diavolo mette nella rela- 

 

lezioni, o semplici conversazioni, sulla mia attività di compositore. 

Non è importante tanto per me quanto come doveroso riconoscimento 

alla canzone d’autore. 

Il gruppo ha continuato. Ha senso, secondo te È possibile 

avere i Nomadi senza Augusto 

Onestamente non sta a a me dirlo. Sono loro scelte, ecco, ovviamente 

Augusto è impossibile da sostituire. Sarebbe stato più facile nel caso di 

un musicista, forse: lui era la voce, l’immagine, l’anima. 

Cosa pensi dell’odierno e acclamato “Rinascimento della 

musica italiana”, dopo gli anni ‘80 e ‘90 dominati dal pop internazionale, 

quando, tuttavia, il tuo Madame Bovary, 1987, 

scalzò Notorius 

(ride - ndr) Ah, siamo addirittura al Rinascimento. Esiste, certamente, 

un’attenzione maggiore per la canzone italiana, però non è tutto oro 

ciò che luccica; può essere frutto di accorte strategie di mercato. Odio 

citarmi ma in questo caso mi fa comodo farlo... ormai molti anni fa mi 

hanno consegnato il premio Montale, segno abbastanza preciso di un 

atteggiamento in progressiva mutazione, persino in ambienti un tempo 

ostili alla canzone, come quelli accademici. Attenti a cantare vittoria, 

Cosa dovrebbe differenziare le canzoni incise in uno studio 

di registrazione e quelle riproposte dal vivo 

Problema complesso, meriterebbe una dissertazione profonda. Ho 

iniziato a discuterne in seminari universitari, perché sono molte le 

considerazioni da fare. La canzone è gestualità, teatro, e cambia incessantemente. 

Sono convinto che bisognerebbe riuscire a cantarla prima 

davanti al pubblico e solo successivamente in studio, perché ogni canzone 

s’impara a cantare attraverso il tempo e non subito. Qualcuna la 

canto meglio adesso di quando l’ho scritta. Nel momento dell’incisione 

di un disco è ancora troppo fresca, non capisco come rappresentarla 

esattamente, perché non possiede... 

Una vita propria 

Esatto. Sarebbe importantissimo riuscire ad interpretarla prima, 

quando diventa teatro, spettacolo, col pubblico davanti. Non mi sono 

mai cantato addosso a casa da solo; ho sempre avuto bisogno di 

una spalla, come Totò con Peppino De Filippo... e in questo senso il 



Palasojourner, Rieti, 2011 

foto F. Desmaele 

pubblico è una spalla meravigliosa, ti porta ad interpretare la canzone 

con passione, al meglio delle forze, altrimenti perde in intensità. Gli 

 

 

 

Sicuramente. 

 

 

Se posso fare un paragone azzardato, la lettura della Divina Commedia 

 

 

 

Bisogna considerare il momento storico e politico, la cultura personale. 

In fondo una pagina scritta, sia una poesia che una canzone, non è una 

scoltando 

i testi delle nostre canzoni preferite, che sembravano misteriosi 

 

 

 

 

 

La canzone del bambino nel ventoAuschwitz 

 

 

Auschwit 

 

è ancora attualissima, oggi come ieri. 

Radici 

 

Le radici e le ali 

 

- 

 

 

culturale, sociale e politico cui si attinge. Impossibile rispondere per 

tutti. Grosso modo i miei grandi maestri sono stati tre: Jacques Brel, 

George Brassens e Bob Dylan. 

Panorama 

 

Credo si tratti soprattutto di una coincidenza. La cultura della propria 

terra non è elemento marginale nei brani di qualsiasi compositore; però 

 

 

se dovessi cambiare città, per 

vivere sceglierei sicuramente Roma 

 

troppo 

nel corso degli ultimi anni sono cambiate tante situazioni, forse 

 

rapporti umani per la frenesia della troppa gente che corre senza sapere 

dove andare o cosa fare. Ma questi sono mali di ogni metropoli e, devo 

ammettere, pure Bologna non è più quella di una volta. 

 

Ho ancora voglia di raccontare storie che siano patrimonio di tutti quelli 

che hanno ancora voglia di pensare... 




Banco... sempre Banco... 

fortissimamente Banco 

Non sono poi molti i gruppi, specialmente nel rock progressivo, che possono mettere tanti lavori 

discografici in fila: in studio e dal vivo, raccolte di materiale edito e inedito, ristampe con succulente 

novità, come questa straordinaria versione “rivoluzionata” di Darwin!, capolavoro targato 1972 di 

una musica senza frontiere. 


BANCO DEL MUTUO SOCCORSO 

La storia del Banco del Mutuo Soccorso è, quasi inevitabilmente, 

una porzione consistente della storia del rock, non solo 

italiano. Vittorio Nocenzi e Francesco Di Giacomo non sono 

certo artisti che possono vivere stancamente ciò che accade intorno; 

devono in qualche modo lasciare il segno. Riescono a farlo in modo 

credibile con la “lavorazione” di canzoni di più di 40 anni fa, come 

nel caso della pubblicazione in vinile triplo e doppio CD del cofanetto 

Darwin! contenente l’album originale missato direttamente dai nastri 

8 piste originali, Darwin! live, registrato a Cassino nel 2012, il brano 

inedito Imago Mundi, un po’ il capitolo conclusivo mancante con 

l’esortazione all’uomo di non sprecare tempo per salvaguardare la 

nostra Terra, interpretato con l’amico di sempre Franco Battiato e 

 

roba, ma la cosa più importante è che le fantastiche composizioni 

di questo classico sono ancora valide, oggi quasi più di ieri. L’evoluzione 

(13:59), La conquista della posizione eretta (8:42), Danza dei 

grandi rettili (3:42), Cento mani 

 

stagione e di oggi, sorta di Tex Willer e Kit Carson del rock italico. 

D’altronde non ci può essere Banco senza uno dei due. 

Darwin! e su altre storie… 

C’è sempre il punto esclamativo su questo Darwin 2013 o 

è cambiato qualcosa rispetto al Darwin! del 1972 

Sono cambiate molte cose dal 1972 a oggi e quasi mai in meglio: 

al concept di Darwin 

tassello, dovuto anche al frenetico scorrere dei minuti di questa 

vita stravolgente. Non ci sembrava giusto lasciarlo incompiuto, un 

po’ come fece lo scrittore Isaac Asimov, che dopo 30 anni riprese la 

saga de La Fondazione e aggiunse i capitoli mancanti, secondo una 

foto G.Bellachioma 

e cento occhi (5:22), 750.000 

anni fa...l’amore (5:38), Miserere 

alla storia (5:58), Ed ora 

io domando tempo al tempo ed 

egli mi risponde... non ne ho! 

(3:29)… 

In un’epoca in cui l’acquiescenza 

al sistema è segnata dall’omologazione 

più sfrenata, il Banco 

del Mutuo Soccorso va oltre il 

 

dei brani e centra il volto dell’incauto 

ascoltatore grazie a testi 

tosti come i colpi del Mike Tyson 

pre-carcere, e il fatto che siano 

stati scritti all’alba degli anni ‘70, 

rimanendo freschi, lucidi, ma po- 

 

 

di questa coppia artistica - uno 

visione mutata. Imago Mundi è la conclusione adeguata ai tempi che 

viviamo, dove tutto è così strillato ma ormai nessuno ci fa caso, ci si 

anestetizza alle grida di allarme su questo nostro pianeta martoriato 

e noi non vogliamo che questo grido rimanga inascoltato, almeno 

tunatamente 

non tutti si abituano e si adeguano a uno stile di vita 

che sta massacrando tutto e tutti, presente e futuro. Nel 1972 con 

Darwin! c’interrogavamo e ci rispondevamo sull’evoluzione, oggi 

sull’involuzione. In particolare l’Occidente mi pare sia messo male: 

pochi valori e pure confusi. Il punto esclamativo costituiva lo sprone 

a guardare tutto con gli occhi della scienza e a combattere le regole 

 

Darwin: l’evoluzione E la risposta non c’è, la cerchiamo ma non 

l’abbiamo ancora trovata. 

Perché riportare alla luce questo disco, sia pure in una 

veste mai così ricca 

È ancora attuale in modo sconcertante. 

Nel 1972 il Banco aveva 

appena fatto il Salvadanaio, 

album antimilitarista, contro le 

follie dell’uomo, diretto nelle musiche 

e nelle liriche: la band preferiva 

scrivere senza strettoie e 

costrizioni. Il nostro produttore, 

Alessandro Colombini (Equipe 

84, Lucio Battisti, Maxophone, 

Formula 3, Antonello Venditti, 

Premiata Forneria Marconi, 

Edoardo Bennato - proprio il 

 

al produttore milanese una strofa 

della canzone Rinnegato: a mia 

Francesco Di Giacomo , discolpa cito Sandro Colombini 

Roma 1989. 

americani / è lui che mi consiglia 

rock a tutto spiano / però lo 

dice sempre con un mitra in mano - ndr) , suggerì come tema di un 

album concept la teoria dell’evoluzionismo e l’argomento piacque a 

tutti, così fu Darwin! Comunque nelle composizioni l’evoluzionismo 

 

un po’ diverso, senza paraocchi”. La conquista del pianeta, il vulcano, 

l’eruzione, le melodie cromatiche: nell’attimo stesso di tirarsi in piedi, 

 

anni e lo scontro dell’individuo e il gruppo, il pericolo di essere soli 

ma anche il limite; 75.000 anni, cosa c’è di più attuale dello scimmione, 

che resta nascosto a contemplare l’oggetto del proprio amore 

 

vita che si chiude e io domando tempo al tempo ed egli mi risponde 

non ne ho. Non abbiamo politiche ecosostenibili, proseguiamo a 



foto G.Bellachioma 

Vittorio Nocenzi, Torino 1995. 

Come mai Battiato per quello 

che consideri il capitolo 

Darwin 

Franco è una delle persone più 

 

pre! Ci conosciamo da 40 anni, 

 

lungo strade con molti punti in 

contatto: è artista poliedrico, 

 

alla pittura, stimola e si lascia 

 

 

Francesco. Sia La Cura, suo bra 

no del 2000, sia 750.000 anni 

fa 

 

dal medesimo cuore. Franco è 

un altro dei pochi che è rimasto 

lo stesso, arricchendo il proprio 

 

 

proprio passato, ma non rima 

nendone strangolato. 

distruggere il pianeta, noi siamo in sintonia con Greenpeace. Imago 

Mundi (supportato da un video con le immagini “forti” fornite da 

 

 

serve oggi: “stamo in campana”. 

Imago Mundi è ricerca di semplicità e sintesi anche musicale; 

vicino nello spirito ma con un linguaggio musicale 

meno intricato rispetto al rock progressivo degli esordi… 

Non accade mai nulla per caso, almeno a noi. Rinnegare il passato, 

 

nostra musica deriva dal nostro modo di essere, non seguiamo mode 

 

 

 

 

 

riusciti a creare un ponte tra i due Darwin: sempre Banco del Mutuo 

 

anche se le mie in particolare risalgono alla passione per la musica 

 

e amo Beethoven e Schoenberg, Bach e Stravinskij. 

Sei cosciente che attraverso 

la tua musica puoi scatenare 

tempeste emotive profonde 

nelle anime e nelle menti di chi ti ascolta 

 

sia uno dei fattori più stimolanti nel comporre e suonare la tua 

 

 

ca è possibile dipingere una tela infinite volte, trovare infinite 

 

vissuta, non solo da chi la compone, con la testa e con il cuore. 

Non bisogna usare sempre la ragione ma neanche solo la pancia 

 

lei, infine, arriva… 

Tu e Francesco siete una coppia ormai indissolubile nella 

musica, senza distinzione di generi: come si fa a rimanere 

insieme per più di 40 anni, neanche la maggior parte dei 

matrimoni o delle unioni di fatto regge tanto 

 

le cose possono portare a malintesi, più o meno gravi, dipende dalla 

 

 

 

che ripara il terreno dal sole e dalla pioggia, sotto la vita. 


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Né trucchi né illusioni… 

Il cantautore romano è 

ormai tra le icone più 

rappresentative della 

musica italiana, dagli 

anni ‘70 sino a oggi… 

eppure proprio in questa 

fase sembra aver trovato 

il proprio equilibrio, 

senza concedersi 

alle mode e senza 

rinnegare nulla. Persino 

la dimensione live 

sembra dargli maggiore 

soddisfazione che in 

passato… 

Atlantico, Roma, 14 marzo 2013 

foto S. Cecchetti 

Oggi come ieri Francesco De Gregori - nato a Roma 

il 4 aprile 1951 sotto il segno dell’Ariete - è uno dei 

pochi artisti a non aver mai perso la propria identità, 

sia musicale sia testuale, mantenendo la memoria di se stesso, 

i propri ricordi e le proprie convinzioni, e in questa epoca di 

trasformisti, che amano cavalcare con troppa ambiguità mode 

e tendenze, non è una qualità da sottovalutare. Poi ognuno di 

noi, probabilmente anche De Gregori stesso, ha gli album che 

gli piacciono e lo convincono di più. In lui le vecchie e le nuove 

canzoni diventano un unicum credibile. Persino la dimensione 

live sembra dargli maggiore soddisfazione che in passato: ho 

avuto modo di vedere/ascoltare le lunghe prove all’Atlantico Live 

di Roma il 13 marzo, giorno precedente del concerto d’apertura 

del tour, e l’ho visto davvero motivato e con una band di livello 

eccellente, e scorrendo i brani che ha eseguito mi sono reso conto 

nuovamente di quante canzoni, belle e anche importanti, abbia 

composto; solo rimanendo a parte di quelle incluse nella scaletta 

di Sulla strada tour 2013… Generale, Vai in Africa, Celestino!, 

La donna cannone, Guarda che non sono io, Santa Lucia (la 

canzone tratta da Bufalo Bill del 1976 che lui dedica a Lucio 

Dalla. Il cantautore bolognese la definì la sua canzone preferita 

di De Gregori), Titanic, Sulla strada, W l’Italia, Passo d’uomo, 

Belle Époque, Sempre e per sempre, Bambini venite parvulos, 

Showtime, Rimmel, Buonanotte fiorellino… 


FRANCESCO DE GREGORI 

È opinione comune che tu sia un po’ orso nei confronti del 

prossimo, specialmente nei rapporti con la stampa. Cosa 

ne pensi 

Non sono affatto l’orso scorbutico dipinto da giornalisti frettolosi, 

con cui, nella maggior parte dei casi, non ho mai parlato. Ciò nasce 

soprattutto dall’esigenza, che reputo sacrosanta, di discutere esclusivamente 

delle mie canzoni e non della mia sfera privata, che, in 

ogni modo, ha poco d’interessante per il pubblico. 

Come mai questo malessere nel parlare della tua sfera 

personale 

Per prima cosa bisogna fare una distinzione: la sfera personale non 

corrisponde a quella privata. 

Della prima, che può equivalere 

a quella di molte altre persone, 

parlo anche volentieri, della seconda 

no. 

Ma le tue composizioni cantano solo i problemi della società 

moderna 

Le mie canzoni parlano di tutto: dell’amore, della gioia, della tristezza, 

della voglia di lottare per un mondo migliore, delle piccole disavventure 

quotidiane, dell’amicizia... della vita stessa. Ovviamente il mio linguaggio 

è diverso da quello di altri cantautori, forse più diretto. Un esempio: 

Bambini venite parvulos, inclusa in Miramare 19.4.89, è una canzone 

d’amore e di speranza per i giovani d’oggi, pure se parla del progressivo 

abbassamento dell’età dei killer, delle loro vittime e del fatto che spesso 

portano la stessa marca di scarpe. 

Quotidianamente si parla dei problemi ecologici, vorremmo 

Una domanda che ti sarà 

stata posta innumerevoli 

volte: quale disco prediligi 

tra quelli che hai inciso 

In genere si è portati a rispondere: 

l’ultimo, perchè il coinvolgimento 

emotivo risulta maggiore, 

anche per una questione 

di tempo. Tengo molto a Mira 

Mare 19.4.89 (1989), un disco 

che non è stato capito a fondo, 

ed a Titanic (1982). Rispetto a 

questo album vorrei fare una 

considerazione: oggi tutti lo 

citano come uno dei miei lavori 

più belli, però ricordo che 

appena uscito molti storcevano 

Rieti, 2005 

la bocca ed i negozianti lo esponevano 

malvolentieri. È un po’ 

il mio destino essere capito in ritardo, comunque preferisco tale 

comportamento alla frenesia consumistica grazie a cui i dischi 

vengono bruciati in pochi giorni e immediatamente dimenticati. 

cialità 

e completo disinteresse ai problemi della società. 

Sei d’accordo con tale affermazione 

Assolutamente no, sono invece cambiati i metodi per esprimere il 

dissenso ed il malumore nei confronti di ciò che non funziona. Esiste 

una larga fetta di mondo giovanile che vuole cambiare le cose, che 

non prova nessuna gioia nell’accettare passivamente i gravi problemi 

della nostra società, quali la tossicodipendenza, la disoccupazione, 

le disfunzioni della scuola, etc. 

foto D. di Bona 

sapere la tua opinione in proposito. 

Mi sembra che il problema sia impostato male, purtroppo oggi le disfunzioni 

dell’ambiente sono la realtà e l’emergenza quotidiane, mentre spesso 

diventano una moda da cavalcare per mettersi in evidenza. Bisogna 

 

Quali esperienze hanno lasciato un segno nella tua vita 

La vita è tutta un segno. Esperienze particolari da segnalare non ce ne 

sono, forse alcune tappe della mia carriera, il successo di un disco che mi 

ha emozionato in maniera particolare. Sono arrivato ad essere quello che 

sono oggi senza grandi strappi o traumi, una crescita progressiva, pur se 

critica. Non ho mai avuto, come Bob Dylan, un incidente di moto o una 

donna che mi ha abbandonato, cambiando il mio modo di essere. 




Dedicato ai Semiramis 

Teatro Politeama, Palermo, 1973. 

Da sinistra Marcello Reddavide, 

Paolo Faenza, Michele Zarrillo 

Nel panorama del rock italiano degli anni ‘70 i romani Semiramis occupano un posto di seconda 

fila solo per scarsità di materiale prodotto: Dedicato a Frazz, loro unico album del 1973, è un lavoro 

solido e passionale, pienamente immerso nel suono progressivo e contaminato del periodo. 

Dalla band sono usciti due artisti di rilievo, anche se lontani dall’immagine progressiva, ovvero 

Michele Zarrillo e Giampiero Artegiani. 

I 

Semiramis proprio in questi mesi hanno deciso di tornare in 

pista, riportando alla luce l’intero loro album, con due membri 

storici in formazione, il batterista Paolo Faenza e il chitarrista 

acustico Giampiero Artegiani, che suona anche i sintetizzatori come 

nel disco originale. Hanno la benedizione di Michele Zarrilo, all’epoca 

chitarrista solista, che ha fatto loro il miglior in bocca al lupo, e del 

fratello Maurizio, tastierista, oltre che di Marcello Reddavide, bassista; 

gli ultimi due non suonano più da molti anni. La nuova line up 

prevede, oltre ai due Semiramis storici: Roberto Iannone (tastiere), 

Antonio Trapani (chitarra), Ivo Mileto (basso), Vito Ardito (voce). 

La band tornerà dal vivo a settembre in occasione del 20ennale del 

Progressivamente festival a Roma (notizie in divenire su www.progressivamente.com.). 

Maurizio Zarrillo e Paolo Faenza parlano di 

quella bruciante avventura che fu l’incontro tra i Semiramis e Frazz. 

Avete inciso un unico LP, ma qualcuno ogni tanto parla di 

un mitico 45 giri, che, però, nessuno ha mai visto... 

P.F. In realtà registrammo un 45 giri con Luna Park e Frazz allo 


SEMIRAMIS 

studio 38 di Roma, però cominciammo a lavorare subito ad altri 

brani e il progetto fu accantonato. La versione di Luna Park, diversa 

dal 33 giri, comparve nel 2004 nella compilation Progressivamente. 

La nascita dei Semiramis 

M.Z. I Semiramis nascono per volontà mia e di Marcello Reddavide 

con Memmo Pulvano alla batteria, cugino di Marcello, e un chitarrista 

di cui mi sfugge il nome, che non ha mai suonato con noi dal vivo. 

Io, Marcello e Memmo avevamo già “giocato” insieme in un altro 

gruppo, Ipotesi di una Metamorfosi, il cui repertorio è la base del 

primo concerto dei Semiramis al Festival Pop di Villa Pamphili nel 

1972, che vide l’ingresso di mio fratello Michele alla chitarra e alla 

voce, prima in un altro gruppo con Artegiani e Faenza. Memmo abbandona 

dopo Villa Pamphili (senza nessun problema personale, anzi, 

si trattava di un buon elemento 

a livello tecnico, solo che non 

guadagnava abbastanza per vivere). 

Così Michele chiama Paolo e Roma, 1973. 

Maurizio Zarrillo, 

Giampiero e solo con questa formazione 

i Semiramis trovano la 

propria dimensione artistica. Le 

possibilità strumentali si allargano, 

Giampiero suona la chitarra 

acustica e raddoppia il mio pianoforte 

coi sintetizzatori. Nasce 

l’idea di Frazz, un fantoccio che 

rappresenta tutte le costrizioni 

della società intorno a noi, che 

viene distrutto da Giampiero alla 

 

le forze negative. 

P.F. Quando io e Giampiero 

entrammo nella band non avevamo 

assolutamente idea di cosa 

saremmo andati a suonare; sapevamo 

solo che si trattava di 

musica originale e molto rock. 

Non avevamo bisogno di altro per essere convinti. Dei brani eseguiti 

 

improvvisando molto, accorgendoci che dalla chitarra di Michele 

 

periodo. Il nostro suono non rimase legato solo ai virtuosismi chitarristici 

che, però, servirono come stimolo al nascere della tendenza 

all’intreccio e al contrappunto di tutti gli strumenti. Nella saletta 

prove dei Zarrillo c’era un vibrafono, abbandonato e impolverato; 

immediata la decisione collettiva: lo avrei suonato io! Marcello, a cui 

si deve anche la scelta dell’appellativo Semiramis, portò un giorno 

questo “romanzo” al cui personaggio principale mancava il nome. 

Ci venne in mente di trovarlo unendo le iniziali dei nostri cognomi 

(FaenzaReddavideArtegianiZarrilloZarrillo)… Così nacque Frazz. i 

primi pezzi che vennero di getto furono Luna Park e Frazz. Entrò in 

scena Robert Cunningham, editore americano (fondatore di Sound 

FlashDaily American ed ex membro 

dei Barefoot (durante gli anni ‘80 nello staff politico del presidente 

Reagan), che diventò produttore per hobby. S’innamorò della nostra 

musica e decise di lanciarci. Tramite lui arrivò il contratto con la Trident, 

proprietà di Maurizio Salvatori, ma, altrettanto rapidamente, 

Cunningham perse l’interesse nel progetto e si allontanò. L’ultimo 

brano dell’album ad essere composto fu Clown, che io ritengo il capolavoro 

del disco. Uno Zoo di Vetro è fantastica per la parte hard, 

Per una Strada Affollata ha dei cambi bellissimi dal rock al sinfonico. 

A volte mi chiedo come cavolo abbiamo fatto a tirare fuori un lavoro 

del genere.... mah! Eravamo molto giovani al momento dell’incisione 

del 33 giri: Michele 16anni e mezzo, io compii 18 anni mentre ero lì 

a Milano a registrare. Provammo 

la travolgente emozione di essere 

in uno degli studi più importanti 

d’Italia, Studi di registrazione 

sonora Regson (poi diventati nel 

 

Mauro Pagani - ndr), dove nello 

stesso periodo Franco Battiato 

registrò Pollution. Avevano sia 

l’8 che il 16 piste; a noi, giovani 

di belle speranze, fornirono l’8 

piste, pensavamo sarebbe bastato 

così ci costrinsero a molti 

premissaggi per riuscire a terminare 

le registrazioni. Nella sala 

c’erano a disposizione una marea 

di strumenti: Hammond C3, 

Mellotron, ARP 2600, Moog, un 

vibrafono da grande orchestra… 

Eravamo come dei bambini in 

un negozio di giocattoli, dove 

potevamo prendere tutto senza 

nessuno che ci dicesse cosa fare. 

Un’esperienza totalizzante e liberatoria. 

Musicalmente parlando, cosa hanno rappresentato per te 

gli anni ‘70 

M.Z. Gli anni ‘70 sono ancora oggi il decennio che musicalmente 

 

Genesis, Emerson Lake & Palmer, Nice, Jimi Hendrix Experience, 

Santana, Who, Yes, mentre a livello più generale ci colpiva molto 

Woodstock. Sono un nostalgico perché vivo ancora nel ricordo dei 

‘70; gli anni ‘80 mi hanno portato, ovviamente in ritardo, alla conoscenza 

più approfondita dei Pink Floyd. 

 



Paolo Faenza 

Roma, 1973. 

al nostro impianto. Suonammo 

anche col Rovescio della Meda- 

 

 

inglesi suonarono male, mentre 

al nord andarono meglio. 

Dal vivo eseguivate mai 

cover o improvvisavate sui 

vostri pezzi 

M.Z. Non abbiamo mai eseguito 

brani altrui, suonavamo 

esclusivamente i nostri brani, 

magari dilungandoci negli assoli, 

specie Michele con la chitarra, 

sempre, però, su una struttura 

ben precisa. 

foto F. D’Emilio 

Un brano in particolare di 

Dedicato a Frazz che ancora 

vi colpisce 

M.Z. Il disco mi piace nel suo 

complesso, però ritengo Luna 

Park il brano più attuale, sia musicalmente 

sia a livello di testi. 

parte di una scena complessiva 

La parola progressive non era assolutamente usata dai gruppi che 

suonavano: noi Semiramis ci consideravano un gruppo pop-rock. La 

nostra idea era d’ispirarci dichiaratamente ai gruppi stranieri, più 

inglesi che americani; componendo le prime cose, ci accorgemmo 

di possedere delle nostre radici espressive. Curavamo abbastanza 

l’immagine. Il padre di Artegiani lavorava a Cinecittà e molti dei 

 

nel brano Clown- 

 

 

I concerti negli anni ‘70... 

M.Z. 

P.F. 

- 

 

invece, i rapporti coi Garybaldi, penso ci vedessero come dei rivali, 

 

di noi suonavano sempre più a lungo per gelarci le mani. Facemmo 

nato, 

allora quasi sconosciuto, che ci chiedeva sempre di attaccarsi 

Compositivamente come 

lavoravate 

M.Z. I pezzi partivano dalle idee base di tutti, poi Michele le sviluppava 

e Marcello scriveva i testi, mentre gli arrangiamenti erano comuni. 

Tuo fratello Michele ormai ha intrapreso una carriera 

piuttosto lontana dal rock, più leggera... 

M.Z. È vero solo in parte, perchè Michele dal vivo è più rock e, 

 

musica. Le belle canzoni d’amore, comunque, possono portare ad 

un discorso alternativo e non necessariamente stereotipato. Dopo lo 

scioglimento dei Semiramis suonò, senza incidere nulla, col Rovescio 

 

 

 

 

 

Gli ultimi giorni… 

P.Z. - 

 

La magia era svanita con la rottura del delicato equilibrio interno. 

Un ultimo concerto a Magliano Sabina e poi addio Semiramis; ma 

ora si ricomincia… 


L’anno di Mr. Williamson 

La nascita delle valvole termoioniche, 

i pionieri dell’High-Fidelity, 

 

Storia” del tecnico inglese D.T.N. Williamson, 

 

 

 

 

 

 

440 pagine 255 43 

€ 26,90 

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Il grande gioco 

dell’Albero Motore 

Roma, 1974, da sinistra 

Glauco Borrelli, Marcello Vento, 

Adriano Martire, Sebastiano Pallottino, 

Maurizio Rota, Fernando Fera. 

Questo gruppo romano fu tra le migliori e più 

sottovalutate realtà del rock italiano degli anni 

‘70, sospeso tra suoni progressivi ancora senza 

nome e altre pulsioni ritmiche, mediterranee e 

anglofone. Di quella formazione non ci sono più 

Marcello Vento, vero e proprio uomo del ritmo, 

e Maurizio Rota, voce in stile Joe Cocker, il 

primo scomparso il 7 febbraio 2013, il secondo 

il 23 aprile 2010. A loro due, veri cuori rock, 

dedichiamo questo articolo. 

Nel 1974 la scena progressiva italiana viveva uno degli ultimi 

momenti di grande creatività, sottolineato da opere 

eccellenti come L’isola di niente della Premiata Forneria 

Marconi, Crac degli Area, Tilt degli Arti+Mestieri, l’omonimo debutto 

del Biglietto per l’inferno, Io sono Murple dei Murple, Contrappunti 

de Le Orme, Landscape Of Life degli Osanna, Genealogia del Perigeo, 

Pierrot Lunaire dei Pierrot Lunaire, Samadhi dei Samadhi. Eppure, 

nonostante tale copiosa produzione, si avvertiva che il vento stava 

cambiando e non certo a favore del rock progressivo. I gruppi trova- 

 

Festival Pop stile Caracalla o Viareggio, veri fallimenti economici e non 

certo per i compensi, quasi sempre inesistenti, spettanti ai musicisti 


ALBERO MOTORE 

portò a Milano per registrare alcuni provini 

la prima scritta da Arthur Hamilton 

per Ella Fitzgerald e la seconda dei Beatles, entrambe immortalate 

da Joe Cocker in… e da quel momento 

Il grande gioco iniziò la nostra collaborazione. Fondò la Intingo con Nanni Ricordi 

e produsse il nostro unico album 

 

Insieme al 

Canzonieredividevamo la sala prove sulla via Cassia 

a Roma. Facevamo della musica davvero uno stile di vita e i ricordi 

legati a quei momenti sono molto belli. Provavamo sino alla nausea 

arrangiamenti e nuovi brani, cosa che non ci riuscì più di fare in 

- seguito 

 

Avevamo la strumentazione da pagare, vera spada di 

Damocle per ogni giovane musicista. Suonare, suonare, suonare. 

Questa era la parola d’ordine per fare fronte agli impegni economici 

pressanti. Una situazione insostenibile e in fondo poco creativa, non 

riuscivamo più a trovare il tempo per comporre e cercare nuove 

 

tutti bisogno di altri stimoli: le canzoni dell’album ormai non ci 

rappresentavano più, eravamo andati oltre”. 

Prima di Albero Motore 

eravamo solo una band che suonava in giro per 

i locali con musicisti che si alternavano, sino ad arrivare alla line (IsraeleLandruLe esperienze 

passateMessico lontano 

Haimy Hackett e Elisabeth Gavaris, questa aveva fatto parte del cast 

dell’edizione italiana del musical Hair. Per riassumere, io e Maurizio 

formammo il nucleo iniziale, poi entrò Fernando Fera, chitarra, e in 

successione Marcello Vento, batteria, e Adriano Martire, tastiere. Dal Capodanno ‘74 

vivo non eseguivamo la maggior 

 

, tranne in rare 

occasioni e comunque sempre 

in inglese, perché Maurizio 

preferiva esprimersi così. 

Ricordo che piaceva molto al 

pubblico il brano che poi sarebbe 

diventato 

 

 

 

 

. 

Ricky ci venne ad ascoltare in 

un club al Nord 

e s’innamorò del 

modo di Maurizio di eseguire 

le canzoni di Joe Cocker, allora 

al massimo della popolarità. Ci 

DISCOGRAFIA 

LP/CD 

Il grande gioco (Intingo ITGL 14001, 1974) 

1) Cristoforo Colombo 6’15” - 2) Le esperienze passate 3’35” - 3) Una vita di 

notte 5’28” - 4) Landru 4’43” - 5) Israele 6’30” - 6) Nel giardino dei lillà 5’30” - 7) 

Capodanno ‘73 2’41” - 8) Provvisorietà 5’43” 

Facciata A (1/4): musiche di Fernando Fera (1,3), Glauco Borrelli (2,4). Testi di 

Ricky Gianco e Gianni Nebbiosi (1,3,4), poesia di Gianni Nebbiosi (2) Facciata B: 

(5/8): musiche di Fernando Fera, testi di Ricky Gianco e Gianni Nebbiosi 

SINGOLI 

Messico Lontano/ Mandrake (Intingo ITG 401, 1975) 

Il giardino dei lillà/Landru (Intingo promo, 1974) 

PARTECIPAZIONI 

Capodanno ‘74 sulla compilation Progressivamente 1993-2003 

(Progressivamente GMP 002 - 2004) 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


Q/P AL MASSIMO 

Come d’abitudine Rotel 

propone il suo mix 

concreto e duraturo. p. 82 

LO FAMO STRANO 

La Spirit One è la prima 

cuffia di Focal. 

p. 98 

MYZIC 

Sorprendente il piccolo 

Micromega per ascoltare 

in cuffia. p. 106 

TECNICA 

di Agostino Bistarelli 

Nuove frontiere per la liquida 

L’annuncio di iRadio da parte di Apple a poca distanza dal compimento dei 10 anni di iTunes 

prefigura ulteriori cambiamenti nella modalità di fruizione della liquida e il possibile passaggio 

dal downloading allo streaming, annullando completamente il senso di proprietà nella musica. 

Da qualche giorno con 

sempre maggiore 

insistenza sento gli 

rienze 

con Spotify; persone al di 

sopra di ogni sospetto, musicalmente 

parlando, che sembrano 

aver ritrovato il gusto della ricerca 

musicale tramite questo 

sistema… 

Qualche mese fa (28 aprile 2013) 

iTunes ha festeggiato i suoi primi 

dieci anni di vita nel segno di una 

serie di record impressionanti 

che pochi avrebbero immaginato 

possibili in quell’ormai lontano 

giorno del 2003 in cui il servizio 

prese il via: un catalogo di 

35 milioni di canzoni, disponibili 

in 199 paesi per un totale di 

vendite di 2,4 miliardi di dollari, 

con una crescita annuale del 

28% e un peso sul mercato della 

musica del 20% in assoluto, che 

ha superato il 50% nel digitale. 

Quel giorno ha segnato la nascita 

di un vero e proprio eco-sistema 

che ha portato una boccata di ossigeno 

alla rantolante industria 

nata 

a crescere anche se di un 

modesto 0,3%) sebbene la miopia 

di quest’ultima ha fatto sì che 

buona parte dei proventi siano 

approdati alla casa della mela e 

non ai diretti interessati! Eppure, 

nonostante l’impressionante 

palmares ed un ciclo di vita ancora 

breve nel campo delle tecnologie 

audio (ma si sa, questi 


cicli di vita si vanno accorciando 

vieppiù), ci si interroga sul futuro 

di iTunes e la stessa Apple, 

secondo una prassi consolidata, 

proprio recentemente con iRadio 

ha presentato quel che almeno 

in parte sembra il sistema per 

cannibalizzare iTunes… 

Diciamo “almeno in parte” perché 

Apple ha scelto per lo streaming, 

come sottolinea il nome 

stesso, il modello “stazione radio”, 

compatibile e non sostitutivo 

di iTunes. Sostanzialmente 

scegli un artista, un brano o un 

genere e ci costruisci una stazione 

radio intorno! Non è possibile 

sti 

o album in un ordine speci- 

 

tratta comunque di un “modello 

di sviluppo” di successo se si 

considera che è stato adottato 

da Pandora, il principale competitor 

del nuovo nato e anche il 

più diffuso sistema di streaming 

(ancora non disponibile in alcuni 

paesi tra cui il nostro). Se si 

bada aridamente ai numeri poi, 

 

sembra un po’ fasciarsi la testa 

prima ancora di essersi feriti: 

iTunes ha 450 milioni di utenti 

lì dove il concorrente più agguerrito 

(per le ragioni che diremo), 

 

stesso modo di ragionare, se ancora 

nessun provider è in grado 

di garantire tutto lo scibile musicale, 

quello che ci si avvicina di 

più è certamente YouTube e non 

iTunes! Perché qui in gioco non 

è tanto questo o quel fornitore 

di servizi quanto una modalità 

contro l’altra: downloading vs 

 

più tradizionale di negozio virtuale 

viene assicurata proprio 

con il dowloading di iTunes, e 

l’immediato futuro non è certo 

a rischio, in termini di prospettive 

lo streaming (di entrambi abbiamo 

parlato su queste pagine 

nei due numeri scorsi grazie ai 

begli articoli di Giosuè Impellizzeri) 

corrisponde in maniera più 

completa alla “vision” complessiva 

di un servizio che si può fruire 

“in qualsiasi modo, in qualsiasi 

posto, in qualsiasi momento”. 

Perché portarsi appresso quel 

che può essere sempre disponibile 

Vincendo l’egoismo tipico 

del collezionista, da un punto di 

vista culturale è certamente affascinante 

poter immaginare una 

sorta di biblioteca di Alessandria 

che si arricchisce, a buon bisogno, 

con le modalità del social! 

Vorrei in tal senso rammentare 

una storia citata più volte dal direttore 

di questo giornale, legata 

alla Grande Depressione americana. 

Fino a quel momento (soprattutto 

prima dell’avvento del 

sonoro) il ruolo della musica era 

considerato fondamentale in un 

nore 

(spesso eseguite live durante 

la proiezione) venivano scritturate 

intere orchestre i cui direttori 

erano pagati meglio persino 

dei registi. Nonostante il peso 

della musica nell’industria cine- 

 

concomitante concorrenza della 

sponsabili 

degli studio, in un’ottica 

di economia, a cominciare 

 

ri-incidendoci sopra. Il periodo 

d’oro del cinema, anche in funzione 

del concomitante successo 

della tv, non tornerà per lungo 

tempo, consolidando la prassi e 

relegando l’importanza dell’audio 

nel cinema. È così che importantissimi 

originali, come la colona 

sonora di Cenerentola, sono 

andati perduti! Anche nei tempi 

recenti bisogna ricordare che le 

logiche amministrative, che considerano 

il magazzino un valore 

a bilancio, hanno portato le case 


TECNICA 

SPOTIFY IN PILLOLE 

CHI Spotify è uno dei principali servizi 

di musica on demand in streaming a 

livello mondiale. Consente agli utenti 

di accedere a oltre 20 milioni di canzoni 

(con accordi con le 4 principali major) 

da computer, tablet e smartphone. 

QUANTI Attualmente il servizio conta 

più di 20 milioni di utenti attivi e oltre 

5 milioni di abbonati. 

DOVE Spotify è presente in 20 paesi: 

USA, UK, Svezia, Finlandia, Norvegia, 

Danimarca, Francia, Svizzera, Germania, 

Austria, Belgio, Paesi Bassi, Spagna, 

Australia, Nuova Zelanda, Irlanda, Lussemburgo, 

Polonia, Portogallo e Italia. 

AL COMANDO UNA DONNA Veronica 

Diquattro è la responsabile del mercato 

Italiano. Bolognese, la Diquattro 

proviene da Google, dove ha lavorato 

nella sede di Dublino ricoprendo diversi 

ruoli prima di contribuire al lancio 

del mercato Android e di Google Play 

in Italia. 

TRE TIPOLOGIE DI ACCOUNT 

Spotify free – completamente gratuito, 

l’account free permette di accedere 

a milioni di brani musicali in modo 

semplice e immediato dal desktop 

del proprio computer. La versione è 

supportata da annunci pubblicitari. 

Spotify unlimited – musica senza limiti 

e senza interruzioni. Con questo tipo 

di account l’utente può accedere al 

servizio senza annunci pubblicitari. 

4,99 euro al mese. 

Spotify premium – è possibile ascoltare 

brani su tutti i dispositivi mobili e accedere 

alle proprie playlist anche offline, 

con una qualità del suono la massima 

consentita. 9,99 euro al mese. 

- 

 

 

 

 

 

 

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Goldfoil 

 

 

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- 

 

 

 


Nuove frontiere per la liquida 

cui è in atto una collaborazione. 

Loro ci hanno assicurato di “po- 

 

 

nale!”. 

Che sia già vero o meno, 

che i “liquidoscettici” lo accettino 

o no, se non è oggi accadrà 

domani, esattamente come in 

fotografia ormai si utilizzano 

sto 

dei Tiff! 

gnalare 

che se l’iniziale adesione 

ci 

di hardware al mondo dello 

streaming è stata lenta e mode- 

 

legati al mondo immateriale ha 

fornito nuovi stimoli all’indu- 

ezer, 

un sistema simile, sono 

 

non è arrivato Pandora!) e ha 

cominciato a “smuovere” qual- 

 

 

 

- 

 

20 milioni di brani e annovera 

Nella pagina accanto: la 

schermata di Spotify su 

computer consente una semplice 

gestione del programma. 

Qui a destra: i nuovi Receiver 

Denon sono compatibili con 

Spotify. 

Sotto: con i nuovi Smart TV 

Samsung è implementata 

l’applicazione per Deezer. 

26 milioni di utenti di cui 3 già 

 

nell’ultima generazione di sin- 

 

za 

bisogno di accedervi tramite 

chi 

stessi sono degli streamer 

in grado di interfacciarsi con la 

rete. Uno di questi l’AVR-3313 è 

 

scorso numero di SUONO all’interno 

del dossier dedicato alla 

 

anche, grazie alla sua straordinaria 

versatilità, in grado di 

 

- 

- 

 

 

- 

- 

 

interfaccia, estremamente sem- 

 

meno intuitiva. Come che sia, 

 

 

anche gratuitamente (e quindi è 

 

 

rienza 

che è la somma di quello 

 

e di quello che riuscivamo a fare 

con una musicassetta. Tutto 

questo ristabilisce, in versione 

moderna, quell’equilibrio auri- 

 

 

cassetta stereo 4 convivevano 

felicemente. La diffusione delle 

audiocassette era notevolmente 

- 

 

morte del vinile! 

Naturalmente niente rimane 

uguale a se stesso e non è detto 

 

 

- 

 

oltre 500 milioni di dollari, è 

 

- 

 

 

che lo streaming venga ricono- 

- 

 

il fatto che sulla qualità audio 

dei sistemi streaming si sta da 

 

 

 

ma 

adattivo che tiene conto del- 

 

utilizzato, fornendo la massima 

ne 

alle condizioni di utilizzo. 

Fantascienza 

No, solamente quello che Peter 

contato 

già due anni fa (SUONO 

do 

un futuro che, allora, era del 

 


TEST 

a cura della redazione 

Prezzo: € 6.725,00 

Dimensioni: 43,18 x 12,10 x 40,64 

cm (lxaxp) 

Peso: 13,60 kg 

Distributore: Audio Reference 

Via Giuseppe Abamonti, 4 

20129 Milano (MI) 

Tel. 02-29404989 - Fax 02-29404311 

www.audioreference.it 

Tipo: stereo Tecnologia: a stato solido 

Potenza: 2 x 135 W su 8 Ohm 

(180 W su 8 Ohm) in classe AB Risp. 

in freq. (Hz): 20-20.000 +/- 0,05 dB 

THD (%):

l’ingresso USB; l’impostazione 

di Bryston non è “completamente” 

modulare ma è configurata 

per offrire la possibilità 

di scegliere di installare alcuni 

elementi opzionali ma senza 

una completa libertà, condizionata 

anche dai limiti strutturali 

 

sul pannelo posteriore sono già 

state destinate e attribuite alle 

funzioni specifiche. In questo 

senso, sono forse da preferire 

quelle soluzioni che contemplano 

le varie soluzioni: ingressi 

solo analogici, solo linea o con 

anche quello phono, ingressi 

digitali con DAC, in modo modulare 

mettendo a disposizione 

del cliente uno o più slot dove 

collocare le schede aggiuntive 

con gli input supplementari che 

si desiderano. In questo modo, 

nel caso, probabile, di sopravvenuta 

obsolescenza, una scheda 

con DAC può essere sostituita 

da una più aggiornata. Vengono 

così in mente le soluzioni offerte, 

per esempio, da Accuphase 

o Primare, a cui si aggiunge ora 

proprio la casa canadese... 

Il B 135 offre la possibilità di 

installare moduli aggiunti per 

espandere alcune funzionalità 

come ad esempio la sezione 

DAC e quella phono. La versione 

base si presenta con i 

soli ingressi analogici di alto 

livello, sei per la precisione. Un 

ingresso può essere convertito 

in phono MM, oppure con una 

sezione d’ingressi digitali ottici 

ed elettrici S/PDIF, e anche in 

questo caso il telecomando è una 

opzione, anche abbastanza cara! 

Va detto che il DAC opzionale 

per l’integrato in prova non è 

 

rappresentato dai BDA-1 e dal 

più recente BDA-2, tra i migliori 

in assoluto e per rapporto qualità/prezzo 

disponibili al mondo 

attualmente ma uno di diverso 

tipo. 

Per quanto ci riguarda la sezione 

DAC è da considerare esclusivamente 

come un optional di 

ripiego per gli utenti che non 

hanno particolare interesse alle 

sorgenti digitali e vogliono comunque 

usufruire con comodità 

di contenuti che provengono 

da sorgenti “alternative”. Per 

ottenere in massimo, anche in 

seguito alla scelta di non dotare 

l’apparecchio di ingresso USB 

 

della sezione DAC, è consigliabile 

orientarsi verso il BDP 2 

che offre tra l’altro prestazioni 

di primissimo piano. 

Dal punto di vista sonoro a risaltare 

da subito, già durante i 

primissimi ascolti, è il grande 

equilibrio, domina la neutralità, 

mentre migliorano progressivamente 

con il rodaggio la matericità, 

l’impulsività e potenza 

del basso donando sempre più 

vivacità a un suono prima forse 

un poco troppo levigato, 

dove precisione e correttezza 

tendevano a prevalere eccessivamente 

su altri parametri, 

leggi dinamica e regolarità in 

bassa frequenza. Il suono pur 

mantenendo la sua neutralità 

timbrica si è fatto più caldo e 

coinvolgente e tali caratteristiche 

appaiono evidenti anche 

La dotazione e la disposizione 

delle connessioni è ampia 

con una ottima collocazione 

sul pannello. Gli ingressi RCA 

nel dominio analogico sono 

disposti in modo simmetrico 

per i due canali, quindi si deve 

far accortezza ad utilizzare 

cavi di segnali singoli per ogni 

canale, mentre gli ingressi 

digitali occupano la parte 

centrale. I morsetti di potenza, 

una sola coppia per canale, 

sono completamente isolati 

e accettano forcelle, banane 

e cavi spellati anche di grandi 

dimensioni. 

SUONOGRAMMA 

1 Capacità di analisi del dettaglio ...................2 

2 Messa a fuoco e corposità ............................2 

3 Ricostruzione scenica altezza .......................2 

4 Ricostruzione scenica larghezza ...................1 

5 Ricostruzione scenica profondità .................1 

6 Escursioni micro-dinamiche ........................2 

7 Escursioni macro-dinamiche .......................1 

8 Risposta ai transienti ...................................1 

9 Velocità .......................................................1 

10 Frequenze medie e voci ...............................2 

11 Frequenze alte .............................................1 

12 Frequenze medio-basse...............................1 

13 Frequenze basse ..........................................1 

14 Timbrica ......................................................1 

15 Coerenza .....................................................2 

16 Contenuto di armoniche ..............................2 

Il giudizio viene espresso su una scala di 6 valori da 

-3 a +3. La linea tratteggiata corrisponde allo zero ed 

esprime la congruità della prestazione con prodotti 

analoghi appartenenti alla stessa fascia di prezzo. 

IL VOTO DELLA REDAZIONE 

COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

BANCO DI MISURA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

ASCOLTO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

FATT. CONCRETEZZA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

I voti sono espressi sulla base di un criterio qualitativo 

relativo al parametro qualità/prezzo determinato 

in relazione alla classe di appartenenza 

dell’apparecchio. Il fattore di concretezza è un 

parametro, frutto dalla nostra esperienza, che 

racchiude il valore nel tempo e l’affidabilità del 

prodotto, del marchio e del distributore. 


TEST 

A REGOLA D’ARTE 

Il layout dall’apparecchio, denota 

una sensibilità davvero unica frutto 

dell’esperienza maturata in anni di 

militanza nel settore professionale. 

Lo chassis, la disposizione delle parti 

funzionali e l’assemblaggio uniscono 

efficienza ed eleganza come pochi 

altri prodotti nel settore hi-fi. Innanzitutto 

ci troviamo di fronte a 

tre apparecchi in uno: un preamplificatore 

tra l’altro costruito come due 

pre separati, e due finali di potenza 

monofonici. L’aspetto interessante 

è che anche le alimentazioni sono 

completamente distinte e dedicate 

per ogni sezione, ma quello che 

colpisce è il modo di disporre i componenti 

e le sezioni: abbiamo due 

grandi PCB, uno montato a ridosso 

dei connettori e l’altro a ridosso del 

pannello frontale. Nel primo sono integrati 

i connettori e anche lo stadio 

di amplificazione e di regolazione 

del volume, in fin dei conti come 

dire che il percorso del segnale è 

ridotto ai minimi termini, ad eccezione 

dell’uscita cuffia che per necessità 

è stata portata sul pannello 

anteriore tramite il flat cable centrale 

dedicato principalmente alle 

funzioni di controllo; nel secondo ci 

sono tutti i controlli e le due sezioni 

di alimentazione degli stadi finali. I 

due stadi finali sono inseriti quindi 

tramite due connettori ad innesto 

fra il PCB frontale e il PCB posteriore. 

Anche i cavi di alimentazione che 

provengono dai due trasformatori 

toroidali sono fissati con attacchi 

rapidi di inusuale tenacia. 

La sezione di preamplificazione 

utilizza un regolatore di livello Burr 

Brown PGA23201 per ogni canale, 

Sano pragmatismo: i 4 piedoni 

sono in gomma , senza nessuna 

velleità “audiofila”, ma con tutte 

le carte in regola per svolgere la 

loro funzione. 

alternando i diffusori abbinati, 

che siano i grandi e complessi 

Triangle Magellan Cello, gli XTZ 

99.36 o i piccoli Indiana Line 

Tesi 504. L’integrato dimostra 

di essere capace di mantenere 

 

stesso tempo delicati, anche 

nei fortissimo, non indurendo 

praticamente mai. Se il suono 

non è così rotondo come solo 

i migliori valvolari riescono a 

fare, non è detto che questo sia 

il “vero” suono, semplicemente 

diventa una scelta personale 

tra le due tipologie. In realtà il 

Bryston dimostra di saper riprodurre 

un suono completo, ricco 

di informazioni, particolari e 

armonici degno delle migliori 

amplificazioni, anche separate, 

di questa fascia di costo del 

resto molto elevata. La sua naturale 

trasparenza gli permette 

di abbinarsi sia con diffusori dal 

carattere aperto che con quelli 

più introspettivi e scuri senza 

calcare troppo la mano sulle 

loro tendenze. Va sottolineato 

che il B 135 SST2 non mostra 

insofferenze o limiti verso parti- 

 

di diffusori. 

Se con i Magellan Cello il suono 

si fa rigoglioso, aperto senza diventare 

troppo squillante, dalla 

grande immagine tridimensionale, 

con i più piccoli XTZ le 

sonorità appaiono lievemente 

meno eleganti, ma dal basso 

ugualmente robusto e prorompente 

quando serve, solo alcuni 

passaggi appaiono leggermente 

sottolineati in modo più marcato, 

colorati in un modo forse 


Amplificatore integrato Bryston B 135 SST2 

controllato dal potenziamento motorizzato 

posto sul frontale dell’apparecchio. 

Lo stadio di uscita è sviluppato 

a componenti discreti con 

tecnologia SMD. L’alimentazione 

della sezione pre è posta a ridosso 

del pannello anteriore con un trasformatore 

da +/- 9V e il circuito di stabilizzazione 

separato per i due canali. È 

presente anche un alimentatore monolitico 

realizzato da MeanWell con 

uscita a +5V per la sezione logica e lo 

stand by. La sezione di filtro, posta in 

prossimità del connettore ad innesto 

rapido utilizza per ogni finale due 

condensatori da 15.000μF da 63V e 

le piste di alimentazione e del piano 

di massa sono molto larghe e ad alto 

spessore. Dal lato opposto il finale ha 

un altro connettore a pettine rapido 

in cui transitano i segnali audio e 

quelli di controllo. Sul PCB del finale 

è collocato il dissipatore di calore 

a ridosso dei transistor di potenza, 

una coppia di transistor bipolari di 

potenza della ON Semiconductors 

MJL21194 e MJL21193. Si nota la caratteristica 

tecnica di montaggio dei 

dispositivi di potenza che sfrutta il 

più possibile la lunghezza del reoforo 

che si innesta non in un foro del PCB 

ma in una apposita gola molto lunga 

e metallizzata lungo i bordi. 

L’OPINIONE 

Le prestazioni 

essenziali del 

Bryston sono 

caratterizzate da 

notevole finezza, 

pulizia, potenza 

e dettaglio. 

L’immagine appare di ampie 

dimensioni, con forse una 

leggera preferenza per la zona 

centrale, con una progressiva 

sfumatura verso i bordi esterni. 

Di conseguenza le voci o gli 

strumenti posti al centro della 

scena godono di una posizione 

in qualche modo privilegiata. 

Questo comporta un loro 

ingrandimento, come se fossero 

trasportati un poco più avanti, 

rispetto agli altri attori della 

scena. Un po’ come sottolineare, 

evidenziare, le linee principali 

della trama musicale, la polpa. 

Va detto però che la correttezza 

della riproduzione è tale che 

questa sottolineatura dei 

protagonisti non produce fastidi, 

perché le voci o gli strumenti in 

primo piano suonano in modo 

preciso ed elegante: è come 

trovarsi qualche fila più avanti 

del solito, molto vicini a loro. 

Una posizione che per molti può 

risultare preferibile anche se c’è 

chi invece ama di più un ascolto 

da lontano per meglio apprezzare 

l’insieme generale. 

Carlo D’Ottavi 

troppo carico. I sempre sorprendenti 

piccoli Indiana Line restituiscono 

un suono ancora caldo 

e affascinante con un’immagine 

ovviamente molto scalata nelle 

dimensioni ma, quel che più 

conta, mantenendo ancora le 

giuste proporzioni senza sbilanciamenti 

di sorta. 

Molto interessante la resa con 

i diffusori da stand. L’integrato 

canadese riesce a tirare fuori 

prestazioni molto interessanti 

con diffusori a due vie con medio/basso 

da 15 cm di diametro 

(ad esempio i Venere 1.5 in prova 

in questo stesso numero di 

SUONO) e anche meno, dai 

quali la logica farebbe pensare 

che non si possano ottenere gli 

stessi risultati ottenibili con i 

grandi modelli da pavimento a 

larga banda. Ma se un diffusore 

di questa taglia ha comunque 

delle potenzialità, allora il 

Bryston non esita a mostrarle 

con un suono piacevolissimo 

perché dotato di un formidabile 

equilibrio, con una risposta 

in frequenza regolarissima ed 

estesa fin dove l’altoparlante 

permette. Trasparenza e calore 

si fondono in una miscela così 

azzeccata che davvero non si 

pensa alla eventuale mancanza 

dell’ottava più profonda e, cosa 

forse ancora più sorprendente, 

la scena è ampia, piena tra i due 

diffusori e dotata all’occorrenza 

di una notevole profondità. 

Il merito di questo integrato 

è dunque quello di mettere 

in luce prestazioni che non 

ci si aspetterebbe da diffusori 

di tal cabotaggio. Va detto 

comunque che neppure questo 

Bryston può fare il miracolo e 

se il diffusore abbinato ha dei 

limiti, magari un basso un po’ 

monocorde, delle medie arretrate 

o acuti troppo in evidenza, 

l’integrato potrà soltanto confermare 

questi problemi senza 

poter fare molto per limitarne i 

sgradevoli effetti. 

Ma avrebbe senso abbinare a 

 

costo aggiungiamo, un partner 

acustico scadente Non stiamo 

dicendo che la giusta classe di 


TEST 

al banco di misura 

La risposta in frequenza della sezione 

pre è più estesa di quella della sezione 

di potenza: si estende oltre i 100 

kHz ma la sezione di potenza mostra 

un’attenuazione di -3 dB a circa 80 

kHz. Entrambe non presentano variazioni 

di livello dovute al carico o alla 

regolazione del livello del volume. 

In pratica, in ogni situazione l’apparecchio 

mantiene stabili i paramenti 

caratteristici di funzionamento. Per 

quanto riguarda la regolazione del 

volume in ingresso ciò è dovuto 

all’utilizzo di un PGA23201 per ogni 

canale che esibisce straordinarie doti 

di linearità anche a bassi livelli. La 

distorsione armonica e da intermodulazione 

si attesta su livelli trascurabili. 

La potenza massima rilevata 

si allinea con quanto dichiarato dal 

costruttore e oltrepassa i 165 Wrms 

su 8R per una THD+N fissata all’1%. 

La distorsione è molto bassa in tutto 

il range anche se il clipping si manifesta 

in modo abbastanza rapido. 

Il tappeto di rumore dell’apparecchio, 

prelevato sia all’uscita pre che 

ai morsetti di potenza, evidenzia un 

circuito di alimentazione eccellente 

ed accurato riguardo alla reiezione, 

ai disturbi di rete e dai residui di filtratura. 

Anche a livelli molto alti di 

regolazione del volume il rapporto 

segnale rumore si attesta su valori 

molto bassi. 

diffusori da abbinare debba 

rientrare nella stessa categoria 

di costo del Bryston, si può 

spendere anche molto meno, 

e proprio la bontà dei risultati 

ottenuti con gli XTZ o i nuovi 

Sonus faber Venere 1.5 sono lì 

a dimostrarlo. 

Il confronto tra la sezione di potenza 

dell’apparecchio e quella 

to 

come riferimento da SUONO) 

vede il canadese uscirne a testa 

molto alta. In particolare con 

i diffusori Triangle Magellan 

Cello le sonorità sono appena 

smussate, arrotondate e più delicate, 

elemento che con questi 

diffusori appare tutt’altro che 

pare 

più chiaro, dinamico e veloce 

ma le differenze sono davvero 

minime. Sempre in questa 

direzione, ma più sensibili, si 

ritrovano le differenze con un 

diffusore dal suono più gentile 

e introverso come i nuovi Sonus 

faber Venere 3, e in questo 

caso la preferenza va in modo 

nale 

ben più potente e robusto 

statunitense.Nel complesso, se 

si supera il fastidio psicologico 

nello scoprire che la bella sommetta 

necessaria ad acquistare 

l’apparecchio va integrata di ben 

 

concedere il lusso del telecomando, 

siamo di fronte ad uno 

 

provati si contano sulle dita di 

una mano) in grado di mettere 

in dubbio la supremazia del nostro 

riferimento, il che “rimodula” 

le considerazioni sul prezzo. 

Si aggiunga che il livello costruttivo 

di questo apparecchio 

è straordinario, unendo i ragionevoli 

precetti del mondo professionale 

alle attenzioni quasi 

 

la possibilità di inserire schede 

orientate al mondo del digitale o 

a quello dell’analogico completa 

la versatilità dell’apparecchio... 

Faites vos jeux! 


Velut Luna 

PRESENTA 

DI 

SETTEMBRE 

CONVEGNO ATTORNO ALLA MUSICA E ALLA SUA RIPRODUZIONE 

L’ AUDIARIO DI SETTEMBRE è un evento dedicato alla Musica, alla Musica in Video 

e alla sua riproduzione con la massima qualità in sale acusticamente adeguate. 

Saranno presenti impianti di altissimo profilo concepiti per valorizzare il suono 

di differenti tipologie di diffusori (tradizionali, planari, ect.). 

Sarà presente anche una grande sala audio-video con audio multicanale 

e un videoproiettore 4K su schermo con base di 4 metri. 

Gli ascolti, distribuiti nell’arco delle due giornate con cadenza oraria senza soluzione di continuità, 

saranno organizzati secondo un programma volto a valorizzare i vari generi musicali a cura di 

Pierre Bolduc, Marco Cicogna, Emidio Frattaroli, 

Marco Lincetto e Sergio Veschi. 

NEL CORSO DEL CONVEGNO SONO PREVISTI INTERVENTI 

A CURA DELLE REDAZIONI DELLE PIÙ NOTE RIVISTE DI SETTORE. 

Ingresso libero. 

Facilmente raggiungibile. 

In auto: uscita Assago Tangeziale Ovest di Milano. 

Metropolitana: MM2 fermata a duecento metri dall’hotel. 

H2c Hotel, Via Roggia Bartolomea, 5 - Assago, MI 

14 settembre: 9.30 - 19.00 

15 settembre: 9.30 - 18.00


TEST 

Prezzo: € 400,00 

Dimensioni: 43 x 7,20 x 34,20 cm 

(lxaxp) 

Peso: 5,90 kg 

Distributore: Audiogamma 

Via Pietro Calvi, 16 

20129 Milano (MI) 

Tel.02-55181610 - Fax 02-55181961 

www.audiogamma.it 

Tipo: stereo Tecnologia: a stato solido 

Potenza: 2 x 40 W su 8 Ohm in 

classe AB Accessori e funzionalità 

aggiuntive: telecomando, ingresso 

cuffia, controlli di tono Risp. in freq. 

(Hz): 10-100.000 +/- 1 dB THD (%): 

dello stesso amplificatore in 

modo da offrire funzionalità 

che realmente interessano il potenziale 

utilizzatore. Rotel deve 

molte delle sue fortune a una 

produzione, ormai pluri decen- 

 

quanto ben suonanti e piuttosto 

versatili. Per poter continuare 

su questa fruttuosa strada ha 

dovuto affrontare questo nodo 

e ha deciso di... non scegliere, 

percorrendo le due strade 

contemporaneamente! Una è 

essenziale, rivolta a coloro che 

non sono interessati alla musica 

digitale a tutti i costi, o che, 

al contrario, proprio perché già 

fruitori in questo ambito si sono 

già procurati il necessario, vedi 

DAC, streamer e quant’altro: a 

ri 

integrati, diciamo di tipo tradizionale 

come l’RA-10 qui in 

prova e l’RA-1520. A coloro che 

invece vogliono avere insieme 

in un unico apparecchio tutto il 

necessario sia in analogico che 

in digitale Rotel propone altri 

due modelli della medesima 

serie RA: l’RA-11 (provato da 

SUONO 474 - marzo 2013) e il 

più potente RA-12. Dato che una 

delle caratteristiche che da sempre 

contraddistingue il catalogo 

Rotel, in particolare nel compar- 

 

menti 

successivi (piccoli o grandi 

che siano) piuttosto che con 

sconvolgimenti da generazione 

a generazione (e dunque c’è una 

grande contiguità tra i prodotti, 

quelli della gamma del momento, 

quelli del passato e quelli che 

successivamente sostituiranno 

gli attuali), l’opportunità di aver 

avuto contemporaneamente in 

redazione sia l’RA 10 che l’RA 

11 (molto simili, al punto da essere 

stati utilizzati in coppia con 

cazione 

- vedi SUONO 477 - giugno 

2013) ci ha consentito una 

 

poco che cambia che potremmo 

tare 

le scelte di chi, giunto a quel 

fatidico bivio di cui sopra, si trovasse 

a percorrere una o l’altra 

mo 

futuristica o tradizionale... 

Da quest’ultimo punto di vista 

non ci sono particolari sorprese 

nell’utilizzo dell’RA-10, in tutto 

e per tutto un ampli tradizionale 

piuttosto ricco di comandi sul 

frontale, controlli dei toni escludibili 

compresi, ma tutti usuali. 

Il massimo dell’innovazione, si 

fa per dire, è dato dalla presenza 

di un ingresso di tipo minijack 

sul frontale dell’apparecchio 

dedicato all’uso di lettori portatili 

tipo mp3 prelevandone però 

l’uscita analogica tra l’altro introdotta 

ormai da qualche anno: 

allora fece scalpore l’ingresso 

per lettori mp3, quando non si 

trattava altro che di un ulteriore 

ingresso analogico comodamente 

posto sul pannello frontale invece 

che dietro all’apparecchio! 

Il Rotel RA-10 mostra qualità da 

 

buon comportamento un po’ su 

tutti i parametri: a livello di pilotaggio 

non sembra spaventarsi 

troppo persino con diffusori di 

altra categoria, dal comportamento 

sia acustico che elettrico 

non facile da sfruttare. I grandi 

Triangle Magellan rappresentano 

un carico tutt’altro che facile 

ma, in compenso, con la loro 

elevata sensibilità possono con- 

 

non troppo potenti di cavarsela 

decorosamente. Ed è questo 

certamente il caso del piccolo di 

casa Rotel, che riesce a produrre 

volumi sostenuti con questi 

grandi diffusori. Nonostante la 

Come sempre massimo 

equilibrio tra funzionalità e 

costo per quanto riguarda 

le connessioni. Da notare la 

presenza del Pre Out (che con 

il collegamento di un finale 

consente la biamplificazione) 

di due coppie di morsetti di 

potenza che, sebbene di stampo 

economico, risultano abbastanza 

funzionali. 










9 Velocità .......................................................1 





14 Timbrica ......................................................1 

15 Coerenza .....................................................1 







COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

BANCO DI MISURA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

ASCOLTO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

FATT. CONCRETEZZA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

I voti sono espressi sulla base di un criterio 

qualitativo relativo al parametro qualità/prezzo 

determinato in relazione alla classe di appartenenza 

dell’apparecchio. Il fattore di concretezza è 

un parametro, frutto dalla nostra esperienza, che 




TEST 

L’OPINIONE 

Un sempre 

maggior numero 

di costruttori torna 

a concentrarsi 

su quello che 

potremmo definire 

“un ampli tradizionale” dove, in 

conseguenza della modesta (per 

entità) ma significativa (per valore 

culturale) risurrezione del vinile, un 

posto d’obbligo spetta all’ingresso 

phono. Non fa eccezione (e ci 

avrebbe stupito se proprio uno dei 

più tradizionali costruttori lo avesse 

fatto!) Rotel con l’RA-10, per il quale 

mi sento di spezzare una lancia non 

solo per le più ovvie virtù ma anche 

per questa piccolissima possibilità 

che, sorprenderà, può fare la 

differenza per tanti amanti della 

musica “di ritorno” che non riescono 

a farsi una ragione dell’eventuale 

mancanza di un elemento simile a 

bordo dell’ampli che si è appena 

acquistato. Più che accettabili da 

questo punto di vista le prestazioni 

che, in linea con la filosofia 

aziendale e del prodotto stesso, 

sono tali da poter rappresentare 

un punto fermo per il presente e 

per il futuro, magari integrato dai 

vari prodotti per la gestione di file e 

musica dal computer. 

Agostino Bistarelli 


Il comportamento al banco di misura dell’RA-10 è sostanzialmente 

identico a quello dell’RA-11 per quanto 

riguarda la sezione analogica del preamplificatore, pur 

abbastanza differenti fra loro, e quella di potenza che 

invece è praticamente la stessa. 

La risposta in frequenza è molto estesa e non presenta 

variazioni di livello e andamento in funzione del carico e 

della posizione della manopola del volume. Nella parte 

inferiore la risposta dell’RA-10 evidenzia una attenuazione 

più lieve di quella del RA-11 che comunque non 

evidenzia differenze costruttive ed architetturali fra i 

due apparecchi. La potenza di uscita oltrepassa i 60 

Wrms su 8R per una THD+N dell’1%. Il raggiungimento 

del clipping è molto repentino con un innalzamento 

brusco della distorsione e, all’aumentare del segnale 

di ingresso segue un successivo calo della tensione di 

uscita. Il rumore di fondo è molto basso, si nota solo 

qualche residuo di alimentazione comunque a basso 

livello. La distorsione armonica si attesta su valori molto 

bassi e sono praticamente assenti componenti spurie e 

da intermodulazione. 

La sensibilità di ingresso è abbastanza alta e fa sì che 

con un segnale di ingresso da 2 Vrms si raggiunge la 

potenza massima molto prima della posizione centrale 

del potenziometro. 

caratteristica aperta, ma corretta, 

dei Triangle, per far strillare 

in modo fastidioso il sistema 

bisogna spingere molto in alto 

il livello d’ascolto. La natura 

invece dell’RA-10 è quella di un 

amplificatore tranquillo e pacioso, 

ottimo compagno nell’ascolto 

dei generi più diversi, in 

grado di adattarsi a un’ampia 

gamma di diffusori. Va da sé 

che appare logica l’abbinata 

con diffusori di pari categoria, 

e in questo caso modelli come 

gli Indiana Line Tesi 504 vengono 

subito in mente. Ma un 

esito molto felice lo si è ottenuto, 

per esempio, anche con gli 

XTZ 99.36, un modello da pavimento, 

adattabile in modo alquanto 

unico e intelligente a un 

numero elevato di situazioni, in 

svariati sistemi, ambienti compresi. 

In questo caso l’abbinata 

Rotel-XTZ è riuscita a tirare 

fuori anche il lato più estroverso 

e solare della musica, in altri 

casi un poco più compassato e 

restio ad esprimersi in questa 

misura da parte dell’RA-10: 

non si possano sollevare grosse 

accuse per eclatanti manchevolezze 

al Rotel. Il motivo è legato 

all’equilibrio generale delle sue 

prestazioni sonore che fanno sì 

che poi l’anima essenziale della 

musica ci sia, qualsiasi sia il genere 

ascoltato, ed è solo quando 

si vuole pretendere di più che si 

è portati ad alzare il volume oltre 

il consigliabile e i limiti, prima 

descritti, diventano preponderanti 

rispetto alla norma. 

Tutte le performance, come segnalato 

nello speciale dedicato 

gono 

migliorate ma non stra- 

 

comunque in maniera tale da 

ottenere prestazioni superiori a 

quelle aspettate nella fascia di 

prezzo in cui i Rotel “duplicati” 

si vanno a posizionare. 

Possiamo sostanzialmente confermare 

dunque che coerentemente 

con la politica della casa 

inglese, che le ha permesso di 

offrire prodotti magari non 

particolarmente originali sotto 

l’aspetto circuitale ma estremamente 

ottimizzati e spesso imbattibili 

dal punto di vista del 

Q/P, anche l’RA-10 è un piccolo 

campione nel suo genere, forse 

ancor più rappresentativo 

ce 

che ha fatto la fortuna della 

casa! Questo probabilmente 

 

meno la risposta (resa possibile 

dal confronto all’interno della 

stessa casa dei due modelli RA- 


VALORI DURATURI 

L’impostazione dell’apparecchio è 

fra le più tradizionali e sperimentate 

con alcune soluzioni che non 

sono variate da molte generazioni. 

Lo stadio phono è realizzato con 

un operazionale Texas Intruments 

NE5532 non vede variazioni significative 

da oltre 10 anni! La sezione 

di preamplificazione, almeno nelle 

funzioni di controllo è fra le più minimaliste 

della categoria in quanto 

l’apparecchio, non essendo dotato 

di telecomando, utilizza solo potenziometri 

e commutatori manuali di 

sufficiente qualità. Anche la sezione 

di potenza, quella di alimentazione 

e il PCB principale, hanno subito pochissime 

modifiche nel tempo ed 

in particolare sono praticamente le 

stesse dell’RA11. L’amplificatore è realizzato 

con una coppia di transistor 

bipolari D1047 e B817C installati sul 

dissipatore al centro dell’apparecchio. 

Pochissimo è cambiato negli 

anni anche per quello che riguarda le 

capacità di filtraggio e la qualità dei 

componenti nonché della potenza di 

uscita; tuttavia oggi i due condensatori 

sono Rubycon (da 6.800μF ciascuno 

a 50Volt) e lo stadio di potenza, 

anche grazie a un trasformatore 

toroidale più potente, ha aumentato 

di circa un 40% la potenza rispetto 

ai capostipiti della linea. 

10 e RA-11) alla domanda: “Ha 

ancora senso acquistare un am- 

 

ingressi analogici”. 

Il confronto con il consimile 

(non è comunque un gemello!) 

RA-11 ha denotato una forte 

somiglianza sonora ma, curiosamente, 

non una perfetta 

sovrapponibilità dell’impronta 

sonora. L’RA-11, assai più dotato 

di connessioni, ingressi digitali, 

convertitore e discreto display 

che ci aiuta ad addentrarci nei 

meandri delle sue molteplici 

funzioni, risulta musicalmente 

più morbido, diremmo scuro anche, 

rispetto al più tradizionale 

RA-10 che appare più articolato 

e aperto, aggraziato e completo. 

Si tratta di piccole differenze, 

comunque avvertibili e un po’ 

inaspettate. 

La differenza di costo tra le due 

opzioni, non enorme in assoluto, 

notevole però in percentuale 

(circa il 60 percento in più), 

può essere un invito ad optare 

per la versione più accessoriata 

e, soprattutto, più rivolta verso 

le nuove sorgenti e le nuove 

modalità di fruizione rispetto a 

quelle tradizionali. Scegliere il 

modello tradizionalista può però 

nella realtà risultare assai meno 

conservatore di quanto si pensi. 

In fondo il settore della musica 

liquida, dello streaming da fonti 

digitali più disparate è in continua 

evoluzione, con prestazioni 

sempre migliori e prezzi che si 

stanno abbassando rispetto ai 

primi modelli. 

Tra l’altro ci sono in questo momento 

un gran numero di DAC 

interessanti, molti già provati da 

SUONO, ad un prezzo paragonabile 

alla differenza richiesta 

tra l’RA-10 e l’RA-11: gli Arcam 

della serie r, l’HRT Micro Streamer, 

l’Audioquest Dragon Fly, 

il V-DAC II di Musical Fidelity, 

il nuovo M2Tech HiFace DAC, 

ognuno più versato di altri in un 

campo, ma tutti dalle buone o 

buonissime prestazioni musicali 

che possono tornare utili. Quindi, 

in fondo, si torna all’antico 

dilemma: meglio un sistema a 

componenti separati, con tutte 

le complicazioni e i pericoli relativi 

agli abbinamenti più o meno 

riusciti, o il sistema compatto, 

più semplice da gestire, spesso 

anche più carino ed economico 

Al solito dipende dalle vostre 

priorità ma certo il sistema più 

specializzato che prevede per 

questo componenti separati appare, 

ancora una volta, dotato di 

un potenziale, specie in prospettiva, 

ben superiore. 


TEST 


DIFFUSORI 

Sonus faber Venere 

Molte parole e al- 

 

(cercheremo di dar- 

 

 

 

- 

- 

 

 

 

 

 

 

 

- 

 

 

 

 

 

 

 

modelli di vertice; per altri ver- 

 

 

 

- 

 

 

 

 

- 

 

 

 

 

ne hanno cambiato connotati, 

- 

 

- 

 

 

 

 

 

varie componenti del mercato 

 

 

 

- 

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- 

 

 

 

 

- 

 

orizzonti del mercato, dovendo 

- 

- 

 

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- 

 

 

 

 

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- 

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- 

 

 

 

- 

 

 


indispensabile per consacrare 

ulteriormente una leadership... 

Ecco a nostro avviso uno degli 

obiettivi della serie Venere: 

guardare verso un segmento più 

ampio del mercato, guardare a 

chi potrà ampliare questo mercato. 

Un segmento presidiato in 

passato da Sonus faber prima 

quasi con fastidio, poi con una 

serie, la Domus, assai poco “coerente” 

con i valori della casa: 

non ci stupisce che, per la prima 

volta in una storia fatta di 

Homage e rivisitazioni, una 

serie, quella, sia stata abolita, 

sostituita proprio da Venere a 

cui si chiede, inevitabilmente, 

di essere “portatrice democratica” 

dei valori fondanti di Sonus 

faber: ecco il secondo elemento 

caratterizzante. Il terzo ne è 

quasi una conseguenza: dato 

 

non è mai lunga abbastanza, 

come far quadrare i conti Interrogati 

in merito, in Sonus 

faber ci hanno risposto più o 

meno così: “Volevamo realizzare 

un prodotto di design ma 

entry level con un alto tasso di 

qualità intrinseca e in grado 

di generare numeri di vendita 

notevoli. Per farlo dovevamo 

guardare là dove la produzione 

consente di fare numeri che 

noi qui non potevamo assicurare...”: 

Lì è inevitabilmente l’O- 

 

dove Sonus faber è già radicata 

grazie a Fine Sounds Asia Limited, 

la consociata che si occupa 

della commercializzazione dei 

prodotti della casa nel paese del 

dragone. 

 

sono realizzati, ci verrebbe quasi 

da dire “proudly made...” in 

 

nasconderlo, anche perché, lo 

VENERE 1.5 

Il modulo è abbastanza alto e non scende mai sotto i 6 Ohm. 

L’accordo non è spinto molto in basso con una minore estensione 

ma anche un miglior controllo della gamma bassa 

emessa. In alta frequenza, oltre all’innalzamento in prossimità 

dell’incrocio aperto fra i due altoparlanti, si nota il contributo 

dell’attenuazione del tweeter. Nella configurazione biamping 

ci troviamo in una condizione molto favorevole con una 

sezione bassa che si attesta su un’impedenza al di sopra 

dei 6 Ohm e quella alta sopra ai 16 Ohm. L’attenuazione in 

serie al tweeter, in certe condizioni riduce anche l’influenza 

del cavo di collegamento e aumenta i benefici anche di un 

bi-wiring semplice, senza ricorrere alla biamplificazione. 

VENERE 2.0 

Il modulo dei 2.0, sostanzialmente simile a quello dei 1.5, è 

comunque leggermente più basso, scende fino a 5.2 Ohm 

e presenta un accordo più importane e più in basso del più 

piccolo della serie. Si può classificare anche questo come un 

6 Ohm nominale. Si nota nella curva complessiva e in quella 

del woofer l’intervento della cella di equalizzazione centrata 

introno a 850 Hz e una attenuazione del tweeter meno 

evidente che non scende al di sotto di 12 Ohm. Il sistema 

non costituisce un carico difficile per le amplificazioni ma 

la biamplificazione aumenta la separazione fra il woofer e 

il tweeter che in questo caso sono più critici, anche se di 

poco, rispetto agli 1.5. 

VENERE 2.5 

I 2.5 da un lato evidenziano una netta analogia con i sistemi 

da stand, come se si trattasse dello stesso ma con l’aggiunta 

di un woofer a sostegno, mentre da un altro punto di 

vista introducono una soluzione interessante riguardo lo 

smorzamento della risonanza (soluzioni non affrontate nei 

due sistemi da stand). Il primo picco è totalmente assente e 

accennato il secondo, frutto anche di interventi meccanici 

effettuati con l’assorbente acustico all’interno del mobile. 

Comunque, nonostante il secondo woofer sia di impedenza 

doppia rispetto a quello superiore, il modulo scende a 3.6 

Ohm, classificando il sistema come un 4 Ohm nominali. La 

biamplificazione è caldamente percorribile e consigliata. 

VENERE 3.0 

L’impedenza rilevata ai capi dei morsetti mette in luce una 

separazione abbastanza netta fra la parte bassa del diffusore 

a cui sono collegati i due woofer da 18 cm e quella alta (mid e 

tweeter). La separazione avviene intorno ai 260 Hz in modo 

netto, senza che l’impedenza complessiva subisca variazioni 

significative nel caso di monowiring o di biwiring. Si nota 

l’assenza di picchi di risonanza sia nella sezione bassa che in 

quella alta, frutto della capacità di ridurre sia a livello elettrico 

che meccanico il caricamento. Il sistema si colloca fra quelli che 

beneficiano maggiormente della biamplificazione, anche se, 

in generale, il modulo complessivo rientra fra i più semplici da 

abbinare, anche se è classificabile come un 4 ohm nominale. 


TEST 

LA “MADRE” 

TWEETER 

Le pareti laterali del mobile sono 

fresate all’interno lungo la parte 

curva e adagiate su una serie di 

centine che danno la forma vista 

all’esterno. La parte posteriore 

a cuspide e i due elementi di 

rinforzo del pannello anteriore 

assolvono alla funzione di 

longheroni. Una struttura che 

ricorda uno scafo o un’ala di 

un aeroplano. L’MDF è di tipo a 

basso contenuto di formaldeide 

e sono presenti all’interno degli 

stiker antimuffa. 

rivela Paolo Tezzon responsabile 

tecnico della casa: “Per farlo, 

dopo aver sviluppato il concetto 

da tutti i punti di vista e dettate 

le regole abbiamo testato 

tantissimi possibili fornitori, 

decidendo poi, contrariamente 

a come d’abitudine in quel paese, 

di utilizzarne più d’uno in 

pool, sotto la supervisione del 

nostro personale e con procedure 

di controllo qualità messe 

a punto da noi”. 

Se si sceglie di seguire un 

Il processo di ottimizzazione ha 

avuto inizio a partire dalla scelta 

degli altoparlanti che, in seguito 

alla necessità di allestire un prodotto 

di fascia economica seppur senza 

compromessi importanti, deve avere 

come caposaldo del progetto il massimo 

dell’ottimizzazione produttiva. 

Il risultato ottenuto è decisamente 

interessante, in quanto nei quattro 

sistemi Venere vengono utilizzati 

quasi gli stessi componenti con alcuni 

piccoli interventi di fine tuning 

e poco oltre. Il tweeter è lo stesso per 

tutti i modelli, il che ha semplificato 

di molto la realizzazione dei punti 

d incrocio e di abbinamento con la 

parte media. 

Il tweeter ha la membrana in tela con 

la cupola leggermente più ampia del 

consueto, con l’equipaggio mobile 

da 29 mm e una camera di carico 

posteriore di piccole dimensioni ma 

che porta la risonanza complessiva 

al di sotto dei 900 Hz con un picco 

lievemente accennato. È presente 

ferrofluido all’interno del traferro. 

La membrana è fissata ad un supporto 

in plastica a sua volta serrato 

al gruppo magnetico tramite la flangia 

in plastica dotata di una piccola 

ghiera in alluminio che uniscea la 

membrana e il pannello esterno di 

raccordo. 

Un altro elemento in comune alla 

serie lo troviamo nei componenti 

destinati all’altro estremo banda, ovvero 

fra il woofer degli 1.5 e il medio 

dei 3.0, in quanto si tratta praticamente 

dello stesso altoparlante con 

le stesse caratteristiche elettriche e 

alcune variazioni “meccaniche”: nella 

versione woofer degli 1.5 è presente 

il parapolvere solidale con la membrana, 

tra l’altro realizzato con un 

materiale differente dal polipropilene 

che è più “musicale”, necessario 

per ottenere un po’ di punch in più 

quando l’altoparlante si utilizza a 

banda intera, mentre nella versione 

“medio” dei 3.0 è presente l’ogiva in 

alluminio centrale che aumenta la 

dispersione della risposta fuori asse e 

la tenuta in potenza dell’equipaggio 

mobile. L’impedenza dei due altoparlanti 

è praticamente la stessa, con 

una leggera variazione all’estremo 

superiore dovuta all’innalzamento 

dell’induttanza della bobina mobile, 

leggermente aumentata in seguito 

alla presenza dell’ogiva. 

Dopo il tweeter presente su tutti i 

modelli, il secondo posto se lo aggiudica 

il woofer da 18 cm: è lo stesso 

per i 2.0, per il woofer alto dei 2.5 

e quello alto dei 3.0. Invece nei 2.5 

e nei 3.0 il secondo woofer, anche 

se identico al precedente per forma, 

materiali utilizzati e complesso 


Diffusori Sonus faber Serie Venere 

magnetico, è stato realizzato con 

impedenza nominale doppia per 

evitare di portare troppo in basso 

l’impedenza complessiva dei due sistemi 

a torre che hanno in un range 

di frequenza i due woofer in parallelo 

fra loro. Il cestello è in pressofusione 

di alluminio, l’equipaggio mobile di 

grande diametro e ad alta escursione 

e la membrana in polipropilene 

realizzata in Europa dalla DKM con 

la particolare tecnica di formatura 

che non parte dall’iniezione di un 

agglomerato ma da un tessuto di 

filamenti in polipropilene intrecciati 

e poi termoformati. 

L’aspetto esteriore appare come 

un tessuto, ma la superficie è abbastanza 

omogenea ed è dotata di 

caratteristiche molto differenti di 

emissione e dispersione rispetto ad 

una superficie liscia e stampata. Inoltre, 

questa soluzione è stata scelta 

proprio per equipaggiare una serie 

economica, in quanto la resa sonora 

e il controllo di qualità innalzano il 

valore e abbattono il rischio di difformità 

nella produzione di massa. 

L’impedenza dei due altoparlanti 

è una il doppio dell’altra ma la frequenza 

di risonanza è identica per 

entrambi. 

Si tratta di un set di altoparlanti 

pensato per essere filtrato e integrato 

con facilità e risultati ottimali 

in tutte le configurazioni in cui, nei 

sistemi a torre, il woofer basso ha la 

funzione di sostenere l’emissione di 

quello superiore, tanto che nei 2.5 

si sovrappone per una minima parte 

di frequenza mentre nei 3.0 è in 

parallelo con l’altro. 


TEST 

I morsetti sono stati realizzati 

appositamente per la serie: 

sono estremamente robusti, 

hanno una ghiera antifrizione e 

ampia superficie di contatto e la 

posizione in verticale favorisce 

la connessione di cavi anche di 

grandi dimensioni. 

Il basamento in cristallo 

temperato ha le quattro sedi 

degli appoggi in alluminio 

incollati ai vertici e nella parte 

inferiore un rivestimento nero. 

progetto molto complesso (che 

è un coacervo di soluzioni e 

competenze molto differenti fra 

loro) è indispensabile scelgliere 

 

e mantenere al massimo livello 

lità 

“interno”! La realizzazione 

dei mobili ha anche avuto in 

 

di rispondere alla normative 

lo 

che riguarda la presenza di 

formaldeide all’interno degli 

agglomerati in legno, un altro 

fattore che ha reso necessaria 

una selezione dei fornitori e 

dei risultati ottenuti. Anche se 

più “biocompatibile” il nuovo 

materiale ha differente struttura 

e caratterstiche meccaniche, 

pertanto anche le procedure di 

 

 

rispetto al passato. 

Ottimizzazione: così potrebbe 

intitolarsi il capitolo dedicato al 

 

 

sono capaci di creare un top di 

gamma senza compromessi, la 

vera abilità è realizzare un ottimo 

prodotto economico. 

Ottimizzazione è la risposta e 

 

Sonus faber; per la prima volta, 

viene abbandonata la pelle 

come elemento distintivo del 

prodotto e al suo posto viene 

scelto di utilizzare un pannello 

in MDF molto sottile laccato 

e avvitato che fa da raccordo 

fra gli altoparlanti che sono 

 

al pannello anteriore “piatto e 

grezzo” e al mobile. Si opta anche 

per un mobile con le pareti 

curve al posto della forma trapezoidale 

utilizata in passato 

ad esempio per la serie Domus. 

Una scelta che impone soluzioni 

estreme per il contenimento 

dei costi di produzione ma che 

mantiene il design curvilineo, 

cifra stilistica del design aziendale. 

È stato scelto di utilizzare 

dei pannelli in MDF fresati 

all’interno in modo da poter 

essere adagiati su centine di 

 

accade nella costruzione navale. 

La struttura risulta leggermen- 

 

tutti i modelli sono provvisti internamente 

di setti di rinforzo 

spesso surdimensionati. 

Anche gli altoparlanti sono realizzati 

in oriente, ma secondo 

 

per di più con materiali forniti 

direttamente da loro, almeno 

brane 

dei woofer, caratterizzati 

da una soluzione piuttosto 

particolare: un tessuto di 

polipropilene termoformato 

e stampato, soluzione la più 

performante nell’ambito delle 

produzioni economiche, di gran 

lunga più performante rispetto 

alla membrane in polipropilene 

 

Una curiosità: le membrane 

sono realizzate i Europa da 

DKM e inviate agli assemblatori 

di altoparlanti in oriente, 

con un duplice ciclo di control- 

 

“arricchito” da un top in vetro 

temperato che richiama il design 

di Aida e per i modelli a 

pavimento dalla insolita base 

in cristallo. 

Verifica delle ipotesi, controllo 

dei prototipi dei cabinet, definizione 

del corretto volume di 

accordo in base alle verifiche 

con i primi prototipi funzionanti 

e messa in produzione 

hanno richiesto più di un anno 

di gestazione, un periodo lungo 

e inusuale per un’azienda 

abituata a lavorare su canoni 

consolidati. Anche la messa a 

punto dei filtri crossover ha subito 

molti livelli di tuning dalla 

fase prototipale che hanno 

tenuto conto delle soluzioni di 

installazione e delle caratteristiche 

dei componenti utilizzati 

dai fornitori locali. Persino 

la finitura dei prodotti giunti 

 

 

più per riuscire a trovare chi 

fosse in grado di lavorare il 

legno secondo gli standard e 

l’immagine della casa. 

Ne valeva la pena! 

TAGLI DECISIVI 

Il tweeter comune a tutti i modelli è 

tagliato con un filtro del primo ordine 

in cui è presente una rete RLC serie 

in parallelo all’altoparlante, per la 

compensazione seppur minima della 

risonanza. È stata utilizzata la configurazione 

“bilanciata” introdotta da 

qualche tempo sui modelli rivisitati 

da Sonus faber in cui il condensatore 

è collocato non sulla linea del positivo 

ma su entrambi i collegamenti. 

Nei quattro sistemi vediamo alcune 

minime variazioni del valore complessivo 

dei due condensatori per 

ottimizzare la sovrapposizione di 

risposta con la sezione del medio, 

dovute anche alle variazioni del livello 

di emissione che, per necessità, 

deve essere allineato a quello del resto 

del diffusore. Infatti notiamo che 

la massima attenuazione è presente 

sugli 1.5, una lievemente inferiore sui 

2.0 e la stessa, ovvero la minima della 

serie, per i due diffusori a torre. È un 

altro modo di “stabilire” quale sistema 

è più sensibile degli altri. Se ne deduce 

che il primato è in ballottaggio, 

ma l’ultimo ad arrivare al traguardo 

è l’1.5, senza ombra di dubbio. 

I 2.0 e i 2.5, anche se hanno in comune 

lo stesso woofer, adottano una 

filtratura leggermente differente 

sempre impostata con un primo 

ordine ma con equalizzazioni e compensazioni 

abbastanza differenti. Sul 

woofer dei 2.0, come d’altronde su 

quello degli 1.5, la bobina di filtro è 

distribuita su entrambi i poli di connessione, 

nella stessa “configurazione 

bilanciata” utilizzata per i tweeter 

ad eccezione dell’equalizzazione che, 

invece, è implementata in parallelo 

ad un solo induttore, quello sulla 

linea del positivo. Invece, nei 2.5 lo 

schema è decisamente più classico 

ed entrambi i woofer adottano una 

soluzione con un induttore in serie 

e un rete RC - quello in alto - e RLC 

- quello in basso - a compensare la 

risonanza del reflex. Il 3.0 fa un po’ 

caso a sé in quanto si tratta di un 

tre vie abbastanza classico con un 

taglio blando sul medio e un filtro del 

terzo ordine sui due woofer 

connessi in parallelo. 



VENERE 1.5 

VENERE 2.0 

VENERE 2.5 

VENERE 2.5 


TEST 

Venere 1.5 

È il più piccolo modello della 

serie. Un due vie con woofer 

da 15 cm e feritoia di accordo 

sivamente 

profonda realizzata 

con un pannello parallelo alla 

base. È anche il sistema con 

il mobile differente dagli altri 

come ingombro in pianta: meno 

largo e meno profondo dei tre. 

Nonostante le dimensioni è stato 

utilizzato un anello di rinforzo 

interno, posto fra tweeter e 

woofer, necessario anche per 

dare la forma curva alle pareti 

laterali. Tuttavia l’utilizzo è ben 

lungi di quello a scaffale, semmai, 

con 30 cm di profondità si 

potrebbe azzardare il posizionamento 

su un mobile basso 

a patto i essere a circa 60 cm 

di altezza. La timbrica rimane 

 

contributo delle pareti ma l’effetto 

dato dal discostamento dei 

diffusori dalla parete di fondo 

è un incremento della profondità 

della scena davvero notevole, 

con un effetto suggestivo 

e confrontabile con quello dei 

migliori diffusori di questa tipologia. 

Del resto la ricostruzione 

dell’immagine tridimensionale 

è il punto forte di questo tipo 

di diffusori. Il bello però è che 

qui parliamo di un diffusore che 

comunque è molto più economico 

dei possibili concorrenti, 

specie inglesi. Dei Venere 1.5 si 

ammira la pulizia e la trasparenza 

unite comunque a una 

emissione più che robusta del 

basso e medio/basso. Di conseguenza 

il diffusore dimostra 

di non prediligere un genere 

musicale in particolare ma risulta 

alquanto universale. Tale 

versatilità si apprezza anche per 

quanto riguarda l’abbinamento 

 

zioni 

anche di piccola potenza, 

tipo i piccoli di casa Rotel, o 

li 

come quelle della serie Icon 

di Nu Force. In questi casi la 

 

in fatto di fermezza e controllo, 

dinamica e stabilità per cui è 

consigliabile. Tra l’altro, in certi 

casi, l’esborso per questo tipo di 

 

rispetto al sorprendente incremento 

prestazionale che può 

essere di gran lunga preferibile 

rispetto alla sostituzione con 

te. 

Tuttavia i fuoriclasse sono 

sempre fuoriclasse: quello che 

riescono a fare con il Bryston 

B-135 SST2 è sorprendente 

spingendo il loro grado di risoluzione 

a livelli decisamente insospettati. 

Un diffusore quindi 

molto più completo e universale 

di quanto il prezzo farebbe so- 

 

anche in grado di ricostruire 

un’immagine ampia, ben oltre 

il suo posizionamento, e dotato 

cienti 

e che crescono con i Watt 

messi a sua disposizione. Timbro 

neutro, con una piacevole 

punta di calore che però non si 

traduce mai in annacquamento 

o intorbidimento a detrimento 

di una trasparenza invece sempre 

ben presente. 









8 Risposta ai transienti ................................1 

9 Velocità .......................................................1 





14 Timbrica ......................................................1 

15 Coerenza .....................................................1 







COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 


VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

ASCOLTO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

FATT. CONCRETEZZA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 










Venere 2.0 

cazione 

che li colloca nella categoria 

“due via da scaffale con feritoia 

di accordo frontale” hanno 

la stessa pianta dei due modelli 

a torre (sono larghi uguali 

e hanno circa 5 cm in meno di 

profondità) ed appaiono tra l’al- 

ci 

dei 1.5. Per quanto riguarda 

l’altezza del tweeter è molto 

simile a quella degli 1.5 ma la 

profondità e le caratteristiche 

di emissione della gamma bassa 

consigliano vivamente l’utilizzo 

con piedistallo. La feritoia 

è molto profonda e assolve 

anche ad elemento strutturale 

che la ripiega a 90° all’interno 

del mobile. è presente un setto 

di rinforzo suddiviso in due 

sezioni che ha la funzione di irrobustire 

la struttura e dare la 

sagoma di formatura delle pareti 

laterali curve. Si dimostrano 

assai più critici ed esigenti in 

quanto ad abbinamento in fat- 

 

accettano ben volentieri anche 

piccoli integrati di bassa potenza, 

purché o partner di qualità e 

quantità superiore, i 2.0 appaiono 

assai meno accomodanti. 

Alcune amplificazioni hanno 

avuto l’effetto di realizzare, in 

abbinata con questi diffuso- 

 

lento, dal basso ingombrante e 

- 

dati 

alle medie e medio/basse 

frequenze. A dispetto dunque 

di una iniziale impressione di 

maggiore potenza, grandezza 

d’immagine e resa più appariscente, 

si evidenzia in breve un 

suono alquanto spento e poco 

coinvolgente. Le cose cambiano 

tori 

più potenti e di maggiore 

qualità. In questo caso il basso 

 

riequilibrandosi in maniera ragionevole 

con il resto. Se prima 

si aveva l’impressione di una 

risposta in frequenza dall’andamento 

a sella non proprio 

piacevole, ora sembra tutto un 

poco più riequilibrato. Guidati 

quindi con nerbo e precisione i 

2.0 possono mostrare una scena 

più grande, di poco, e piena, 

rispetto a quanto ottenibile dai 

1.5. Sconsigliata la collocazione 

a ridosso della parete di fondo 

ed è di gran lunga preferibile 

quella su piedistallo, ben distante 

dalle pareti circostanti. 

L’impostazione timbrica, nelle 

condizioni ottimali, diventa 

a questo punto molto simile 

agli 1.5: sonorità calde, buona 

estensione e grandezza della 

scena tridimensionale. Rimane 

l’impressione di una minore regolarità 

della risposta, sebbene 

leggermente più estesa in profondità. 

Le voci appaiono meno 

in evidenza, come se il solista 

fosse qualche passo più indietro 

nel palcoscenico virtuale. 

Le tinte sonore si mantengono 

più scure e leggermente meno 

brillanti mentre in compenso 

la grande orchestra viene resa 

con una dimensionailità e una 

dinamica di tutto rispetto e, a 

queste condizioni, in modo me- 

 



2 Messa a fuoco e corposità ...........................-1 







9 Velocità .......................................................0 



12 Frequenze medio-basse..............................-1 


14 Timbrica ......................................................0 

15 Coerenza .....................................................0 







COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 


VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 

ASCOLTO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 

FATT. CONCRETEZZA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 

QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 









TEST 

Venere 2.5 

I 2.5 sono un diffusore da pavimento 

con due altoparlanti 

in parallelo accordati in bass 

to 

il volume a disposizione è 

utilizzato per il carico dei due 

woofer e l’interno del mobile è 

caratterizzato da numerosi setti 

suddivisi in tre parti che irrobustiscono 

la struttura alleggerita 

in prossimità dei fori degli altoparlanti. 

È stato fatto uso di 

molto materiale assorbente di 

differente natura, tra cui una 

specie di feltro ad alta massa, 

un altro meno compatto e due 

curiosi rotoli di pluriball collocati 

in prossimità della feritoia. 

Le proporzioni a differenza dei 

 

la linea, come pure contribuisce 

l’inclinazione data dalle punte 

anteriori più lunghe di quelle 

posteriori installate sulla base. 

 

l’inserimento dei Venere 2.5 in 

ambiente. A rendere ulteriormente 

meno problematica la 

collocazione di questi diffusori 

c’è anche la sua relativamente 

modesta interazione con le 

pareti circostanti: le caratteristiche 

sonore non cambiano 

in modo poi così drammatico 

e vistoso allontanandoli o avvicinandoli 

alle pareti. Non 

possono però, come la maggior 

parte dei sistemi a torre, essere 

piazzati a ridosso della parete 

di fondo o messi in un angolo. 

Abbiamo notato come già una 

distanza tra i 30 e i 50 cm dalla 

 

ottenere un buon equilibrio della 

risposta in frequenza. Importante 

è mantenere una distanza 

anche maggiore dalle pareti 

laterali, mentre lo spazio tra i 

due diffusori può essere davvero 

ampio perché questi 2.5 si 

dimostrano in grado di ricreare 

un fronte sonoro molto grande 

e pieno senza impoverimenti al 

centro. I 2.5 dimostrano caratteristiche 

sonore e di interfacciabilità 

molto simili a quelle 

dei 1.5: ritroviamo il medesimo 

colore sonoro caldo, ambrato, 

sparente. 

Analoga la capacità 

di adattarsi a tutti i generi 

con la possibilità di una scena 

più grande, maestosa, quasi 

imponente e suggestiva con 

la grande orchestra, le grandi 

dinamiche e l’ariosità di un 

grande spazio. L’aspetto più interessante 

è forse la coerenza e 

naturalezza con le quali le varie 

porzioni di frequenze si legano 

tra loro. Le voci, acute o baritonali 

che siano, emergono dalla 

scena senza gigantismi ma senza 

neppure rimanere soffocate 

dall’accompagnamento sonoro 

in un equilibrio indovinato. I 

particolari ben riprodotti non si 

traducono in una sensazione di 

sovraesposizione, come di troppa 

lucentezza, ma il tutto mantiene 

delle proporzioni credibili 

e adeguate e questo è favorito 

da un timbro lievemente caldo 

che contribuisce a non stancare 

e a non aggredire l’ascoltatore. 

L’altra similitudine con i Venere 

1.5 sta nella notevole adattabilità 

ai più diversi tipi di am- 

 

 

 

 

2.5 non si scompongono più di 

tanto accettando ben volentieri 

la potenza di qualità, anche 

chiaramente sovrabbondante. 

- 

 

fornendo quella marcia in più 

che rende il suono più vivace e 

 










9 Velocità .......................................................1 





14 Timbrica ......................................................1 

15 Coerenza .....................................................2 







COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 


VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 

ASCOLTO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 












Venere 3.0 

I 3.0 hanno rispetto agli altri 

modelli in più la camera del 

medio che è isolato dal resto e 

caricato in sospensione pneumatica. 

Il volume rimanente è 

 

 

anteriore. Il volume del medio 

è ricavato in seguito alla chiusu- 

 

 

Inoltre le due pareti sono collocate 

con angolo acuto verso 

sce 

alla rigidità della camera e 

 

sul mid. L’interno è completa- 

 

 

 

 

specie di neoprene adesivo. 

 

siano tanto maggiori rispetto 

- 

mente 

maggiori dove possono 

esprimere meglio tutto il loro 

 

un suono completo sotto tutti 

 

assai poco di più e che soltanto 

modelli molto più costosi sono 

in grado di dare. L’ascolto nel 

 

sore 

sia un modello capace di 

- 

 

 

- 

 

- 

 

 

tridimensionalità è assicurata; 

 

 

- 

 

 

 

 

 

- 

 

 

gna 

su alcuni parametri come 

 

no 

ed emergono dal palcoscenico; 

tutto in generale risulta più 

 

 

si dilatino di più tra di loro re- 

 

più spettacolare che in prece- 

 

 

 

presente allo stesso tempo. 

Invariata resta una certa gen- 

 

saggi 

più vivaci e aggressivi dei 

- 

 

Un risultato a tutto tondo che 

 

un nuovo stile sonoro per So- 

 

materico e deciso all’occorren- 

 

 

 

accattivanti ma a volte anche in 

 

 

 

si dimostrano tutt’altro che 

- 

 

 

 

creare un piacevolissimo con- 

 

 

serie Icon di NuForce o il sin- 

 

casa Denon. 










9 Velocità .......................................................1 





14 Timbrica ......................................................1 

15 Coerenza .....................................................1 







COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 


VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

ASCOLTO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 


QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 









TEST 

Una famiglia con tanti caratteri 

Quattro modelli (due 

da pavimento e due 

da piedistallo) più un 

centrale e un canale posteriore 

per l’A/V. In sintesi massima, 

la serie Venere della casa vicentina 

è tutta qui anche se, come 

abbiamo visto, non solo questa 

gamma svolge un ruolo strategico 

all’interno delle politiche 

della casa ma rappresenta anche 

un “modello di sviluppo” nuovo, 

sebbene legato alle origini artigianali, 

rispetto alle abituali politiche 

aziendali. Il risultato da un 

punto di vista della percezione 

immediata è ottimo: raramente 

abbiamo visto prodotti realizzati 

“in economia” (le virgolette in 

questo caso sono d’obbligo) che 

possano essere percepiti con un 

altrettanto elevato valore… 

Il vestito naturalmente non è 

LA SERIE VENERE 

MODELLI A CONFRONTO 

teressante, 

quella decisiva della 

serie Venere: all’aspetto corrisponde 

un altrettanto e concreto 

valore 

Con diverse gradazioni distribuite 

ci pare di poter dire senz’altro 

di si, visto che i vari prodotti che 

la costituiscono sono in grado di 

competere come minimo onorevolmente 

per prestazioni nel loro 

segmento di mercato. 

tà 

di ciascuno di questi modelli. 

Certo, l’intera famiglia è il frutto 

di componenti fortemente imparentati 

non solo dal punto di 

vista estetico ma anche da quello 

sonoro, con un ‘imprinting fortemente 

somigliante tra i quattro 

modelli ma, forse anche in relazione 

alle differenti soluzioni 

adottate per la riproduzione delle 

basse frequenze e dell’attenuazione 

del tweeter, ognuno dei 

prodotti della serie Venere manifesta 

una sua forte identità sia 

dal punto di vista sonoro, che in 

termini di interfaccia con l’ambiente 

e con i possibili partner. 

Forse è questa la principale chiave 

di lettura che chiarisce la ragione 

di due coppie (i modelli da 

piedistallo e quelli a torre) i cui 

appartenenti appaiono a prima 

vista molto simili ma che pre- 

 

per ognuno. 

Un altro tipo di lettura può essere 

fatta esaminando le soluzioni 

tecniche e gli elementi adottati, 

che stabilisce per “comunanza” 

due nuove coppie (1.5 e 3.0 - 2.0 

e 2.5). Soprattutto la seconda 

di queste ipotizza una risposta 

all’antica diatriba tra diffusori da 

Modello 1.5 2.0 2.5 3.0 

Tipo da supporto da pavimento 

N. vie 2 2 2.5 3 

Tweeter 

a cupola in seta da 29 mm 

Midrange - - - da 15 mm 

Woofer da 15 cm (1) da 18 cm (1) da 18 cm (2) 

Potenza (W) 30 – 150 50 – 200 40-250 40 - 300 

Impedenza (Ohm) 6 

Freq. di crossover (Hz) 2.000 2.500 250 e 2.500 180-220-2.300 

Sensibilità (dB) 85 88 89 90 

Dimensioni (cm lxaxp) 39,4 x 20,6 x 30 44,9 x 24,6 x 33,6 34 x 110,7 x 43,7 1157 x 340 x 438 

Peso (Kg) 6 7 19,45 21,30 

Stand (€ - la coppia) 360,00 359,00 - - 

Prezzo (€ - la coppia) 1.090,00 1.589,00 2.400,00 3.199,00 

piedistallo e a torre (se entrambi 

 

ingombri e costano quasi uguali, 

che cosa conviene), perlomeno 

in casa Sonus faber! 

 

fornisce interessanti indicazioni, 

per noi “esperti” ma anche per il 

 

successo di differenti soluzioni e 

utilizzo di componenti che, proprio 

perché gli stessi o di poco 

differenti, mettono così in luce 

non tanto come si è ma come ci 

si comporta in determinate situazioni, 

corroborando le tesi sostenute 

da questo giornale: non 

soffermatevi tanto su cognizioni 

nozionistiche su questa o quella 

soluzione ma piuttosto concentrandovi 

sul modo sinergico con 

cui viene applicata. 

Per i tecno-scettici valgano comunque 

le valutazioni d’ascolto, 

sebbene come in ogni caso di 

esame soggettivo, i responsi non 

abbiano raggiunto l’unanimità 

all’interno della redazione (ma 

geneità 

da stilare i giudizi racchiusi 

nel suonogramma e nella 

“pagellina”): a tal proposito vale 

l’avvertenza costituita dal fatto 

che lo street price della serie Venere 

è particolarmente vantaggioso 

e non abbiamo potuto non 

tenerne conto nelle valutazioni 

riguardanti il rapporto qualità/ 

prezzo! 

Ne emerge una gamma variegata 

e per nulla scontata nelle performance 

e nel come sono distribuite 

nei vari parametri. 

Ma non è poi vero, in fondo, che 

ogni famiglia ha diversi tipi di 

“pecorelle”.. 



TEST 

Prezzo: € 199,00 

Distributore: Tecnofuturo 

Via Rodi 6 - 25124 Brescia (BS) 

Tel. 030-2452475 - Fax 030-2475606 

www.tecnofuturo.it 

Tipo: chiusa Trasduttori: dinamici 

Impedenza (Ohm): 32 Risp. in 

freq. (Hz): 6-22.000 THD (%):










9 Velocità .......................................................1 





14 Timbrica ......................................................0 

15 Coerenza .....................................................0 






POCO ERGONOMICA 

I pad sono installati su un supporto 

in plastica che si fissa con quattro clip 

sul pannello e tramite una pellicola 

di tenace biadesivo che non favorisce 

la semplice rimozione, né per 

manutenzione né per tuning. L’altoparlante 

da 40 mm, con la membrana 

in mylar con deposito di titanio e 

magnete in neodimio, è collocato 

sul pannello anteriore del padiglione 

che a sua volta è fissato al guscio 

esterno. Entrambi sono in plastica 

e quello esterno non presenta alcuna 

foratura per favorire l’isolamento 

acustico dall’ambiente circostante. Il 

pannello anteriore è fissato tramite 

quattro viti autofilettanti al guscio 

esterno di sostengo. I cavi di connessioni, 

multifilari di piccola sezione, 

sono collegati al jack di ingresso 

collocato sul padiglione sinistro e il 

collegamento di quello destro passa 

all’interno dell’archetto e del sistema 

di regolazione dell’altezza. Al centro 

dell’archetto, realizzato con un materiale 

gommoso differente dagli altri, 

in cui è presente comunque l’anima 

metallica elastica, è collocato un cuscinetto 

dello stesso materiale dei 

pad che poggia sul capo. La forma 

allungata e stretta assume un profilo 

leggermente a cuspide che grava 

al centro della testa e rende poco 

piacevole indossare la cuffia: anche 

dopo un po’ di ore di utilizzo e qualche 

pressione “digitale” nel tentativo 

di omogeneizzare la pressione, non 

abbiamo ottenuto risultati tangibili. 


COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ 

BANCO DI MISURA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 

COMODITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 

ASCOLTO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ 

FATT. CONCRETEZZA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 

QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ 









TEST 

non consentire con chiarezza 

di stabilire se gli snodi siano in 

questo materiale o, piuttosto, in 

alluminio leggero. I padiglioni 

sono ampi, tra i più ampi della 

categoria e ricoperti in similpelle, 

molto piacevole sia alla vista che 

al tatto, così come la protezione 

dell’archetto. Quest’ultima però 

si è rivelata poco ergonomica, 

contribuendo a concentrare il 

 

testa con una sensazione poco 

gradevole. In generale l’indos- 

 

da archetto, snodi e padiglioni 

non è delle migliori: il raggio di 

curvatura dell’archetto è eccessivamente 

stretto cosicché quando 

 

spanciare. Poco male dal punto di 

vista estetico ma poiché l’archetto 

è costituito da tre parti, le due 

esterne tendono a forzare in maniera 

innaturale determinando 

uno stress sulle giunture e, cosa 

ancor più grave, sui cavi che trasportano 

il segnale dal padiglione 

con il jack a quello senza. Nel nostro 

caso questo ha determinato 

il degrado del collegamento che, 

 

garantiva il funzionamento solo 

a tratti. La morfologia del sistema 

garantisce un isolamento 

parziale dall’esterno, ottenuto 

però con una certa costrizione a 

causa di quanto precedentemente 

affermato, ma anche per come 

“calzano” i padiglioni. Va anche 

considerato il fatto che se la cuf- 

 

deve poter aderire in modo tenace 

come accade (sebbene manchi 

la “sensazione di leggerezza” 

che altri modelli sono in grado 

di produrre); in questi termini 

però i due cordoni in dotazione 

(uno con e l’altro senza comandi) 

risultano troppo lunghi (1,2 m) e 

NON TUTTO FILA LISCIO 

Gran parte degli snodi e dei leveraggi 

è realizzata con alluminio e sedi 

in plastica. Si notano i due blocchi 

di rotazione dei padiglioni per il 

trasporto nelle due modalità previste: 

con padiglioni interni oppure 

esterni ma ruotati di 180°. Il guscio 

esterno è in plastica e presenta il 

pesanti, soprattutto ai capi. Visto 

lo sforzo (che corrisponde ad una 

intenzione, forse eccessivamente 

recondita, di garantire un utiliz- 

 

potevano differenziare i due cordoni 

ad hoc per i diversi utilizzi! 

Considerando anche il fatto che è 

possibile ma non semplicissimo 

trovare cavi alternativi a quello 

fornito! 

Le caratteristiche elettriche del- 

 

l’interfacciamento con iPod e 

similari: alta sensibilità e bassa 

impedenza (anche se non completamente 

lineare) consentono 

foro di ingresso spostato di lato e 

non in asse, tale che la sede è piatta 

in fondo ma la superficie esterna ha 

una forma ellittica curva molto accentuata 

che sfiora nel suo massimo 

quasi 8 mm di profondità. Anche il 

diametro interno utile è molto piccolo, 

poco meno di 6.3 mm, il che 

riduce la possibilità di utilizzare cavi 

un facile abbinamento con questo 

tipo di apparecchi, mentre per 

 

maggiore cautela per raggiungere 

i migliori risultati. 

Da un punto di vista sonoro appare 

immediatamente chiara la 

destinazione della Spirit One, che 

privilegia performance dinamiche 

e muscolari ad un approccio 

in punta di forchetta: quale 

che sia l’abbinamento, traspare 

un’enfasi verso le basse frequenze, 

dove prevale una certa effettistica 

piuttosto che il rispetto 

cattedratico degli equilibri lungo 

l’arco delle frequenze. Ne risulta 

differenti da quelli in dotazione, in 

quanto il diametro del Jack da 3.5 

mm è più piccolo del solito: 5.95 

mm del corpo in alluminio esterno 

a fronte degli oltre 7 mm in genere 

anche dei connettori da auricolari 

per telefono più comuni. Ciò rende 

difficoltoso l’utilizzo di cavi non in 

dotazione sia per il tuning sia in casi 

in gamma bassa una performance 

abbondante e non molto articolata, 

certamente coinvolgente 

e tendente ad un effetto live che 

piacerà ai più giovani, adatta ai 

generi musicali che tra di essi 

vanno per la maggiore. Sul resto 

ta 

in maniera abbastanza neutra, 

anche se nel complesso lo stage 

che se ne ricava non brilla particolarmente 

(ma nemmeno difetta 

in maniera palese) per profondità 

e credibilità e la correttezza 

timbrica è al più nella norma per 

questa fascia di prezzo. Forse, lo 

accennavamo, Focal dopo aver 


Cuffia Focal Spirit One 

di emergenza (perdita o rottura)! È 

possibile ripiegare i padiglioni in due 

posizioni per il trasporto, una che 

facilita l’inserimento nella custodia 

rigida (ovvero con i padiglioni ruotato 

di 180° rispetto alla posizione di 

ascolto) e l’altra adatta alla custodia 

morbida, di tipo a sacchetto, con i 

padiglioni orientati e affiancati verso 

l’archetto. In entrambi i casi lo spazio 

occupato è eccessivo e non consente 

una comoda trasportabilità; in 

particolar modo questo vale per la 

soluzione a sacchetto, forse la più ingombrante 

rispetto ad altri prodotti 

che rendono ancora più compatte le 

dimensioni ruotando i padiglioni in 

posizioni addirittura asimmetriche. 

Sono disponibili due cavi in dotazione, 

uno stereofonico “puro” e 

l’altro dotato di microfono e di regolazione 

del volume da abbinarsi 

con smartphone di casa Apple, ma 

compatibili anche con altri dispositivi 

di recente produzione. Si tratta 

di un’opportunità molto utile che 

consente all’utente di scegliere lo 

scenario più consono alle sue esigenze. 

Entrambi i cavi sono rivestiti 

in tessuto, sono molto flessibili, non si 

attorcigliano ed eventuali nodi si sciolgono 

rapidamente. Alle estremità sono 

terminati con connettori minijack a tre 

o quattro poli a secondo della versione 

pura o con microfono e si può avvitare 

l’adattatore jack da 6,3 mm. 

imboccato con veemenza una 

strada (che non le è naturale) ha 

avuto qualche ripensamento; for- 

 

è dentro ognuno di noi “corrotti” 

dalla lunga militanza nel settore 

ad un certo punto inevitabilmente 

viene fuori e ha la meglio... 

Chissà! Di certo, al di là del successo 

che sembra comunque dare 

ragione all’azienda, la Spirit One 

per certi versi sembra un’incompiuta, 

anche nel posizionamento 

di mercato: né completamente 

destinata alla M Generation, né 

 

appassionati di riproduzione 

sonora, alcuni dei quali si sono 

rinnovati nell’ascolto in cuffia 

stanziale; troppo costosa rispetto 

ai concorrenti per l’ascolto in 

mobilità e troppo poco performante 

rispetto a i modelli classici 

per l’ascolto stanziale. Non è un 

caso, a parer nostro, che la nuova 

Spirit Classic in realtà più che il 

modello successivo (quello au- 

to 

del precedente, con interventi 

sui punti deboli (se si guarda il 

prodotto secondo i crismi della 

corretta riproduzione sonora), 

come testimonia anche il discostamento 

di prezzo (dovrebbe 

essere introdotta a poco meno di 

300 euro), troppo modesto per 

far pensare che la Classic sia il 

modello audiophile che ci si sarebbe 

aspettati (magari peccando 

di immaginazione) dalla casa 

francese. Il risultato è un prodotto 

che per mancanza di know how 

 

 

se ne centra altri, più legati al 

marketing, come una indubbia 

bella presenza, una riproposizione 

sonora coinvolgente al primo 

impatto e un prezzo comunque 

estremamente competitivo rispetto 

al leader di mercato a cui 

si ispira per linea e potenziali 

prestazioni (da questo punto di 

vista la Spirit esibisce una maggiore 

adesione ai canoni sonori 

 

tempo). Vista da un altro punto 

di vista la Spirit One, se non soddisfa 

pienamente né nell’una né 

nell’altra area di utilizzo identi- 

 

non delude particolarmente, in 

relazione alla classe di appartenenza, 

risultando una possibile 

scelta per chi non ha ancora le 

idee chiare su come utilizzare una 

 

un costante uso promiscuo. 


TEST 


Prezzo: € 700,00 

Peso: 25 gr 

Distributore: Exhibo S.p.A. 

Via Leonardo da Vinci, 6 - 20854 

Vedano al Lambro (MB) 

Tel.039-49841 

www.exhibo.it 

Tipo: intraurale Trasduttori: dinamici 

Impedenza (Ohm): 16 Risp. in 

freq. (Hz): 8 - 41.000 THD (%): 0,06 

Cavo: 1,2 m OFC Auricolari: altoparlante 

da 7 mm Note: pressione 

acustica 125 dB, connettore jack da 

3,5 mm. Inclusi nella confezione set 

di gommini di diverse misure. 

CUFFIA 

Sennheiser IE 800 

L 

IEM (In Ear Monitor) si 

arricchisce di un nuovo 

interessante capitolo. Con la IE 

800, infatti, la Sennheiser non 

solo posiziona al vertice un suo 

prodotto che precedentemente... 

non esisteva in questa categoria, 

se si esclude la IE80, 

comunque lontana per prezzo e 

categoria da AGG K3003, Ultrasone 

IQ, Ortofon e-Q5 e gli altri 

concorrenti, pochi, che affollano 

il segmento di eccellenza di questo 

tipo di mercato, destinato soprattutto 

all’utilizzo da parte degli 

artisti sul palco in luogo dei 

diffusori “spia” per monitorare 

quel che stanno facendo. 

sto 

tra ingombri e prestazioni, 

visto che le regole in merito alle 

prestazioni degli altoparlanti ci 

informano che generalmente le 

ridotte dimensioni mal si abbinano 

ad una elevata aspettativa 

sonora. Così, se in genere le 

 

l’ascolto domestico garantiscono 

certamente buona musica, e 

non un altrettanto elevato coef- 

to 

e nel “ricovero”, per contro la 

maggior parte delle intraurali 

eccellono esattamente all’opposto. 

La problematica è però da 

qualche anno al centro dell’attenzione 

dei costruttori non solo 

o non tanto per facilitare lo svago 

musicale, quanto per favorire 

chi opera professionalmente con 

 

Le intraurali IEM sono sviluppate 

con particolari tecnologie 

che da un lato consentono a chi 

le indossa di potersi isolare dal 

frastuono della location dove 

avviene il concerto, dall’altro 

- 

 

che è indispensabile a chi con 

la musica ci lavora. A tal scopo 

sticatezza 

offerta da alcuni co- 

 

che richiedono all’acquirente 

un calco del proprio padiglione 

auricolare per modellare ad hoc 

(e dunque personalizzare) la cuf- 

 

perché uno dei problemi delle 

 

offrire il massimo delle performance 

(specialmente in fatto 

di emissione delle frequenze 

basse), devono essere correttamente 

inserite nell’orecchio, 

operazione facile a dirsi, meno 

da mettere in pratica perché 

ogni orecchio fa storia a sé per 

morfologia e non è raro, anzi 

frequentissimo, vedere penzolare, 

o quantomeno non nella 

posizione ideale, gli auricolari 

di questo tipo... Senza arrivare 

 

realizzare un calco del proprio 

orecchio, qualche costruttore 

ha cominciato a studiare come 

trovare la quadra in maniera più 

semplice: alcuni si sono concentrati 

su aspetti tecnici per ottenere 

maggiori risultati sonori 

dai piccoli auricolari intraurali 

 

senso adottano una soluzione 

strutturalmente differente da 


un tradizionale altoparlante dinamico, 

detta “ad armatura bilanciata” 

che utilizza più driver 

per coprire tutto il range); Senneheiser, 

veterano sia in campo 

professionale che consumer di 

 

se pur a caro prezzo ha realizza- 

 

IE 800, che con un approccio diverso 

e per certi versi più tradizionalista, 

quella quadra sembra 

averla pienamente trovata per 

altre vie! La strada non è stata 

certo semplice ma ha portato l’azienda 

a brevettare molte delle 

soluzioni tecniche adottate che 

hanno dato luce ad un sistema 

costoso ma “quasi universale”! 

Contrariamente a modelli simili 

(e altrettanto costosi), la IE 800 

utilizza infatti un sistema basato 

su un unico altoparlante dinamico 

da soli 7 mm, soluzione che 

ha consentito ai progettisti di 

modellare in maniera opportuna 

il guscio del sistema, realizzato 

in ceramica, convogliando le 

onde sonore e utilizzando per la 

prima volta in un sistema di questo 

tipo un assorbitore a doppia 

camera (brevettato) con lo scopo 

di minimizzare le tipiche risonanze 

del condotto uditivo nella 

gamma dei 7-8 kHz, causa del 

cosiddetto “mascheramento” 

di componenti sonore in alta 

frequenza. La struttura interna 

dell’auricolare dal lato più lontano 

dal padiglione auricolare 

(le due “corna” che si vedono 

in foto) diventa un sorta di prolungamento 

dell’assorbitore che 

ne favorisce il funzionamento. 

Anche la parte terminale della 

cuffia, il classico “gommino” 

stituito 

da una parte esterna in 

silicone e una interna in plastica 

che una volta inserita nel corpo 

ne 

“a rientrare” che favorisce la 

presa: l’insieme rende molto 

stabile l’auricolare che può venir 

posizionato facilmente nell’orecchio. 

Le IE 800 sono fornite 

di 5 serie di pad, tre circolari e 

due ellittiche con un disegno 

estremamente funzionale abbinato 

alla geometria del corpo 

dell’auricolare. Le cinque forme, 

seppur differenti per dimensioni 

e impostazioni si adattano alla 

maggior parte dei condotti uditivi, 

ma in base alle personali 

esigenze si può ottimizzare in 

modo capillare il risultato dal 

punto di vista della comodità: 

si tratta di uno dei primi casi in 

cui il risultato che si ottiene è di 

In dotazione viene fornita una 

pratica, seppur ingombrante, 

custodia in pelle con sede 

in schiuma sagomata. Le 

dimensioni non sono maggiori 

di quelle di un taccuino, ma 

consentono di collocare in modo 

ordinato e rapido il prezioso 

oggetto. L’operazione è semplice: 

si collocano gli auricolari nella 

sede, si arrotola il cavo intorno 

e si inserisce il jack nell’apposito 

foro. La chiusura è magnetica 

e all’interno è posta la targa 

con il numero seriale. Di vitale 

importanza l’accessorio per la 

pulizia della griglia di protezione. 










9 Velocità .......................................................2 





14 Timbrica ......................................................1 

15 Coerenza .....................................................1 







COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 


COMODITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

ASCOLTO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

FATT. CONCRETEZZA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 









altissimo livello comunque ma 

si può anche scegliere la soluzione 

più piacevole in termini 

di “oppressione” e di sensazione 

di stabilità. Pur disponendo di 

5 alternative, nel 100% dei casi 

abbiamo rilevato al primo colpo 

una estrema facilità nell’inserire 

e mantenere stabile l’auricolare 

nell’orecchio nella posizione 

ideale. 

Comunque sia una volta trovata 

la posizione migliore, la riproduzione 

delle basse frequenze risulta 

estesa e possente (in generale 

provate a variare la pressione 

di un auricolare intraurale, 

vedrete come cambia la risposta 

alle basse frequenze!) che non fa 

 

un ascolto di alta qualità. Benché 

questa, con il cordone verso 

il basso, debba essere considerata 

dunque una soluzione ottimale, 

occorre aprire un capitolo 

su eventuali posizionamenti alternativi, 

a cui peraltro non si fa 

riferimento nelle comunicazioni 

 

alcune prove effettuate si ottengono 

risultati eccellenti con il 

cavo passato verso l’alto intorno 

all’orecchio e dietro la testa: in 

goli 

dall’auricolare al connettore 

ad Y che sono piuttosto corti 

non tendono a stringere sul collo 

come accade nella posizione canonica. 

Questo modo di indos- 

 

possibile e se non ci sono impedimenti 

strutturali, offre molte 

opportunità in termini di resa e 

di riduzione dei rumori esterni. 

La forma asimmetrica della IE 

800 non facilita però questo 

tipo di soluzione in quanto la 

parte posteriore dell’auricolare 


TEST 

IN MOVIMENTO 

La scelta del partner “giusto” in mobilità 

da abbinare alle IE 800 si è orientata 

verso strade meno battute da quelle 

più ovvie e è ricaduta sul Sandisk 

Sansa Clip+; molteplici le ragioni della 

scelta: innanzitutto le dimensioni e il 

peso minimi (34,7 x 55 x 15,33 mm 

per 24 grammi di peso), poi il costo, 

estremamente basso, infine alcune caratteristiche 

tecniche e “filosofiche”che 

possono esaltarne l’abbinamento... 

Lo street price varia da 50 a 80 euro 

a seconda delle dimensioni della memoria 

interna a stato solido (da 2, 4 e 8 

GB: consigliamo quest’ultimo “taglio” 

se si desidera immagazzinare musica 

ad alta risoluzione oltre al fatto che è 

possibile inserire una scheda miniSD 

fino a 64Gb dal costo intorno ai 50 

Euro). Il Sansa Clip+ è prodotto da uno 

dei giganti americani che si occupano 

principalmente di memorie di massa, 

il che, con oggetti molto economici, è 

comunque una garanzia rispetto alle 

molte “cineserie” offerte in questa fascia 

di prezzo. 

Inoltre l’apparecchio supporta il sistema 

operativo Rockbox, un progetto 

open source che si affianca bypassandolo 

al software installato in fabbrica. 

Oltre ad essere costantemente 

aggiornato, Rockbox consente l’utilizzo 

di ogni tipo di file e codec, e in particolare 

quelli FLAC, standard considerato 

il migliore e che offre anche l’opzione 

ad alta definizione. Inoltre il software 

di gestione dei contenuti non presenta 

tutti i limiti dei software chiusi e proprietari 

come iTunes e Media Player... 

Sebbene il Clip+ ricampioni i file, lo fa 

abbastanza bene e in particolar modo 

nel caso di file pcm a 16 bit /44,1 kHz 

(in pratica i CD) il risultato è davvero 

sensazionale; ottima la resa sonora anche 

con file campionati a frequenze 

maggiori, con l’unica idiosincrasia per 

quelli multipli di 48 kHz, almeno per 

ora e fino a che la comunità di sviluppo 

non risolverà. 

L’abbinamento tra la IE 800 e il Clip+ è 

deflagrante da ogni punto di vista: gli 

ingombri sono minimali, il peso ancor 

di più, il risultato sonoro sorprendente, 

con l’impagabile vantaggio della 

assoluta trasportabilità. 

Risultato raggiunto dunque, con la possibilità, 

magari esile ma non si sa mai, 

che qualche DJ che vuole dirazzare dal 

main stream possa decidere che un dj 

apparentemente senza cuffia (perché 

la cuffia sparisce nell’orecchio) possa 

fare tendenza. 

L’OPINIONE 

Per dar corpo ad un 

passaggio evolutivo 

c’è bisogno di un 

contributo corale: 

intuito di alcuni, 

genio di altri e 

concretezza e 

risorse irraggiungibili dai singoli e 

alla portata delle grandi aziende. 

Senza un operato congiunto non 

è possibile fare “il salto”. Nel caso 

di Sennheiser, siamo di fronte 

al secondo prodotto realizzato 

in questa logica. Speriamo che 

il fenomeno continui e che il 

prossimo salto evolutivo sia 

quello di una collaborazione e 

coinvolgimento ancora più aperti 

di quanto è adesso. HDVD 800 

e IE800 raccontano senza mezzi 

termini tutto questo. 


andrebbe ad adagiarsi sul padiglione 

auricolare riducendo anche 

la praticità di inserimento 

che in condizioni normali avviene 

facilmente, tenendo la parte 

posteriore con la punta dell’indice 

e del pollice esercitando 

una lieve pressione. Invertendo 

i canali ci si troverebbe con la 

“geometria” ottimale, ma i canali 

risulterebbero invertiti e 

occorrerebbe utilizzare un cavo 

custom! 

Perché darsi questa pena La 

IE 800 è abbastanza isolata dai 

traverso 

il cavo vengono veicolati 

urti e sfregamenti, in modo 

meno evidente che in altri sistemi 

ma pur sempre udibile e 

fastidioso. La collocazione “alternativa” 

consente di ridurre 

se non addirittura annientare 

ogni trasmissione di rumore 

attraverso il cavo e di ridurre 

anche la tensione del cavo sul 

corpo dell’auricolare: nella posizione 

alternativa ci si dimentica 

quasi completamente di averle 

indosso! In quella standard anche, 

solo che si percepiscono 

un po’ di rumori del cavo ed è 

più frequente lo spostamento 

dell’auricolare dalla sede durante 

i movimenti. In merito 

al posizionamento va inoltre 

aggiunto che ogni auricolare è 

contraddistinto dal suo verso 

anche se, complici le ridottissime 

dimensioni degli auricolari, 

l’operazione di riconoscimento 

rappresenta la classica ricerca 

dell’ago nel pagliaio! Il cavo, di 

 

destinate all’uso portatile (1,2 

m) risulta un po’ costrittivo per 

un ascolto domestico; essendo 

costituito da due parti, la Y e il 

cordone vero e proprio, entrambe 

in kevlar rinforzato che con- 

 

allo stesso tempo, non è escluso 

che venga introdotta una versione 

del cordone più lungo, magari 

terminato con jack da 6,3 mm. 

Dal punto di vista sonoro la 

IE 800 fornisce prestazioni 

inaspettate: in genere verrete 

sorpresi da una riproposizione 

musicale di enorme energia e di- 


Cuffia Sennheiser IE 800 

NUOVE SOLUZIONI 

Il guscio delle IE800 è fra le cose più 

curiose che abbiamo avuto fra le 

mani: leggerissimo e con un rumore 

mai sentito quando i due auricolari, 

penzolando sbattono uno su l’altro. 

Il primo timore è quello di rompere o 

sbeccare qualcosa, tipico di tutte le 

volte che si maneggiano oggetti in 

ceramica, a cui però si sostituisce la 

consapevolezza che esiste ceramica 

e ceramica! 

Una tazzina da tè è sicuramente 

un’altra cosa rispetto ad altri composti 

che “tagliano” gli acciai più duri! 

Il suono emesso sembra quello delle 

collane e braccialetti in ematite! La 

leggerezza e la solidità restituite al 

tatto sono uniche nel loro genere. 

Un solo appunto, sull’identificazione 

dei canali: impossibile ad occhio 

nudo, difficoltoso anche con utilizzo 

di magnificatori (occhiali e lenti di 

ingrandimento). L’altoparlante è 

contenuto in una camera di carico 

“ottimale” dove è stato possibile attuare 

anche correzioni acustiche e di 

emissione: i due condotti posteriori, 

con fori di diametro e lunghezza differenti 

intervengono sulle risonanze, 

sulla parte anteriore della membrana 

invece intervengono sulla dispersione 

ed equalizzazione. 

namica, con un ottimo rispetto 

per la ricostruzione della scena 

sonora. 

Una nota di colore: le IE 800 

si sentono “vibrare” addosso. 

L’eterica sensazione di punch e 

gamma bassa, tipica dell’ascolto 

 

una “forma” concreta decisamente 

unica nel suo genere! 

Inoltre, per le ragioni spiegate in 

precedenza, l’isolamento dall’esterno 

è notevole, senza fastidiose 

controindicazioni relative 

alla pressione sul canale uditivo. 

Sebbene tutto ciò lasci supporre 

una propensione per l’ascolto 

in movimento (dove peraltro la 

 

vertice della categoria) quello 

che sorprende davvero è che la 

IE 800 se la batte ad armi pari 

anche in ambito domestico! Il 

confronto diretto “in famiglia” 

con la HD 650 presenta due 

le 

stabilire chi vince e chi perde: 

la IE 800 offre prestazioni 

più grintose e solide, con articolazione 

sulle basse frequenze 

straordinaria, la HD 650 offre 

nate 

in gamma alta ma senza 

preponderanza, se non a causa 

dei gusti, dell’una o dell’altra. 

L’unico limite della IE 800 è 

costituito allora dall’impedenza, 

non particolarmente critica 

ma bassa quel tanto che basta 

a consigliare un attento abbinamento 

alla sorgente. Nelle prove 

effettuate con i diversi ampli cuf- 

denzia 

una tendenza a variare 

leggermente l’impronta sonora 

in funzione dell’abbinamento, 

con particolare attenzione nel 

caso di ampli con alta tensione 

di uscita dove si rischia l’overdose 

di decibel. In ogni caso anche 

 

namento 

risulta azzardato. 

Se dunque nel complesso il costo 

previsto per venire in possesso 

di questo prodotto è abbastanza 

elevato in assoluto, va detto che 

in cambio si entra in possesso 

satile, 

in grado di garantire una 

qualità assoluta da ogni punto 

di vista. Materiali e soluzioni 

adottate sono al top e la strada 

intrapresa risulta nei fatti una 

valida alternativa alla soluzione 

ad armature bilanciate dei concorrenti 

soprattutto rispetto ai 

loro punti di forza. L’isolamento 

verso l’esterno, la leggerezza, le 

distorsioni e gli altri rumori sono 

stati affrontati positivamente in 

questo progetto almeno quanto 

nelle soluzioni alternative. A suo 

vantaggio la IE 800 può annoverare 

una maggiore versatilità e 

minor precarietà nelle condizioni 

di utilizzo, punto debole della 

soluzione alternativa. Un vero 

punto di svolta dunque, anche 

se non te la regalano! 


TEST 


Prezzo: € 199,00 

Dimensioni: 14 x 4 x 14,5 cm (lxaxp) 

Peso: 0,4 Kg 

Distributore: Audio Natali 

Viale Alessandro Volta, 14 - 51016 

Montecatini Terme (PT) 

Tel. 0572-772595 - Fax 0572-913216 

www.audionatali.com 

Tipo: stato solido Risp. in freq. (Hz): 

10 - 100.000 ± 0,5 dB THD (%): > 0,005 

Ingressi: 1 RCA Uscite: linea RCA e 

cuffia jack Neutrik Impedenza cuffie: 

> 16 S/N (dB): > 115 Note: alimentazione 

da 85 a 265V, guadagno 12 dB, 

funzione automatica di stand by in 

base al livello minimo del segnale e 

alla presenza del jack inserito. Finitura 

bianca o nera chassis in ABS. Dimensioni 

(l x a x p) cm: 14 x 4 x 14,5 Peso 

(kg): 0,4 

AMPLIFICATORE PER CUFFIE 

Micromega MyZic 

Ne è passata di acqua 

sotto i ponti da quando 

su questa rivista 

apparve l’ultimo test di un prodotto 

Micromega! Non molto 

prima avevamo avuto modo di 

visitare l’azienda, un piccolo 

gioiello improntato alla produzione 

hi-end e diretto dalla 

dinastia Schar: Daniel, il padre 

 

(responsabile commerciale)... 

Da lì a poco la Micromega, 

sotto i primi colpi della crisi, 

avrebbe dovuto abbandonare la 

forma di azienda familiare per 

approdare altrove: una problematica 

comune a molte altre 

aziende che negli ultimi cinque 

anni hanno cambiato proprietà, 

creato pool, cercato nuovi 

 

assetti in grado di far fronte alle 

mutate condizioni del mercato. 

 

nel 2007 approda nelle mani di 

Didier Hamdi eclettico imprenditore 

in passato campione di 

moto con la Yamaha ma anche 

proprietario di alcune aziende 

tra cui la Sicom che si è occupata 

dell’illuminazione della Torre 

Eiffel! 

Tramite la società Audis Hamdi 

(nel suo curriculum va ascritta 

la passione per la riproduzione 

sonora, male oscuro e con cui è 

 

quando si è affetti da infezione 

acuta) rivede l’intera linea, 

cambia parzialmente il marchio, 

aggiungendo un HD al nome Micromega 

e mette in incubazione 

una decina di prodotti nell’arco 

di due anni di silenzio (e con la 

collaborazione di Daniel Shar 

rimasto come capo progettista), 

tutti orgogliosamente costruiti 

in Francia anche se naturalmente 

i componenti provengono da 

tutto il mondo e in particolar 

modo dall’Oriente. La vocazione 

hi-end viene parzialmente 

reindirizzata tant’è che uno dei 

primi prodotti introdotti è l’Airdream 

e, a seguire l’AS 400, un 

potente integrato con convertitore 

D/A e Airdream a bordo. 

L’intenzione è chiara: cavalcare 

i nuovi fenomeni emergenti nella 

riproduzione sonora a costo 

di alienare quell’immagine di 

livello top conquistata in passato 

con apparecchi come il Duo e 

 

 

o diventa meno evidente quella 

collaborazione che in passato 

aveva consentito a Micromega 


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9 Velocità .......................................................2 





14 Timbrica ......................................................2 

15 Coerenza .....................................................2 







COSTRUZIONE ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ 

BANCO DI MISURA ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 

VERSATILITÀ ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ 

ASCOLTO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 


QUALITÀ/PREZZO ■ ■ ■ ■ ■ | ■ ■ ■ ■ ■ 








Da un lato il connettore 

di alimentazione di rete 

con innesto ad 8 e dal lato 

opposto le due coppie 

di connettori RCA uno per 

l’ingresso e l’altro passante 

se si vuole inserire il MyZic in una 

catena preesistente già cablata 

e con un solo collegamento. 

Una grande opportunità 

che aumenta la versatilità 

dell’apparecchio. Il prodotto in 

prova però, in fase di stand by, 

introduce distorsione nel resto 

della catena. 


TEST 

L’OPINIONE 

Sarà la vecchiaia, 

sarà l’overdose di 

“grandi calibri” 

ascoltati, sarà più 

probabilmente la 

consapevolezza 

dei mutati stili di 

vita ma tendo ad entusiasmarmi 

sempre di più di fronte a prodotti 

economici quando hanno poco 

o nulla da invidiare a quelli più 

costosi. 

È la convinzione che questa sia 

la chiave del futuro ma anche 

una sorta di liberazione da 

un approccio eccessivamente 

impegnativo alla riproduzione 

della musica. 

Il MyZic è tutto questo e molto 

altro di più basti dire che ad uno 

come me, che non si è mai sognato 

di allestire un proprio sistema per 

l’ascolto in cuffia, ha fatto venire 

questa voglia! 

Il paragone con il Bryston BHA-1 

riesce al tempo stesso a confortare 

il valore dell’esperienza (il Bryston 

suona meglio e si percepisce) e 

quello della ragionevolezza: il 

MyZic non è tanto distante e val 

bene ragionare su quel “di più” e il 

costo che lo contraddistingue! 



La risposta in frequenza si estende oltre i 100 kHz e non 

evidenzia nessuna variazione dovuta all’influenza del 

carico né alla posizione della manopola del volume. 

L’impedenza di uscita è di poco superiore a 0,7 Ohm, 

pertanto anche con cuffie a bassissima impedenza è 

difficile perturbare la risposta dell’apparecchio. L’impedenza 

di uscita dello stadio finale è molto bassa e 

l’amplificatore è in grado di produrre tensioni fino ad 8 

Vrms in uscita senza evidenziare significativi incrementi 

di distorsione armonica con carichi alti. Il clipping avviene 

poco oltre e dipende dal carico in uscita e si riduce a poco 

più di 3.5 Vrms su 16 R di carico! Il tappeto di rumore è 

estremamente basso e privo di spurie in banda e fuori 

banda. Con segnali in ingresso dell’ordine di 2 Vrms, 

data l’attenuazione del livello, il tappeto di rumore si 

abbassa ulteriormente e affiora una leggerissima presenza 

di armoniche centrata introno a 15 kHz legata 

all’alimentazione. Si tratta di disturbi insignificanti e che 

rimarcano l’eccellente circuito di alimentazione privo 

di disturbi in ingresso e in uscita. È curioso invece il 

fenomeno di distorsione presente sui connettori RCA 

quando l’apparecchio inserisce la condizione di stand-by. 

Si tratta di una variazione importante che impedisce il 

collegamento in cascata dell’apparecchio ad altri ma non 

preclude il suo funzionamento in modalità stand alone. 

e si desta dal suo “torpore” (segnalandolo: 

il led passa da rosso 

a bianco) solo quando si inserisce 

il jack e si alza il volume. 

Durante lo stand by il consumo 

è irrisorio e non si apprezzano 

rumori o disturbi di rete anche 

in fase di funzionamento; in altri 

termini si tratta del sistema 

 

della sua categoria. Inoltre, la 

scelta di utilizzare un alimentatore 

interno ha dato l’opportunità 

al costruttore di impiegare 

una tensione di alimentazione 

dello stadio di potenza senza i 

tipici vincoli di tanti altri prodotti 

che impiegano alimentatori 

esterni in corrente continua, oltre 

ad ottenere un netto miglioramento 

dei parametri elettrici 

dell’apparecchio: la tensione di 

uscita è molto elevata e consente 

 

poco sensibili e ad alta impedenza. 

In effetti il set di riferimenti 

La presenza di un caratteristico 

potenziometro rotativo al centro 

del pannello anteriore sembra 

essere una costante della linea 

“My”. Piacevole l’effetto della 

rotazione grazie all’inerzia 

della pesante ghiera in metallo: 

basta iniziare l’operazione per 

“risvegliare” l’apparecchio dallo 

stand by! 

utilizzati per testare il MyZic 

ha dato luogo ad una impronta 

sonora abbastanza stabile e in- 

lizzata 

se si esclude la Sennheiser 

IE 800 (vedi in altra parte di 

questo stesso numero) dove si 

 

contenuto di basse frequenze e 

una tendenza ad un indurimento 

sull’intera gamma a livelli di segnale 

elevati. Se proprio si vuole, 

è quest’ultimo l’unico elemento 

che contraddistingue in generale 

l’apparecchio da concorrenti 

ben più titolati, dato che il MyZic 

per le sue caratteristiche, avendo 

primeggiato a mani basse rispetto 

a concorrenti della medesima 

fascia di mercato, è stato principalmente 

paragonato a prodotti 

di ben altra caratura. Dal 

questo punto di vista va detto, 

infatti, che le prestazioni offerte 

dall’apparecchio sono davvero 

straordinarie e inaspettate in 


NUOVI STANDARD 

Lo chassis è realizzato in sei elementi 

componibili in ABS. La forma e le 

modalità di assemblaggio sono a dir 

poco curiose ma appaiono anche del 

tutto funzionali: due coperchi e quattro 

placchette laterali, due uguali e 

una con i fori delle connessioni e 

l’altra con la fessura per la ghiera di 

regolazione del volume. Il coperchio 

superiore è rivestito internamente 

con un tappetino bituminoso 

smorzante. Quattro viti installate 

sul fondo tengono in posizione le 

placchette laterali in un sandwich. 

L’intera area interna, seppur di piccole 

dimensioni, è completamente 

occupata da un PCB di eccellente 

fattura multistrato con piste di differenti 

sezioni. Da un alto è implementata 

la sezione di alimentazione 

di rete switching dotata di filtri in 

ingresso e in uscita. Al centro il circuito 

di amplificazione del segnale 

e poi la sezione di potenza affidata 

a due circuiti integrati della National 

LME49600, uno per canale, espressamente 

studiati per l’amplificazione 

di cuffie anche a bassa impedenza. 

La fattura e i componenti utilizzati 

sono eccellenti, molto al di sopra 

della classe del prodotto: condensatori 

blindati e resistori tradizionali 

ma installati con tecnica tipo SMD 

Mini-Melf. 

un prodotto di questa fascia di 

prezzo. L’impostazione timbrica 

è centrata particolarmente sulla 

gamma media con un effetto abbastanza 

proiettato in avanti della 

voce: non che la gamma alta 

sia velata ma prevale la gamma 

medioalta, in particolare le voci 

femminili che non perdono il 

copro ma assumono una specie 

di prevalenza che in alcuni casi 

è molto piacevole. In generale 

l’apparecchio propone una musicalità 

molto elevata e solo il paragone 

con prodotti dal costo ben 

superiore (il nostro riferimento 

assoluto Bryston BHA-1) mette 

in luce una leggera perdita di 

 

nella parte bassa della gamma, 

che comporta un impatto ed una 

estensione in basso minore che 

nel riferimento ma in una misura 

talmente ridotta da mettere 

fortemente in dubbio che quel 

quid in più meriti una spesa che 

è pari a 10 volte il prezzo del 

MyZic! Come accennato, l’unico 

elemento che a questo livello 

fa davvero la differenza sono 

le prestazioni ad alto volume, 

peraltro - vista la tensione d’uscita 

- si tratta sostanzialmente 

di una condizione inapplicabile: 

se si mantengono gli equilibri 

generali, oltre un certo livello 

i piani tendono a schiacciarsi 

fra loro e le voci ad indurirsi, 

effetto tipico della saturazione. 

Nel complesso e in funzione 

della sua classe di prezzo l’apparecchio 

presenta comunque 

parametri di eccellenza che ne 

consentono senza imbarazzo (e 

con ottimi risultati!) l’accoppia- 

tanti 

(nel nostro caso Sennheiser 

HD 800 e Audeze LCD3), senza 

mettere in luce particolari idiosincrasie. 

Non sorprende che il 

MyZic per molti punti di vista 

le 

esigenze dell’utente comune 

per quanto riguarda l’utilizzo, 

l’interfacciabilità e tutti gli aspetti 

pratici; se si esclude il malfunzionamento 

dell’uscita passante, 

affetta da una distorsione rilevata 

prima in fase di ascolto e poi 

confermata al banco di misura 

- 

 

progettazione ottimizzata che da 

un lato lascia intravedere i nuovi 

orizzonti qualitativi alla portata 

dei prodotti di prima fascia, 

dall’altro conforta su quella che 

è una tesi condivisa da questa 

rivista: può essere il microlusso 

la chiave di rilancio di questo 

settore... Il MyZic ne è un degno 

rappresentante! 


Disco del mese 

a cura di Max Stèfani 

non aver gettato i tuoi soldi alle 

ortiche, ecco Wrote A Song For 

Everyone che colpisce basso e 

da dietro con l'assolo di Morello 

che (lui sì andrebbe gettato alle 

ortiche) firma l'episodio peggiore 

dell'album. Credere senza 

 

Bad Moon Rising proposta dalla 

Zac Brown Band con un azzecca- 

John Fogerty 

to accompagnamento bluegrass. 

WROTE A SONG 

FOR EVERYONE 

Incolore Long As I Can See The 

Light con i My Morning Jacket, 

Vanguard 

scolastica e bolsa. Il guizzo che 

non ti aspetti è Born On The 

John Cameron Fogerty è uno dei 

Bajou, se a Kid Rock non darei 

migliori songwriter di sempre e, 

un soldo, devo riconoscere che 

dote più rara, un incredibile per- 

 

former; visto nel tour 2010 nella 

voci e chitarre e il pezzo ci sta 

data di Lucca, ha sfoggiato una 

tutto. 

forma perfetta, la voce ancora 

Train Of Fools è l'altro inedito, 

 

un rock cadenzato; il treno del 

voglia di star sul palco, insom- 

giudizio trasporta un'umanità 

ma, dimostrava l'età che avreb- 

vinta, è il vecchio tema dell'ine- 

be voluto farci credere avesse, 

- 

con tutti quei lifting facciali ed 

te, ma il brano ha un suo fascino, 

il pacchiano posticcio di capelli 

nero. Someday Never Come con 

ramati. E se va bene per il corpo, 

i Dawes è una nenia senza spe- 

deve aver pensato John, andrà 

ranza mentre Bob Seger prova a 

bene anche per la musica e così 

nobilitare una Who'll Stop The 

abbiamo fra le mani l'ennesimo 

Rain che non ricorderemo a 

album tributo-a-se-stesso del 

lungo. Hot Road Heart con Brad 

dinosauro di turno che convo- 

Paisley è inutile, il giochino dei 

ca improbabili chirurghi per 

duetti ha stancato. Restano due 

svecchiare almeno l'aspetto, la 

Have You 

pelle, di brani che han fatto la 

Ever Seen The Rain con Alan 

storia e che, spesso, un simile 

Jackson, cantautore country, 

trattamento non lo avrebbero 

davvero insipida, e, buona ul- 

meritato. Non voglio dire che 

del sig. Fogerty, un ascolto privo 

Keith Urban, atmosfere country 

tima Proud Mary in una ver- 

l'autore non sia libero di assas- 

di pregiudizi qualche sprazzo di 

e chiusura di banjo, Lodi John 

sione cajun che rende onore a 

sinare la title track o che la Sony 

luce tra le ombre, lo rivela. 

- 

tanta scrittura, Allen Toussaint 

non possa restaurare il marchio 

Partenza incoraggiante, la 

gliolanza e questo avrebbe dovu- 

dirige le danze, la Rebirth Brass 

"Vanguard" per dare veste nobi- 

Fortunate Son con i Foo 

to restare un episodio domesti- 

Band ci mette un caldo suono di 

le, business is business, al pro- 

Fighters è tirata, compatta, ben 

co. Mystic Highway è il primo 

ottoni e Jennifer Hudson voce 

dotto, ma non siamo di primo 

suonata e cantata meglio, con 

- 

ed anima. 

pelo. Detto della sostanziale inu- 

le voci di John e Dave che si al- 

ra; ballata countryrock con cori 

Dopo tanto amaro John ci lascia 

tilità artistica dell'operazione e 

ternano per ritrovarsi nei cori, 

alla Creedence impreziosita dal 

con un sorso di whiskey della 

dell'effetto opposto che la mossa 

davvero niente male. Ordinaria 

 

Louisiana. 

avrà sul cospicuo conto corrente 

Almost Saturday Night con 

ma mentre cominci a pensare di 

Giampiero Marcenaro 


Mark Kozelek & Jimmy LaValle 

PERILS FROM THE SEA 

Caldo Verde 

Mark Kozelek fa parte di quella 

generazione di musicisti americani 

baciata dalla grazia creativa 

e dal tormento esistenziale, 

quella di Elliott Smith e Kurt 

Cobain, ma, pur avendo avuto 

sin dagli esordi il supporto della 

critica, non ha mai raggiunto il 

grande pubblico e oggi è uno dei 

segreti meglio custoditi dell’indie 

d’oltreoceano. All’inizio degli 

anni ’90 ha realizzato una serie 

un monumento dello slowcore 

esitazione di dare seguito con 

e minimale. Dall’andamento 

di album in cui la sofferta au- 

contenente, oltre a Lord Kill The 

un intero album. Affidando 

ciondolante di Gustavo all’at- 

 

Pain, altri cinque brani epoca- 

completamente le musiche e gli 

mosfera soffocante di Baby In 

ballate folk dalle tinte plumbee, 

li. Conclusa l’esperienza Red 

arrangiamenti alle mani esperte 

Death Can I Rest Next To Your 

l’infanzia fatta di traumi e dipen- 

House Painters, Kozelek formò 

di LaValle, Kozelek si è concen- 

Grave, passando per l’elettro- 

denze (la leggenda narra che fos- 

i Sun Kil Moon con il batterista 

trato sulle liriche e, ancora una 

country di You Missed My 

se invischiato con le droghe già 

Anthony Kautsos e iniziò a dare 

volta, ha praticato una tale vivi- 

Heart, per le tastiere alla Suicide 

a dieci anni) tradotta in liriche 

alle stampe diversi dischi soli- 

sezione della propria anima da 

di Ceiling Gazing, per l’arpeggio 

crude in cui Kozelek si metteva 

sti, la maggior parte dei quali di 

 

penetrante di Caroline o per la 

 

pregevole fattura. 

secche, dure si alternano ad al- 

sussurrata He Always Felt Like 

all’autolesionismo. In Lord Kill 

Già da un po’ si parlava di un 

tre più oniriche ma mai meno 

Dancing, vicina agli Arab Strap 

The Pain cantava “don't want to 

album in collaborazione con 

che dolorose. Kozelek è paro- 

di Philophobia, Perils From The 

ask you again/kill my girlfriend 

Jimmy LaValle, meglio co- 

liere capace di creare una sce- 

Sea è un disco privo di orpelli, 

and kill my best friend Sam/ 

nosciuto con il moniker The 

na con pochi tocchi, refrattario 

scarno eppure vivo di un amore 

cause I saw them making eyes 

Album Leaf, e l’attesa, tra i fan 

all’inutile. Raccoglie la propria 

impossibile, solcato dalla voce 

again/…/kill my neighbors and 

e non solo, non era poca. Il pri- 

lingua attorno a grumi di poesia 

rotta ma a suo modo suadente di 

all my family too/they doubt 

mo vagito del progetto risale al 

che rappresentano, messi uno di 

Kozelek. Una raccolta di undici 

my direction”, giusto per rende- 

settembre 2011 quando Kozelek, 

seguito all’altro, un affresco sul 

brani lunghi, ipnotici, che sanno 

re l’idea del genere di crudezza a 

grande ammiratore dei lavori di 

mal di vivere che in pochi, dopo 

divincolarsi dalla forma canzo- 

cui mi riferisco. La sua band si 

LaValle, propose al collega di 

oltre venti anni di psicoanalisi 

ne per abbracciare un deserto 

chiamava Red House Painters e, 

scrivere una canzone insieme e 

pubblica, sarebbero capaci di 

musicale fatto di monologhi 

se ai tempi l’avete perso, dovete 

il risultato fu la splendida What 

sostenere. Non inganni la so- 

dell’anima e di una meravigliosa 

recuperare almeno il debutto 

Happened To My Brother, 

leggiata copertina, i toni sono 

 

Down Colorful Hill del 1992, 

alla quale i due decisero senza 

quelli della folktronica più cupa 

Pierluigi Lucadei 


Disco del mese 


The National 

TROUBLE WILL FIND ME 

4AD 

Partiamo dalla considerazione 

che i National si stanno imponendo 

come una delle band 

die 

rock contemporaneo: dagli 

esordi in poi sono andati costantemente 

migliorando, sia in 

termini di qualità che di visibilità, 

senza mai compiere passi 

falsi. Prima con Alligator, il loro 

terzo album, che li rivelò ai più 

televisiva americana, senza mai 

sicuro come grandi classici nel 

digipack, fra le quali la coperti- 

recettivi, poi con Boxer, il disco 

scadere nel vuoto cosmico degli 

repertorio della band. L’iniziale 

na, Fragmentation, ovvero studi 

che li impose come realtà di pri- 

ultimi Coldplay, che di questo 

I Should Live In Salt ed i mo- 

sul sezionamento e la distorsio- 

missimo piano, e tre anni fa con 

sub-genere sono diventati gli 

menti moderatamente più up- 

ne del corpo umano attraverso 

High Violet, la consacrazione a 

 

tempo (Don’t Swallow The Cup, 

l’utilizzo di lastre di vetro a spec- 

livello mondiale. Trouble Will 

Se accettate un suggerimento, 

Graceless e Humiliation) emer- 

chio, realizzata dalla sudcoreana 

Find Me non poteva deludere, 

partite dall’ascolto di Demons, 

gono sulle altre, sapientemente 

Bohyun Yoon. 

ed infatti non delude, aggiun- 

la canzone perfetta, fra le mi- 

alternate con gli episodi più 

Trouble Will Find Me chiu- 

gendo un ulteriore tassello al 

gliori del primo scorcio di 2013: 

soffusi (chi non ama i National 

de una fase della carriera dei 

loro percorso di crescita. È vero 

tre strofe e tre ritornelli in co- 

dirà “più noiosi”). Dalle note 

National, imponendoli come 

che non muta di un millimetro 

stante crescendo, nessun inutile 

di copertina apprendiamo del- 

una delle formazioni più im- 

l’approccio stilistico del quin- 

orpello, non una nota di troppo, 

la presenza di Annie Clark (St. 

portanti a livello mondiale e 

tetto di Brooklyn, rendendolo 

un ending da applausi, una com- 

Vincent) e Sufjan Stevens, ma i 

 

un tantino troppo prevedibile, 

posizione che è un piccolo capo- 

loro apporti risultano impercetti- 

quintetto le porte del mainstre- 

ma è altrettanto vero che con- 

lavoro, in grado di proseguire 

bili nell’economia di un progetto 

am. Un affresco dei nostri tempi, 

fermarsi più volte su livelli di 

- 

che viaggia benissimo senza bi- 

sempre a cavallo fra cantauto- 

eccellenza è cosa tutt’altro che 

neato Mistaken For Strangers 

sogno di stampelle: se gli ospiti 

 

semplice o scontata. Il nuovo 

e Bloodbuzz Ohio. Tutto è inap- 

avessero osato di più, avremmo 

new wave, fra minimalismo da 

lavoro di Matt Berninger e soci 

puntabile in questa traccia: la 

magari assistito a qualche piace- 

camera e costante ricerca del- 

propone una sequenza di belle 

voce baritonale, il drumming 

vole diversivo. 

la melodia perfetta, senza mai 

canzoni che potrebbero fare la 

tutto giocato sui tom, il lavoro ar- 

Ricco di spunti il booklet, che 

uscire dalle righe, cosa che in 

gioia dei produttori di Grey’s 

tigianale svolto dalle tenui chitar- 

raccoglie tredici opere di al- 

proiezione futura potrebbe rap- 

Anatomy, tracce malinconi- 

re. Ma dentro Trouble Will Find 

trettanti artisti contempora- 

presentare l’unico pericoloso 

camente perfette per fungere 

Me ci sono almeno altri quattro 

nei, ognuna associata ad un 

limite della band. 

da sottofondo a qualsiasi serie 

episodi che si imporranno di 

testo, più le immagine del 

Claudio Lancia 


RECENSIONI 

Editors 

Guy Davis 

Hollis Brown 

Inge Andersen 

THE WEIGHT OF YOUR LOVE 

JUBA DANCE 

RIDE ON THE TRAIN 

FALLEN ANGEL 

PIAS Records 

Dixie Frog 

Alive Records 

Meyer 

Dopo le folli corse riprese nel video- 

Che il blues abbia un'importanza 

Mike Montali e Jon Bonilla, voce e 

Sarebbe interessante capire perché 

clip di Papillon e l'immersione electro 

decisiva nella nascita della popular 

chitarra degli Hollis Brown, sono 

il folk rock e il country rock hanno 

(peraltro non completamente riusci- 

music è un dato di fatto acquisito. 

due ragazzi di New York che devono 

sempre avuto in Olanda un pubbli- 

ta) di In This Light And On This Evening, 

Quelle che mancano, d'altra parte, 

aver trovato il modo di viaggiare nel 

co molto attento. Tanto da spingere 

gli Editors tornano ad indossare vesti 

sono le occasioni per ascoltarlo dal 

tempo e hanno deciso di fare un giro 

una casa discografica come la A&M 

analogiche. Son passati quattro anni 

vivo. Le generazioni più giovani non 

nel 1968, con gli Stones che tornano 

a pubblicare solo lì un album come 

dalla svolta sintetica, la pausa più lun- 

amano ricordare il passato e per rac- 

alle radici blues con Beggars Banquet, 

Roadmaster di Gene Clark. Sono 

ga intercorsa fra due loro album, un 

contare il presente preferiscono usa- 

Hendrix che realizza il capolavoro 

passati molti anni, è vero, ma la ter- 

periodo reso difficile dalla partenza 

re altri linguaggi. Anche per questo, 

Electric Ladyland e, soprattutto, con 

ra dei tulipani continua ad essere un 

del chitarrista Chris Urbanowicz, per 

a prescindere dall'intrinseco valore 

i Creedence Clearwater Revival che 

rifugio sicuro per un certo tipo di so- 

divergenze di opinioni sulla direzione 

di quello che fa, ci sembra molto 

esordiscono nel segno dello swamp 

norità e di poetica. Inge Andersen 

musicale da intraprendere.Lo scorso 

importante la presenza di un mu- 

rock. Ride On The Train è un disco in 

ha sempre amato il songwriting e 

anno la band di Birmingham si è data 

sicista che rivendica con orgoglio il 

tutto e per tutto figlio delle intuizioni 

la poesia, e pur essendo laureata 

uno scossone ed oggi confeziona un- 

suo status di bluesman. Attraverso il 

musicali che hanno fatto la fortuna 

in Scienze Sociali, ha coltivato le 

dici nuove tracce (più altre tre nella 

recupero dei classici e dei racconti 

di John Fogerty e soci, un disco che 

sue passioni sul campo. L'amicizia 

deluxe edition) di orecchiabile e ma- 

di nonni e bisnonni, Davis narra le 

però sarebbe un peccato perdere 

con il cantautore americano Eric 

linconico indie pop, che potrebbero 

vicissitudini del popolo nero. Ci ren- 

scoraggiati da un derivativismo sfac- 

Andersen, che si era da tempo tra- 

far breccia su non pochi nuovi adepti. 

de altresì partecipi del come e del 

ciatamente palesato già dalla grafica 

sferito in Norvegia, è diventata un 

Dalle atmosfere Depeche Mode dell'i- 

perché un bimbo cresciuto nei sob- 

di copertina, tipicamente Sixties. La 

grande amore e Fallen Angel ne è l'i- 

niziale The Weight a certi riferimenti 

borghi della middle-class di New York 

scrittura di Mike e Jon è fresca, cari- 

spirata testimonianza. C'è l'Olanda 

epici stile U2 (A Ton Of Love, scelta 

si sia interessato alle sue radici, com- 

ca di vitalità, e ad evitare una sterile 

filoamericana di cui dicevamo - Eric 

come primo singolo), la band di 

piendo un percorso spesso doloro- 

operazione nostalgia ci pensa la pro- 

e Inge vivono a Utrecht - ma ad essa 

Tom Smith si spossessa in maniera 

so. Tra gli artisti che Davis considera 

duzione grintosa di Adam Landry (già 

si è aggiunta una forte attitudine co- 

quasi definitiva del fantasma dei Joy 

essenziali nella sua crescita spicca- 

a lavoro con i Deer Tick, che si muo- 

smopolita: l'album ha testi in inglese, 

Division.Brani come Sugar sono indi- 

no Blind Willie McTell, Skip James, 

vono in un ambito musicale molto vi- 

ma è stato registrato in Italia con la 

scutibilmente ben fatti, anche se già 

Mance Lipscomb, Mississippi John 

cino). Gli undici brani si susseguono 

coproduzione di Eric Andersen e del 

sentiti, e largo spazio viene riservato 

Hurt, Taj Mahal e Buddy Guy. Alcuni 

con un ritmo serrato, facendo venir 

violinista Michele Gazich, e con il 

alle soluzioni più delicate (What Is This 

di questi nomi li troviamo tra i credits 

voglia di scuotere il sedere anche 

contributo di Paolo Costola, Fabrizio 

Thing Called Love, Nothing), ma nella 

di questo bel disco, ma Davis non si 

all'ascoltatore più pigro. Più che nelle 

Carletto e Reinhard Kobialka e della 

sfida a distanza con gli Interpol per 

limita al pur prezioso impegno di 

ballate When The Water's Warm e If It 

tedesca Meyer Records. L'ambiente 

aggiudicarsi lo scettro di paladini del- 

"storico" del blues acustico e scrive 

Ain't Me è infatti nel ritmo sostenuto 

protetto che si è creato intorno a 

la scena new new wave, continuano a 

brani originali, creando un efficace 

di Walk On Water, nel sensuale soul di 

Inge le ha consentito di esprimersi 

soccombere a causa dell'incapacità di 

cortocircuito tra ieri e oggi. Alla sua 

Faith & Love e soprattutto nel suda- 

al meglio e di scrivere e realizzare un 

produrre un disco cult dello spessore 

bella voce e al suo limpido stile chi- 

tissimo Doghouse Blues che il valore 

album molto intenso e appassiona- 

di Turn On The Bright Lights. 

tarristico fa da contraltare l'armonica 

degli Hollis Brown emerge prepoten- 

to, un classico e splendido esempio 


dell'ottimo Fabrizio Poggi. 

temente. Da tenere d'occhio. 

di singer-songwriting folk. 

Giancarlo Susanna 

Pierluigi Lucadei 



RECENSIONI 

Jacco Gardner 

Laura Marling 

Loveless Whizzkid 

Mavis Staples 

CABINET OF CURIOSITIES 

ONCE I WAS AN EAGLE 

WE WERE ONLY TRYING TO SLEEP 

ONE TRUE VINE 

Trouble In Mind 

Virgin 

Seahorse 2013 

Anti 

C'è qualcuno qua fuori che sa ancora 

Solo sei anni fa Laura Marling era un 

Venti anni a testa, Catania la loro cit- 

Torna la coppia che tre anni fa con lo 

divertirsi Jacco Gardner è olandese, 

tenero germoglio nel vivaio planeta- 

tà. I Loveless Whizzkid pare abbiano 

splendido You're Not Alone portò a 

ha 24 anni, ed ha registrato un disco 

rio di MySpace, e oggi, ad appena 23 

registrato l'album d'esordio in soli 

casa un Grammy come miglior album 

nel 1967. Cioè, ha registrato un disco 

anni , ha già fruttificato per la quarta 

cinque giorni, e ne è venuto fuori un 

di Americana. Sono Mavis Staples, 

come se l'avesse fatto nel 1967, so- 

volta, dando alla luce un disco ritroso 

disco che scorre incandescente come 

erede della gloriosa famiglia omoni- 

gnando la California di Monterey o, 

e difficile come pochi, specie di questi 

la lava di un vulcano. La tradizione in- 

ma del gospel e probabilmente ulti- 

più appropriatamente, l'UFO Club di 

tempi. È lei, a detta di molti l'erede 

ternazionale targata anni Novanta di- 

ma grande interprete ancora vivente 

Londra. Polistrumentista di talento, 

naturale di Joni Mitchell e Sandy 

chiara ispirazioni: Pavement, Mogwai, 

del genere, e l'eroe dell'alternative/ 

Jacco canta e registra ogni strumento 

Denny. Io sarei più prudente: parlerei 

Nirvana. Ma basta dire che il maste- 

kraut/rock, Jeff Tweedy. Come allora, 

(tranne la batteria), compresi quelli 

piuttosto di una pretendente al trono. 

ring dell'album è di Bob Weston degli 

lui produttore, lei voce meravigliosa. Il 

più strani come il clavicembalo e 

Le troppe lacune in Composizione (la 

Shellac e il mixaggio è di Sasha Tilotta 

secondo episodio del sodalizio ripete 

il mellotron. E mette assieme bra- 

materia più importante all'Accademia 

dei Three Second Kiss, e ce ne cavia- 

quanto tracciato la volta precedente, 

ni come si trattasse di un disco dei 

dei cantautori) la espongono a ine- 

mo fuori. C'è qualcosa di sensuale, in 

forse in modo ancor più minimalista: 

Turtles, di Donovan, Syd Barrett, 

vitabili sudditanze stilistiche, e alla 

quel modo di cantare scazzato su un 

voci, tante e maestose, quella di Mavis 

Nick Drake, un po' di Kinks, un po' di 

facile deriva delle lungaggini. Ma a 

tappeto post-rock spruzzato di noise. 

su tutte, e poi soltanto basso, batte- 

Brian Wilson. No, a dire il vero come 

sistemar le cose ci pensa il produt- 

La durezza dei Loveless Whizzkid è 

ria, chitarre acustiche e pochissime 

si trattasse di un disco dei Pink Floyd 

tore Ethan Johns (giusto sarebbe 

solo una difesa: i loro suoni sono in 

elettriche e tastiere solo accennate. 

"di Syd Barrett", al netto della sua fol- 

chiamarlo coautore, come precisa la 

realtà colmi di sogni. È un rock che 

Lo spazio è appunto tutto per la voce 

lia: diciamo uno dei bei brani scritti 

stessa Marling nelle note di coperti- 

non risparmia bordate taglienti, 

di lei e dei suoi accompagnatori, un 

da Rick Wright o Roger Waters, tipo 

na), plasmando rilievi e chiaroscuri 

eppure a tratti si avvicina allo shoe- 

gospel rock antico come i segreti che 

Paintbox, Remember a Day o Julia 

in una materia sonora che altrimenti 

gaze. Sporchi ma raffinati, i Loveless 

si celavano nei basement tapes di Bob 

Dream. Il risultato è sempre grade- 

risulterebbe piuttosto informe. Gli 

Whizzkid esordiscono bene: Lovely 

Dylan, e come quella cantina sprigio- 

volissimo, innalzandosi talvolta a 

bastano un contrabbasso, un violon- 

Ball of Snot è slabbrata e sensualmen- 

nò un vento nuovo su tutta la scena 

sfiorare la magia, come in Chameleon 

cello e qualche percussione per dar 

te poprock quanto basta per aprire la 

rock di allora, questo disco ne preser- 

o Clear The Air, quando si ha davvero 

forma e dinamica alle canzoni, e far- 

strada all'ascolto di un album molto 

va per i posteri la bellezza. Dal gospel 

l'impressione di aver messo sullo ste- 

ne emergere tutti i numi tutelari: Joni 

carnale. Blue Butted Baboons è una 

purissimo di brani come Holy Ghost, 

reo uno di quei dischi con la fluida 

Mitchell ma anche Gillian Welch, Nick 

sorta di filastrocca, quasi recitata su 

antico e pregiato come un vecchio 

etichetta Harvest che ci ipnotizzava. 

Drake ma anche Bonnie "Prince" Billy. 

un tappeto di scarafaggi rock. Jassie's 

bourbon, attraverso inquietanti visio- 

Cabinet Of Curiosities è intrigante, 

Il disco è diviso in due distinte parti: 

Disappeared si fa aerea e spicca il volo, 

ni bluesy come Every Step, al sound 

emozionante, evocativo e capace di 

la prima più cupa e monocorde; la 

mentre gli oltre nove minuti di The 

inconfondibilmente The Band come 

trascinare l'ascoltatore in uno spazio 

seconda che invece fa progressiva- 

Golden Cockroach's Pingball Song 

Jesus Wept, al debordante funk di I Like 

tempo affascinante. Canzoni che reci- 

mente spazio a strumenti e melodie, 

sono follemente geniali e trascinano 

the Things About Me, alla deliziosa bal- 

tano l'incantesimo dei pensieri felici. 

e culmina nel favoloso Hammond 

senza soluzione di continuità verso 

lata folkie di For Celestial Shores, fino al 

Per me tanto basta per fare del disco 

di Where Can I Go e della successiva 

una Cousin Lizard che almeno per 

blues downhome di Sow Good Seeds 

di questo pifferaio magico un prodot- 

Once. Ci vuole calma e predisposizio- 

metà smussa gli spigoli della mente 

e alla conclusiva title track, un disco 

to unico nell'offerta di quest'anno. 

ne d'animo, ma ne vale la pena. 

già stimolati da cotanta corrosività. 

incantevole e senza tempo. 

Blue Bottazzi 

Claudio Di Marco 

David Drago 

Paolo Vites 


RECENSIONI 

Miracle Mile 

Phoenix 

Savages 

Scott Matthew 

IN CASSIDY'S CARE 

BANKRUPT! 

SILENCE YOURSELF 

UNLEARNED 

MeMe 

V2 Records 

Matador/Self 

Glitterhouse 

Uno dei problemi che da sempre as- 

Replicare un disco ottimo come 

Arriva dalla sempre frenetica Londra 

Dell'arte della cover si potrebbe 

sillano i musicisti - rock, folk o pop che 

Wolfang Amadeus Mozart non è 

una nuova band tutta al femminile ri- 

scrivere a lungo. C'è chi fa cambia- 

siano - riguarda la possibilità di fare 

un'impresa semplice, soprattutto 

ottosa ed arrabbiata, in grado di cen- 

menti minimi alle versioni originali 

della musica un lavoro, quello che gli 

quando è il migliore della propria 

trifugare nel proprio esordio almeno 

e chi, al contrario, preferisce stravol- 

anglosassoni chiamano "day job" e 

carriera, ma in ogni caso, cercare 

trent'anni di musica, da Siouxsie 

gerle, sottolineando soltanto alcuni 

che dovrebbe garantire la sopravvi- 

di mantenere un alto standard è 

Sioux alle Sleater-Kinney. Jehnny 

aspetti. Visto e considerato che Scott 

venza. Potremmo riempire pagine e 

comunque un nobilissimo senti- 

Beth (già nel duo francese indie-rock 

Matthew aveva in mente un intero 

pagine con le vicende di chi è riuscito 

mento. La formula è la stessa: pop 

John & Jehn) ci mette la voce, Gema 

album di cover, i due atteggiamen- 

a far quadrare il cerchio e di chi, inve- 

da classifica tirato e ben suonato, 

Thompson le chitarre, Ayse Hassan e 

ti coincidono e convivono in modo 

ce, è stato costretto ad abbandonare 

melodie appiccicose che strizzano 

Fay Milton si occupano della sezio- 

a volte sorprendente. Prendiamo I 

la parte creativa della propria esisten- 

l'occhio agli Strokes (il primo singo- 

ne ritmica. Sei corde grungiate che 

Wanna Dance With Somebody, per 

za. Il cantautore inglese Trevor Jones, 

lo estratto Entertainment) e alla fine 

generano cascate di elettricità (I Am 

esempio, tratta dal repertorio di 

che da anni si cela dietro la sigla 

degli anni '80 (Don't; Drakkar Noir), il 

Here) ed abrasivi approcci post punk 

Whitney Houston. Matthew ne met- 

Miracle Mile, è riuscito a coniugare 

tutto diretto dalla produzione pom- 

(City's Full) sono le colonne portanti 

te in evidenza il lato malinconico, 

l'amore per la musica con un lavoro 

posa di Philippe Zdar dei Cassius. Se 

sulle quali vengono costruite undici 

con una operazione che ricorda la 

impegnativo come quello dell'inse- 

si ripensa alla carriera dalla band di 

tracce di garage rock tanto derivati- 

versione di Save The Last Dance For 

gnante elementare. Scrivere canzoni 

Versailles si rimane piacevolmente 

vo quanto diretto ed istintivo, teso 

Me realizzata da Harry Nilsson con la 

e poi inciderle in modo professionale 

colpiti dai continui cambi di dire- 

anche alla denuncia sociale, come 

produzione di John Lennon. Altrove 

nel tempo che l'insegnamento gli la- 

zione: il primo disco United in stile 

emerge in maniera chiara dalla lettu- 

il barbuto cantautore di Shortbus si 

scia non è per lui un sogno irraggiun- 

French touch, il secondo più soul 

ra dei testi. L'approccio a volte sfocia 

accontenta - si fa per dire - di una ri- 

gibile. Siamo abituati alla bellezza dei 

Alphabetical, un terzo, It's Never Been 

nell'hardcore (la spedita Hit Me), altre 

lettura discreta, puntando sull'inne- 

suoi dischi, ma questa volta Jones - 

Like That, quasi rock e ora con que- 

volte richiama l'estetica tipicamente 

gabile fascino della sua voce. Mondi 

sostenuto come sempre da Marcus 

sto Bankrupt e con lo scorso WAM 

Banshees (No Face). Lo strumenta- 

apparentemente lontani si ritrovano 

Cliffe - si è superato. In Cassidy's Care, 

decisamente virati sul pop; ciò nono- 

le ambient-industrial Dead Nature, 

simili nel formato di una canzone e 

che sta già raccogliendo i consensi 

stante pur con tutti questi cambi di 

l'urticante eleganza di Strife e le due 

ci ricordano che sono quasi sempre 

della critica, è un album praticamente 

direzione, lo stile à la Phoenix esiste, 

riuscite dark ballad Waiting For A Sign 

le canzoni a scandire il respiro delle 

perfetto, in mirabile equilibrio tra folk 

ed è uno stile che ricorda gli Sparks 

e Marshal Dear completano lo spettro 

nostre vite, che siano dei Radiohead 

pop e canzone d'autore. Impossibile 

più melodici e più pop (S.O.S in Bel 

musicale proposto. Di passaggio in 

o di Morrissey, dei Joy Division o di 

citare un solo titolo, ma non si può 

Air, Clorophorm). Dicevamo dunque 

Italia per una data del loro tour (il 21 

Kris Kristofferson, di Neil Young o di 

ignorare Beach Song, impreziosita dal 

che replicare un successo inaspet- 

maggio al Magnolia di Milano), han- 

Danny Whitten, lo sfortunato leader 

coro formato dagli studenti di Jones. 

tato come il precedente disco non è 

no confermato anche dal vivo tutto il 

dei Crazy Horse. Quello che Scott 

Il quale, non contento del suo doppio 

umanamente possibile, ma tentarci 

bene che di loro si sta dicendo in giro. 

Matthew ci chiede è un lasciarsi anda- 

impegno, ha pubblicato un racconto 

è comunque ammirevole. 

Sembrano avere tutti gli ingredienti 

re alla loro bellezza senza tener con- 

con lo stesso titolo del disco in forma- 

Lorenzo Cibrario 

necessari per non diventare l'ennesi- 

to di steccati culturali troppo rigidi, 

to Kindle su Amazon.uk. 

ma meteora bruciata troppo in fretta. 

unlearned, appunto. A noi sembra che 



abbia ragione. Ascoltare per credere. 



RECENSIONI 

The Piedmont Brothers Band 

These New Puritans 

Todd Rundgren 

Tre Allegri Ragazzi Morti 

RARITIES 

Autoprodotto 

FIELD OF REEDS 

Infectious 

STATE 

Cherry Red - Esoteric Recordings 

NEL GIARDINO DEI 

FANTASMI 

La Piedmont Brothers band è indub- 

Tre anni fa Hidden lanciò in orbita il 

ll Mozart di Philadelphia è il so- 

La Tempesta 

biamente legata al suono country- 

nome di questa compagine inglese, 

prannome che si è procurato Todd 

Da eterna promessa a realtà consoli- 

rock degli anni '60, che ha avuto la 

oggi pronta a fornire risposte con- 

Rundgren, per il suo talento di raf- 

data di casa nostra: a due anni dalla 

punta di diamante nei mitici The Byrds. 

crete sulla propria direzione artistica. 

finato songwriter e virtuoso poli- 

virata Jamaican style di Primitivi del 

La formazione italo-americana, giun- 

Field Of Reeds, terzo episodio della 

strumentista e per la facilità con cui 

futuro, torna la band di Pordenone. 

ta al quinto CD, è costituita principal- 

discografia dei Puritans, è una se- 

scriveva hit a comando. Un talento 

Di quegli esperimenti restano poche 

mente dai due leader: l'americano Ron 

quenza di paesaggi dipinti su tela, 

concentrato negli anni Settanta 

tracce nel rocksteady di La mia vita 

Martin, che vive a Eden, e il varesino 

ambizioso nel suo essere orchestrale 

su una sequenza di album (spesso 

senza te, nelle movenze in levare di 

Marco Zanzi che vive ai piedi del Sacro 

e quasi privo di ritmo, con la batteria 

doppi), creativi ed orecchiabili mix 

Alle anime perse e nelle digressioni 

Monte e delle Prealpi. I due si sono co- 

presente in poche circostanze, e la 

di tradizione musicale americana, 

dub de Il nuovo ordine. I TARM affron- 

nosciuti sul web e allo stesso modo 

vivacità affidata ai contrappunti di 

dalle operette di Broadway al soul 

tano il settimo lavoro con spirito in- 

hanno conosciuto l'australiano Ray O' 

archi e ottoni. Un progetto profon- 

della Motown, dai cantautori à la 

die e testi giovanilistici che trattano 

Neill che qui risulta come Executive 

damente debitore verso quegli stessi 

Laura Nyro al sound della Philles, dai 

d'incertezze sul futuro, amori naufra- 

Producer del progetto. Questo Rarities, 

lieder (composizioni della tradizione 

gruppi della British Invasion alle rock 

gati, disillusione dei ventenni degli 

stampato in Australia e contenente in- 

tedesca per piano e voce) che hanno 

opera. Recentemente ha riproposto 

anni '90, fantasmi che occupano sia 

cisioni effettuate tra il 1980 e il 2013, 

influenzato anche l'ultimo Baustelle. 

in concerto i suoi album più celebri, 

la cronaca odierna che il nostro mon- 

è disponibile via internet collegandovi 

Jack Barnett ha grande talento e, no- 

come Something Anything e A Wizard 

do interiore. Undici tracce piene di 

con il sito www.piedmontbrothyer- 

nostante gli inevitabili momenti di 

A True Star. Nel 2011 ha registrato un 

melodie e ritornelli appiccicosi (La 

sband.com. Sono 14 canzoni, tra cui 4 

tedio, riesce a colpire nel segno con 

disco di canzoni di Robert Johnson 

via di casa) che diventeranno i loro 

alternate takes (brani già pubblicati ma 

imponenti movimenti strumentali, 

e un album interamente elettronico 

nuovi inni generazionali: easy rock 

qui presentati in una versione alter- 

in particolar modo quelli posti sulla 

di cover. Ma per molti versi il suo 

blues influenzati da ritmi afro carai- 

nativa): Another Love, My Everything Is 

lunga coda di V (Island Song), l'in- 

vero ritorno alla creatività è questo 

bici con tribalismi assortiti. Diviene 

You, I Been Dreaming 'Bout You (scritte 

discutibile capolavoro dell'album. 

coraggioso State, un disco in cui 

centrale l'utilizzo di strumenti mai 

da Ron Martin) e I Like The Christian Life 

Sembrerebbe un suicidio commer- 

ancora una volta, all'età di 64 anni, 

utilizzati prima dalla band, quali 

dei Louvin Brothers. Rarities contiene 

ciale, ma non è nelle intenzioni di 

sperimenta strade non battute in 

ukulele, balafon, cajon e mandoli- 

anche due preziose cover: Turn! Turn! 

Field Of Reeds vendere milioni ci co- 

precedenza. Un disco elettronico, di 

no, i quali conferiscono un sapore 

Turn! di Pete Seeger (resa famosa in 

pie, bensì dispensare intime emozio- 

un'elettronica che si rifà come gene- 

afrocentrico a Come mi guardi tu e La 

chiave country-rock alla Byrds) e Willin' 

ni a chi riuscirà a superare lo scoglio 

re alla musica dance, talora fino alla 

fine del giorno, diffusa in anteprima 

composta da Lowell George e incisa 

del primo angusto approccio. E sarà 

house, ma che in definitiva è ancora 

la notte di Halloween. Davide Toffolo 

dai Little Feat. Rarities è completato da 

un piacere perdersi fra l'estatica cir- 

Art Rock, ed ancora più in definitiva è 

canta, suona la chitarra e condivide 

altre canzoni ben congegnate come 

colarità di Organ Eternal, i cori grego- 

il suo classico accattivante songwri- 

il progetto grafico con Alessandro 

Women And Waves (Jimmy Ibbotson/ 

riani di Spiral, gli arrangiamenti ap- 

ting in una salsa diversa. Un disco co- 

Baronciani e Steven Jonger; accanto 

Nitty Gritty) e Hickory Wind di Gram 

pena più rigogliosi di Fragment Two 

raggioso ma anche perfettamente a 

a lui i fidi Enrico Molteni al basso e 

Parson. Un disco ben suonato e con 

o le derive ambient-jazzy di Nothing 

fuoco, e soprattutto divertente, nato 

Luca Masseroni alla batteria. 

voci altrettanto notevoli e graziate, 

Else, in un disco tanto antico quanto 

per suonare in loop in questa esile 


all'altezza della situazione. 

contemporaneo. 

estate del nuovo millennio. 

Aldo Pedròn 


Blue Bottazzi 


RECENSIONI 

Big Blue 

Bocconi Jazz Business Unit 

Charles Lloyd & Jason Moran 

Claudio Farinone 

STRANGE WONDER 

JAZZ & MOVIES II 

HAGAR’S SONG 

PLAYS RALPH TOWNER 

Cam Jazz 

Abeat Records 

Ecm/Ducale 

Abeat Records 

Non è certamente un caso che un’e- 

Durante la storia, il cinema e la 

Lloyd è un visionario sentimentale 

Nel percorso di ogni artista la pro- 

tichetta importante come la Cam 

musica jazz hanno più volte avuto 

che non teme confronti. La riprova 

va in solo rappresenta un momen- 

Jazz abbia aperto le porte ai musi- 

modo di incontrarsi, trovare affini- 

in questo album in cui viene ac- 

to di fondamentale importanza, e 

cisti nordeuropei. Del resto è una 

tà, mettersi al servizio reciproco, 

compagnato dal solo Moran, ormai 

lo è ancor di più se si decide per il 

delle scene musicali più interes- 

scambiarsi ingredienti creativi. In 

diventato il suo pianista di riferi- 

confronto con un repertorio di alto 

santi del jazz contemporaneo che 

Jazz & Movies II la band Bocconi Jazz 

mento (è con lui dal 2008), dove il 

livello. È il caso di Claudio Farinone, 

in questo periodo sta dimostrando 

Business Unit - tra le cui fila troviamo 

filo della sua memoria, dalla lunga 

che ha scelto come riferimento la 

una grande vitalità. E l’ultimo gio- 

il trombettista Marco Mariani, auto- 

ombra, viene riannodato passando 

musica di Ralph Towner (con l’uni- 

iellino proveniente direttamente 

re degli arrangiamenti proposti in 

da alcuni snodi o ricordi fondamen- 

ca eccezione di Waltz for Debby di 

dalla Scandinavia si intitola Strange 

scaletta - mette in serie nove brani 

tali davvero curiosi nella loro ben 

Bill Evans) per dar vita alla visione 

Wonder, il secondo disco, dopo 

che prendono spunto e omaggiano 

differente estrazione. Si passa da 

intima e personale contenuta nelle 

quello dal titolo omonimo, pubbli- 

alcuni temi provenienti dal mondo 

Strayhorn (Pretty Girl) ed Ellington 

dodici tracce qui proposte. Musica, 

cato dalla formazione finlandese 

delle immagini. Quello operato da 

(Mood Indigo), alla prediletta Billie 

ottenuta con la chitarra a otto corde 

Big Blue. A far parte di questa nuo- 

Mariani e soci non è un semplicistico 

Holiday (You’ve Changed) a dei clas- 

e la chitarra baritono, che denuncia 

va avventura, che per un’ora e passa 

lavoro di rivisitazione, ma è un modo 

sici moderni di Beach Boys e Dylan, 

una forte passione per le melodie 

ci ha condotto nelle desolate lande 

espressivo improntato sulla costru- 

restando avvinti da una musica che 

lineari, la calibrazione e l’amore per 

del Nord Europa, ci sono ancora 

zione di itinerari personali, dove il 

agita emozioni diverse nella bellezza 

le sfumature timbriche e per la pre- 

Kalevi Louhivuori alla tromba, Antti 

gusto per l’accostamento di situazio- 

del suono compresa fra l’ipnotico e 

cisione esecutiva, in questo episodio 

Kujanpää al pianoforte, Jori Huhtala 

ni diverse riesce a dar vita a luoghi 

l’incalzante. Il sassofonista che ten- 

bilanciata in maniera costante con 

al contrabbasso e Joonas Leppänen 

d’incontro curiosi e coinvolgenti. È 

ne a battesimo Michel Petrucciani, 

la fantasia espressiva dell’improv- 

alla batteria. E il loro merito è innan- 

il caso della Ironside Suite - dove si 

ha ulteriormente affinato il suo lin- 

visazione. I temi sono esposti con 

zitutto quello di aver dato vita ad 

innesta anche del funk - o della con- 

guaggio espressivo con un misto di 

estrema chiarezza, e lasciano nel 

una musica originale, che si discosta 

clusiva Last Tango in Paris, firmata da 

forza, poesia e senso geometrico che 

loro interno ampi spazi di libertà, nei 

dagli schemi senza, però, rinunciare 

Gato Barbieri nel 1973 e qui propo- 

esonda nell’omaggio a Levon Helm, 

quali affiora la consapevolezza e il 

alla ricerca melodica di ogni singo- 

sta in chiave chiaroscurale. Colonne 

pedina fondamentale della gloriosa 

carattere di Farinone, sempre atten- 

lo brano. Atmosfere rarefatte, che ci 

sonore e sigle di telefilm diventano 

Band (sì, proprio quella) di Robbie 

to nel mantenere per l’intera scaletta 

hanno trascinato in una terra rico- 

terreno fertile per far crescere l’idea 

Robertson e Bob Dylan. Moran dal 

una fondamentale idea di coerenza. 

perta dal ghiaccio, accompagnate 

jazzistica di questa band, e nel suo 

canto suo ha un eloquio asciutto di 

Registrato da Luca Martegani nell’af- 

da una ricerca stilistica raffinata e 

insieme l’album si lascia ampiamen- 

matrice gospel che ben si adatta alle 

fascinante acustica del Chiostro di 

da un’eleganza sobria e mai ecces- 

te apprezzare sia per il movimento 

sollecitazioni di Lloyd, specie nella 

Voltorre, presso Varese, l’album rila- 

siva. Non c’è mai uno strumento che 

di gruppo, soprattutto nei passaggi 

lunga suite dedicata ad una sua lon- 

scia una grande sensazione di me- 

prevale su un altro e ogni elemento 

più veloci, vedi la parte iniziale di Eli’s 

tana trisavola ridotta alla schiavitù, in 

ditazione ed equilibrio, e trova nelle 

sembra trovarsi al posto giusto nel 

Comin’, sia per le uscite soliste dei 

cui il leader passa per buona parte al 

corde suonate da Farinone un’ine- 

momento giusto. Il singolo si perde 

vari interpreti. 

flauto, doppiato dal pianoforte che 

sauribile fonte emozionale. 

nell’insieme generando una musica 

Roberto Paviglianiti 

lo segue in un fraseggio articolato 


evocativa e ricca di mistero. 

per ritmo, cadenza e riflessione. 

Carlo Cammarella 

Vittorio Pio 


RECENSIONI 

GLI INDISPENSABILI 

Cecil Taylor Conquistador! Blue Note 1966 

Cristiano Arcelli 

BROOKS 

Auand 

Un omaggio ad un’attrice che con il 

passare del tempo è stata rivalorizzata 

trovando il giusto spazio nell’Olimpo 

del cinema. Così potremmo 

definire l’ultimo progetto del sassofonista 

Cristiano Arcelli che ha 

scelto come musa ispiratrice Louise 

Brooks, diva del cinema muto morta 

in completa solitudine per poi essere 

acclamata dalla critica. Tuttavia, un 

progetto del genere, a cui hanno partecipato 

alcuni dei più interessanti 

musicisti del panorama odierno, 

non può essere minimizzato in questi 

termini. Lo diciamo soprattutto 

perché all’interno di questo disco 

Cristiano Arcelli ci ha messo dentro il 

background accumulato in una vita. 

E infatti, pur essendo un musicista 

dal trascorso jazzistico, ha saputo 

coniugare il suo mondo con quello 

del rock, del punk, con i ritmi incalzanti 

che provengono da un emisfero 

diametralmente opposto. Del resto 

con due chitarristi come Federico 

Casagrande e Marcello Giannini il 

risultato finale non poteva che essere 

decisamente multiforme, con 

melodie che passano da momenti 

incalzanti, ad attimi più rarefatti, in 

cui si percepisce un piacevole stato di 

sospensione, per sfociare in un rock 

deciso, aggressivo a tratti psichedelico. 

Molte le dediche all’attrice Louise 

Brooks, filo conduttore di un disco 

dal sapore decisamente moderno. 


Riconosciuto alla stregua di un manifesto programmatico 

della New Thing, questo album è uno degli irrinunciabili 

documenti dell’epoca e di un’estetica: un lavoro in grado 

di convincere anche i neofiti dello straordinario spessore 

di questo autentico rivoluzionario dell’improvvisazione. 

Dopo aver studiato il pianoforte con la madre danzatrice 

all’età di cinque anni e aver compiuto un percorso 

accademico, con una particolare 

attenzione per Bartók e la musica 

contemporanea europea, Taylor 

esordisce da outsider, senza far riferimento 

ad alcuna corrente jazzistica: 

tuttavia nelle sue prime incisioni 

sono evidenti sia una matrice hardbop 

che alcuni riverberi monkiani. Il 

suo approccio successivo è sganciato 

dalla tonalità e in questa session, 

registrata per la Blue Note nel 1966, 

insieme all'altrettanto importante 

Unit Structures, la scaletta si articola 

in due lunghi brani originali. Musica complessa, spigolosa, 

ma dal disegno trasparente e dall’ispirazione 

profonda, nella quale la ricerca della sonorità sembra 

quasi attingere agli abissi impenetrabili dell'inconscio. 

“Penso alla musica in termini di possessione e di trance”, 

ha ribadito Taylor, “e se la musica è in qualche modo una 

sorta di metafora della vita, allora nella mia esistenza queste 

due componenti diventano inscindibili”. Il sestetto si 

avvantaggia molto della presenza di Dixon, ispirato e 

sensibilissimo nel suo fraseggio in cui note e silenzi si 

articolano secondo una logica ferrea. Lyons è un perfetto 

contraltare, con un eloquio capace di sviluppare assoli 

magmatici o delicati ma sempre rigorosamente condotti; 

ideale è l’osmosi ritmica tra piano e batteria, strumento in 

cui Cyrille si dimostra in assoluta sintonia rispetto allo stile 

tellurico di Taylor. Sullo sfondo c’è il lavoro incessante dei 

due contrabbassisti, uno sul pizzicato (Grimes), e l'altro 

con l'archetto (Silva), che mettono il sigillo su fondali 

armonici di grande suggestione. Una scheggia tematica 

funge in realtà da punto di ritrovo, nel quale ciascun 

musicista scambia proposte tematiche 

e stimoli ritmici. Su tutto però 

emerge l’energia satanica di Cecil. 

La sua è una costruzione furibonda 

e turbinosa, sequenze in cui le mani 

volteggiano libere sulla tastiera, ed è 

un trionfo di clusters che appaiono e 

scompaiono, di tensione e distensione. 

Un fraseggio estremo e serrato 

che crea il vortice sonoro del nuovo 

jazz. “Non ci sarebbe musica senza 

ordine” - ha sottolineato Taylor in 

una recente intervista - “ma la sua 

definizione esula da qualsiasi condizionamento esterno 

o da ciò che i critici pensano che il jazz dovrebbe essere: 

l’ordine superiore della musica è il ritmo, perché è il ritmo 

che produce la vita, e il punto cruciale è la possibilità esplicita 

di riconoscere idee differenti da ciò che è ortodosso 

come espressione comunque di ordine. Nella musica bianca 

il tocco più apprezzato tra i pianisti è del tipo lieve, nella 

black music invece noi pensiamo al pianoforte in termini 

di strumento a percussione, colpiamo la tastiera, lavoriamo 

dentro lo strumento. Gli europei ammirano Bill Evans per il 

suo tocco. Ma la forza fisica che sovrintende alla creazione 

della black music se è fraintesa porta all'urlo”. Verissimo. 

Vittorio Pio 


RECENSIONI 

Di Sabatino-Ruggieri duo 

Enzo Pietropaoli Quartet 

Eva Quartet & Hector Zazou 

Giovanni Guidi Trio 

INNI D’ITALIA 

YATRA VOL. 2 

THE ARCH 

CITY OF BROKEN DREAMS 

Voglia d’Arte Production 

Via Veneto Jazz, Jando Music 

Elen Music 

Ecm/Ducale 

Il pianista Paolo Di Sabatino e il fisar- 

È un percorso cominciato diversi 

The Arch è stato uno degli ultimi pro- 

Guidi si è messo in mostra nelle ulti- 

monicista Renzo Ruggieri mettono 

anni fa quello che Enzo Pietropali ha 

getti messi in atto da Hector Zazou 

me formazioni di Enrico Rava, anche 

insieme le proprie intenzioni espres- 

intrapreso insieme a Fulvio Sigurtà 

prima di salutarci per sempre. Il com- 

agli occhi di Manfred Eicher - uno che 

sive in un repertorio composto da 

alla tromba, Julian Mazzariello al 

positore ha voluto unire le matrici 

difficilmente sbaglia un colpo, men 

quindici rivisitazioni, prese in presti- 

pianoforte ed Alessandro Paternesi 

elettroniche con le caratteristiche 

che meno se decide che un giovane 

to dal songbook della canzone ita- 

alla batteria. Un percorso che ha 

del quartetto vocale bulgaro Eva 

musicista è pronto ad esordire da lea- 

liana e restituite in maniera inedita 

portato alla pubblicazione di Yatra 

Quartet, aggiungendo una nutrita 

der anche per la sua etichetta, sinoni- 

e personale, più l’unico originale fir- 

(che nella lingua urdu hindustani 

serie di inserti di varia natura stili- 

mo di eccellenza. E gli obiettivi sono 

mato da entrambi, Così Pa.Re. La sca- 

significa viaggio), disco nato nel 

stica, derivanti dai musicisti chia- 

stati probabilmente oltrepassati da 

letta proposta varia per genere ed 

2011 dopo una serie di concerti in 

mati in causa, tra i quali spiccano i 

questo disco maturo e consapevole 

epoca, spaziando dall’inno nazionale 

India. E visto il successo ottenuto dal 

nomi di Ryuichi Sakamoto, Robert 

in cui il pianista umbro dimostra una 

di Mameli alle immortali Azzurro, Nel 

disco precedente, il contrabbassista 

Fripp, Bill Frisell e Laurie Anderson. 

conoscenza della tradizione applicata 

blu dipinto di blu, Con te partirò, fino 

romano, che ha dato prova di sapersi 

Le dodici tracce in programma - re- 

alla contemporaneità, che pochi altri 

alle più recenti Margherita o La vita 

destreggiare come leader, ha deci- 

gistrate in diverse riprese, dal 2006 

nomi oggi in circolazione potrebbero 

è bella. I temi delle versioni origina- 

so di dar vita ad un secondo volume 

al 2009 - muovono verso sentieri di 

vantare. I dieci brani che formano il 

li sono lasciati intatti in modo da 

che riprende le tematiche del pre- 

musica medio-orientale (Planinsko), 

lavoro, condivisi insieme a Thomas 

rendere ogni brano riconoscibile, 

cedente. Il risultato è stato un disco 

scenari che rimandano in mente 

Morgan (contrabbasso) e Joao Lobo 

anche se i due musicisti interagi- 

composto da cinque tracce originali 

l’essenzialità delle ambientazioni 

(batteria) sono rapinosi nella sospe- 

scono in ampi spazi improvvisativi 

e cinque brani presi tra alcuni dei più 

sacre (Gospodi, Pomiluy), e tangen- 

sa delicatezza di un tocco agile che 

e in fitti dialoghi strumentali dove si 

grandi successi della musica mon- 

ti di sperimentazione e ibridazione 

sa parafrasare ed improvvisare in un 

scambiano ripetutamente il ruolo di 

diale. Filo conduttore la coerenza del 

formale, che arrivano a lambire le 

contesto di reale interplay. A partire 

primo piano melodico, facendo così 

linguaggio che, unita all’eleganza e 

melodie indiane (Yana). Un labirin- 

dalla title-track, il trio inizia una ricer- 

risultare l’ascolto lontano da forme 

alla raffinatezza di Enzo Pietropaoli, 

to sonoro ottenuto, oltre che alla 

ca sottile, a volte evanescente, dai 

di monotonia. Determinante risulta 

riesce a far sì che il discorso musi- 

visionarietà di Zazou, anche grazie 

marcati accenti folk, su colori e dina- 

l’azzeccato accostamento timbrico 

cale risulti omogeneo. Un progetto, 

all’istinto di ogni musicista coin- 

miche che intrigano e conquistano 

tra piano e fisarmonica, in un pro- 

dunque, che senza discostarsi dal 

volto, dato che - come spiega il co- 

nella loro trasognata gentilezza. E se 

gramma dove si rintracciano anche 

precedente, risulta fresco, leggero e 

produttore Dimiter Panev nelle note 

gli accenti si fanno più caldi in Leonie, 

dei medley, come quello che coniu- 

adatto anche ad un pubblico etero- 

di copertina - a nessuno di loro era 

la più meditativa The Forbidden Zone 

ga il verbo della tradizione popolare 

geneo. Ed è proprio questa la forza 

stata fornita in anticipo la partitura 

calibra il grande valore espressivo 

di Munasterio ‘e Santa Chiara e ‘O sole 

di Enzo Pietropaoli, quella di riuscire 

da sviluppare in studio. Album dal 

delle pause che sviluppano i restanti 

mio. Nella conclusiva Vola, vola, vola 

ad allargare gli orizzonti, con un lin- 

forte impatto emozionale, dove le 

brani lungo un percorso logico, quasi 

- dedicata alla gente dell’Abruzzo - 

guaggio semplice e diretto. 

trame vocali costituiscono un cata- 

come si trattasse di racconti da sfo- 

si unisce al duo la voce di Antonella 


lizzante nucleo espressivo, attorno 

gliare. Un’esperienza d’ascolto ulte- 

Ruggiero. 

al quale ruotano, a diverse velocità, 

riormente impreziosita dal magistrale 


molti elementi funzionali. 

standard dinamico che da sempre ca- 


ratterizza l’etichetta tedesca. 

Vittorio Pio 


RECENSIONI 

Ivan Mazuze 

Ketil Bjørnstad 

Marco Valeri Quartet 

Nilson Matta’s 

NDZUTI 

LA NOTTE 

THE APPLE 

BLACK ORPHEUS 

Etnisk Musikklubb 

ECM 

Via Veneto Jazz, Jando Music 

Motèma/Egea 

Il sassofonista Ivan Mazuze ha fino- 

Registrato dal vivo al Molde 

È stata una scelta coraggiosa quel- 

Matta è un contrabbassista emer- 

ra intrapreso un percorso singolare, 

International Jazz Festival il 21 luglio 

la portata avanti da Marco Valeri 

gente e di solide capacità. Racconta 

che l’ha visto entrare in contatto 

2010, La notte è l’album con il qua- 

che per il suo disco d’esordio, 

di essersi avvicinato alla musica tra- 

con diverse realtà musicali, dall’A- 

le il pianista Ketil Bjørnstad celebra 

dal titolo The Apple, ha scelto un 

mite un disco particolare che gli fu 

frica Meridionale alla Norvegia, co- 

l’omonimo film del 1960 firmato da 

quartetto piano-less completato 

fatto ascoltare dal padre quando era 

sicché il suo linguaggio trova nella 

Michelangelo Antonioni, figura tra le 

da Daniele Tittarelli al sassofono, 

poco più che un bimbo. Quell’album 

mistura di ritmi, parti vocali, sezioni 

sue maggiori fonti d’ispirazione insie- 

Francesco Lento alla tromba e 

era Orfeu da Conceição, opera scrit- 

di piano e fiati, una sua determinata 

me a Godard, Bresson e Miles Davis. 

Pietro Ciancaglini al contrabbasso. 

ta dal sommo maestro Vinicius De 

personalità. Nell’album Ndzuti coniu- 

La musica è stata pensata e realizzata 

Tuttavia la via intrapresa dal giovane 

Moraes, che in uno slancio di ardita 

ga al presente un verbo che arriva 

come fosse una colonna sonora all’in- 

batterista romano, che nonostante la 

fantasia immaginò il mito di Orfeo 

dal passato, da quell’eredità cultu- 

terno del lungometraggio (quella ori- 

giovane età ha dimostrato una ma- 

ed Euridice traslato nel Brasile in cui 

rale africana dalla quale prendono 

ginale fu curata da Giorgio Gaslini) e 

turità artistica notevole, si è rivelata 

viveva. Da quel racconto fu costruito 

spunto gli undici episodi proposti 

ne riflette per lunghi tratti le atmo- 

assolutamente vincente. E lo dicia- 

Black Orpheus, un film affascinante le 

in scaletta. Il leader si ricava diver- 

sfere scure e drammatiche, attraver- 

mo soprattutto perché, oltre ad aver 

cui musiche vennero firmate anche 

se parti di primo piano (alternando 

so un approccio alla materia sonora 

dimostrato di sapersi cimentare con 

da Tom Jobim e Luiz Bonfà proiettan- 

soprano, alto, tenore e flauto), an- 

calibrato nel dettaglio e dall’ampio 

il proprio strumento, Marco Valeri ha 

do la bossa nova in tutt’altra dimen- 

che se importanti spazi vengono 

ventaglio timbrico. Al centro degli 

dato prova di essere un abilissimo 

sione di popolarità. A distanza di oltre 

concessi ai vari musicisti presenti 

sviluppi espressivi di questo lavoro 

compositore. Al resto ci hanno pen- 

cinquant’anni Matta ha riunito un 

tra i credits. Rimarchevole l’appor- 

troviamo la forza delle melodie, che 

sato Daniele Tittarelli e Francesco 

collettivo di strepitosi turnisti (fra cui 

to del percussionista maliano Sidiki 

sono coniugate dal violoncello di 

Lento che con un fraseggio fluido e 

Kenny Barron, Anat Cohen e Randy 

Camara, come del resto quello del- 

Anja Lechner, come nel primo degli 

costante, che molto spesso vede sax 

Brecker), per rileggere con intensità 

la vocalist Hanne Tveter e di Andre 

otto movimenti in scaletta, dal pia- 

e tromba intrecciarsi, hanno saputo 

e calore alcuni dei più grandi classici 

Virvoll al pianoforte, al quale in al- 

nismo morbido del leader e dal sax 

gestire al meglio le potenzialità di 

di un paese grande quanto un conti- 

cuni passaggi si è sostituito l’ospite 

di Andy Sheppard, capace di alcuni 

una formazione sperimentale come 

nente, che deve anche a questa mu- 

Omar Sosa. Le melodie sono spesso 

soli lineari e cantabili. Le esecuzioni 

questa. E in un contesto del genere, 

sica una buona parte del suo fascino, 

lineari e cantabili, mentre gli anda- 

si sedimentano con lentezza e la- 

in cui le potenzialità dei fiati sono 

compresi gli intermezzi strumentali, 

menti ritmici sono di solito orientati 

sciano spazio anche agli interventi 

state utilizzate al meglio, spicca il gu- 

in cui il musicista ha esplorato le radici 

verso le tipiche atmosfere della dan- 

solisti degli altri interpreti, che sono: 

sto raffinato di un giovane musicista 

più popolari e carnevalesche in piena 

za collettiva. Nella varietà stilistica 

Marilyn Mazur alle percussioni, Arild 

che per cominciare la sua avventura 

coscienza. Da notare l’apporto delle 

dell’album non mancano momenti 

Andersen al contrabbasso e Eivind 

da leader, ha scelto di cimentarsi con 

cantanti Gretchen Parlato (deliziosa 

sia timbricamente aperti e dal mood 

Aarset alla chitarra elettrica. Nel com- 

una formazione certamente difficile 

in Valse d’Euridice per sensualità e di- 

gioioso, come in Nwana wa ku kasa, 

plesso si tratta di un lavoro dal grande 

da gestire. Ed il risultato è un disco 

namismo timbrico) e Leni Andrade, 

sia situazioni più riflessive ed essen- 

respiro melodico e dall’estrema forza 

vivace, raffinato che esce fuori dagli 

il cui timbro grumoso circoscrive la 

ziali, come in Conversations. 

narrativa, realizzato da un ensemble 

schemi. 

struggente Se Todos Fossen Iguais a 


di fuoriclasse dal valore assoluto. 


Voce. Ottima ricostruzione dello spa- 


zio sonoro. 

Vittorio Pio 


RECENSIONI 

LA SAGRA DELLA PRIMAVERA COMPIE 100 ANNI 

Ultimo atto dedicato alla commemorazione dell’opera di Stravinsky: tutto il meglio reperibile su disco. 

Con l’avvicinarsi del centenario della 

prima del Sacre, si sono moltiplicate 

le registrazioni e le ristampe di quelle 

edizioni storiche ritenute imprescindibili. 

Il brano ha sempre rappresentato 

una formidabile sfida non solo 

per gli interpreti ma anche per ingegneri 

del suono e case discografiche. 

Il disco in vinile e i giradischi sono 

stati sovente messi in crisi dall’inaudito 

impatto violento e dagli enormi 

sbalzi dinamici forniti da una partitura 

che aggiunge anche una ricchezza 

di miniature, particolari e sovrapposizioni 

come pochi. Con l’avvento 

del CD si è avuta una straordinaria 

opportunità di superare molte di 

queste difficoltà e le edizioni di buona 

qualità si sono infittite. Oggi sono 

disponibili nei più diversi formati, soprattutto 

digitali, quindi oltre al solito 

CD, in SACD, in video DVD e Blu-ray 

Disc che ci offrono anche versioni con 

tanto di balletto, ora fedele all’originale 

di Nijinsky, ora in nuove versioni, 

volendo anche punk! Anche il mondo 

della musica in streaming si sta attrezzando 

e sono sempre più presenti 

versioni in questo formato e anche 

in alta risoluzione sempre più vicini 

per impatto a quanto si può ascoltare 

dal vivo. Esperienza quest’ultima che 

consigliamo comunque fortemente 

perché può rappresentare il migliore 

metro di paragone con quanto viene 

riprodotto. 

Difficile scegliere tra oltre 150 (sì avete 

letto bene) versioni di questo lavoro, 

probabilmente il più registrato in assoluto, 

almeno per quanto riguarda 

la musica del ‘900. Praticamente tutti 

si sono cimentati con Stravinsky, 

autore compreso, e tra i tanti esclusi 

da questo breve elenco ce ne sono 

sicuramente alcuni che meriterebbero 

di figurare ugualmente. Pensiamo 

a Boulez, specie la sua versione del 

1972 con la Cleveland Orchestra, 

Abbado, Chailly, Markevitch e altri 

ancora. Essendo però anche degli inguaribili 

audiofili abbiamo cercato di 

scegliere quelle edizioni che uniscono 

una valida interpretazione con una 

altrettanto buona qualità della registrazione. 

Unici strappi alla regola per 

le antiche registrazioni di Monteaux 

e Stravinsky, troppo importanti per 

potere essere sottovalutate. Per completare 

la vostra conoscenza, perché 

poi non vedere anche il film Fantasia 

della Disney, che per descrivere la 

nascita della vita sulla Terra, dai primi 

organismi monocellulari ai dinosauri, 

scelse proprio il Sacre Proprio il 

drammatico duello finale tra il feroce 

Tirannosauro e lo Stegosauro, descritto 

con colori vivacissimi, si abbina a 

meraviglia con uno dei momenti 

sonori più violenti e dinamici del 

Sacre. L’interpretazione di Stokovsky 

è chiaramente piegata alle esigenze 

filmiche stravolgendo la successione 

originale dei quadri, enfatizzando 

o diminuendo volutamente alcune 

parti ma l’effetto finale, immagini e 

suono, è riuscito. Carlo D’Ottavi 

Simon Rattle 

Berliner Philarmoniker 

2011 – EMI CD 

Quasi cento anni 

dopo la prima ancora 

una versione che 

scalda gli animi, impressiona 

ed emoziona, 

aiutata da una grande registrazione, 

potente e calda che evidenzia 

la potenza di fuoco dei Berliner. Il direttore 

principale dell’orchestra appare 

più sicuro che mai in una interpretazione 

in bilico tra grazia e 

incisività. 

Mariss Jansons 

Concertgebow Orchestrale 

2006 – RCO Live SACD Hybrid 

Multichannel 

Con le vaporose e 

morbide sonorità 

della grande orchestra 

olandese, 

Jansons sceglie una 

visione meno “pagana” e tellurica del 

Sacre, mettendo in rilievo, invece, 

quelle morbidezze e finezze di cui 

pure la pagina non manca. Per chi 

cerca qualcos’altro aiutato da una 

registrazione sopraffina. 

Valery Gergiev 

Kirov Orchestra 

2001 – Philips CD 

A metà strada tra lo 

sciamano e lo show 

man, Gergiev è probabilmente 

tra i direttori 

attuali quello 

che può assicurare una delle interpretazioni 

più autentiche del Sacre, qui 

nella versione 1960. Tempi discutibili 

ma solo l’emozionante chiusura, con 

quella pausa piena di suspense meritano 

l’ascolto. 

Yoel Levi 

Atlanta Symphony Orchestra 

1992- Telarc CD 

Questa è senza dubbio 

una delle versioni 

più emozionanti 

mai realizzate. Non 

colpisce solo il suono 

registrato, quello che ha reso famosa 

l’etichetta americana, ma anche 

l’interpretazione, brutale quando lo 

deve essere, è comunque eccezionalmente 

capace di creare eccitamento 

e stordimento. 

Antal Dorati 

Chicago Symphony Orchestra 

1981 – Decca CD 

Uno dei primi CD di 

riferimento per la 

qualità sonora della 

registrazione. Nella 

realtà con i primi 

lettori CD suonava spesso in modo 

esageratamente aggressivo e stridente. 

Con il migliorare dei lettori ci si è 

potuto accorgere che il CD era molto 

meglio di quanto sembrava. Oggi 

esistono registrazioni ancora più dettagliate 

e dinamiche ma la versione 

di Dorati resta tra le migliori. 

Herberth von Karajan 

Berliner Philarmoniker 

1977 – DG CD 

Dopo che una prima 

interpretazione di 

Karajan, del 1964, 

era stata pungentemente 

criticata 

dall’autore, il direttore salisburghese 

riprese il Sacre nel 1977. Il risultato è 

forse meno viscerale di altri, ma l’unione 

tra ossessione e malinconia 

sono un elemento orignale e affascinate 

della visione di Karajan. 

Igor Stravinsky 

Columbia Symphony Orchestra 

1960 - Sony CD 

Non da tutti considerato 

altrettanto 

grande come direttore, 

eppure ascoltare 

l’interpretazione 

data dall’autore del Sacre, è una 

esperienza fondamentale dalla quale 

partire alla scoperta di questo capolavoro. 

La versione è quella riveduta 

in quello stesso anno, per alcuni maligni 

con lo scopo di ottenere nuove 

royalties. 

Leonard Bernstein 

New York Philarmonic Orchestra 

1958- Sony CD 

Per questa interpretazione 

Bernstein si 

guadagnò un 

“Wow” da parte del 

compositore, notoriamente 

non tanto incline ai complimenti 

verso i suoi interpreti. A 

oltre cinquant’anni di distanza questa 

versione suona come una nuova 

creazione di tale originalità e potenza 

che ancora oggi travolge 

l’ascoltatore. 


RECENSIONI 

Pierre Monteux 

Boston Symphony Orchestra 

1955 – Guild CD 

Registrazione radiofonica 

storica, con 

gli ovvi limiti tecnici 

legati al tempo, ma 

interessantissima 

perché possiamo ascoltare il Monteux 

pensiero, ovvero di colui che ha diretto 

la prima, e molte altre, collaborando 

non poco con l’autore per rendere 

il Sacre rappresentabile. Stupisce 

come l’ottantenne direttore francese 

fosse capace di una versione incredibilmente 

veloce e ardente. 

AA. VV. 

THE PUPILS OF TARTINI 

Črtomir Šiškovič, v.no, Luca 

Ferrini. pf. 

Buxtehude - Bach 

DE DIVINA INVENTIONE - 

WORKS FOR ORGAN 

Ivana Valotti, org. 

Domenico Mazzocchi 

LA CATENA D'ADONE 

Nicolas Achten, dir. 

Alpha 

Valery Gergiev 

Mariinsky Opera and Ballet 

2013 – Bel Air Classiques DVD 

In questo DVD, possiamo 

assistere alla rappresentazione 

di due dei tre capolavori 

stravinskjani 

scritti per i Ballet Russes 

di Diaghilev, con le coreografie originali 

di Fokine per l’Oiseau de Feu e, 

nella ricostruzione di Millicent 

Hodgson, di Nijinsky per il Sacre. 

Dynamic 

L'eccellente violinista triestino, che 

tante consonanti annoda nel suo 

nome, riunisce qui pagine violinistiche 

di alta scuola, eco di una civiltà 

strumentale che è andata scolorendo 

nel tempo, a tal punto che dei 

cinque allievi - veneti o istriani - del 

sommo Giuseppe Tartini, presenti 

nel prezioso CD si troverà, ad essere 

fortunati, solo qualche riga nei più 

Dynamic 

Organista e musicologa, allevatrice 

di nuove leve impegnate nella difficile 

arte barocca al Conservatorio 

di Milano, Ivana Valotti incrocia in 

questo CD i nomi capitali di Dietrich 

Buxtehude (1637-1707) e di Johann 

Sebastian Bach (1685-1750). Johann 

Sebastian Bach fu protagonista, ventenne, 

di uno dei viaggi più volentieri 

ricordati nella storia della musica: 

Nobile di Civita Castellana, Domenico 

Mazzocchi (1592-1665) fu ordinato 

sacerdote nel 1619. A ventidue anni 

era cittadino romano, e dalla Città 

eterna si allontanò solo per la corte 

dei Farnese a Parma; a Roma si laureò 

in filosofia e diritto, ma è nella musica, 

attività in cui Mazzocchi si considerò 

sempre un dilettante, che lasciò il segno 

della sua rispettabilissima presenza. 

La catena d'Adone (1626), dedicata 

Michael Tlson Thomas 

San Francisco Symphony Orchestra 

2013 – Avie Blu-ray Disc 

Non solo la riproduzione 

del Sacre ma 

anche un viaggio alla 

ricerca della sua genesi 

da parte del direttore 

stabile dell’orchestra californiana, 

viaggio che lo porta da San 

Pietroburgo fino a Parigi. Il concerto è 

filmato in alta definizione, in 16:9 e 

l’audio è in Dolby True HD anche 5.1 

canali. 

attenti dizionari musicali; tant'è: soccorre 

il booklet che traccia un capitolo 

di storia della musica, o meglio, 

dell'arco, in quella formidabile stagione 

settecentesca di affermazione 

della prodigiosa liuteria lombarda. 

Cinque gli autori, presenti ognuno 

con una sonata tripartita per violino 

e basso continuo: Michele Stratico 

(1721-1782), Domenico Dall'Oglio 

(1700-1764), Antonio Nazari (- dopo 

il 1780), Ignazio Gobbi (1722-1793) e 

Pietro Nardini (1722-1793), composi- 

quando chiese ai suoi datori di lavoro 

di Arnstadt una licenza per recarsi 

a Lubecca, a piedi, ad ascoltare il vecchio 

maestro, il quale mai lasciò la 

sua città.Quanto il giovane apprese 

- e tesaurizzò con ricchissimi interessi 

- germogliò e fruttò nel repertorio 

per organo, che è parte cospicua 

dell'immenso lascito del Cantor 

(ma egli mai gradì essere limitato in 

questa definizione) di Eisenach, ed 

è sunteggiato qui, nell'importante 

CD organistico che Ivana Valotti re- 

a Odoardo Farnese, tratta dall'Adone 

di G.B.Marino, fu allestita a Roma 

nella casa di Evandro Conti duca di 

Poli, e subito pubblicata a Venezia da 

Giacomo Vincenti. Non a caso: la "favola 

boschereccia" in cinque atti prende 

forma, per il piacere del musicofilo 

d'oggi, con tutte le carte in regola nei 

confronti dello stile - varietà, splendore 

ed eloquenza espressiva - del 

nascente teatro secentesco, sfarzoso 

negli infiniti intrecci, sorprese, incantamenti, 

amori; l'opera, che a suo tempo 

Paavo Jarvi 

Orchestre de Paris 

2012 – Electric Picture Blu-ray Disc 

Condotta dal premio 

Grammy Paavo Järvi 

l’Orchestre de Paris esegue 

squisitamente tre 

pezzi di riferimento della 

musica orchestrale del ‘900: oltre a 

due balletti di Stravinsky, L’après-midi 

d’un faune di Debussy. I diversi stati 

d’animo, sotto la guida esperta di 

Jarvi, sono superbamente catturati in 

questa produzione di alta qualità. 

tore che ha lasciato sul pentagramma 

più degli altri, orma di sé. Šiškovič 

cava con bell'arco da queste eleganti, 

sciolte e anche aggraziate pagine, 

il sereno sorriso di un'invenzione 

musicale cordiale vissuta lungo un 

arco storico probabilmente breve, 

ma che ha assolto l'impegno civilissimo 

di fare stare insieme signore e 

signori lietamente. Per un'arte è dote 

non da poco. 

Umberto Padroni 

alizza con bella invenzione timbrica: 

Toccata e Fuga BWV 540, Fantasia e 

Fuga BWV 542, e Passacaglia BWV 

582, pagine alternate alla Toccata 

Bux WV 156, al Prelude Bux 149, e 

alla Passacaglia Bux 161 di Dietrich 

Buxtehude; per entrare e aggirarsi in 

questo grandioso mondo sonoro si 

raccomanda come sempre il Bach di 

Piero Buscaroli (Mondadori). 


fece rumore nella mondanità romana, 

è il lavoro di maggiore rilievo nel catalogo 

di Domenico Mazzocchi, peraltro 

ricco di opere soprattutto vocali per la 

Chiesa e per le corti.Meritevoli di ogni 

lode sono le voci e la ricostruzione 

sonora operata dai dotti e autorevoli 

Scherzi Musicali, ensemble francofono 

versato in questo repertorio sotto 

la direzione del polivalente Nicolas 

Achten. 



RECENSIONI 

J.S.Bach 

Liszt 

Prokofiev 

Prokofiev 

THE FRENCH SUITES 

Alessandra Artifoni, clav. 

PIANO SONATA IN B MIN. 

Vardan Mamikonian, pf. 

QUARTETS NOS. 1 & 2 

Quartetto Energie Nuove 

PIANO SONATAS 4-7-8, 

TOCCATA 

Dynamic 

Dynamic 

Dynamic 

Amir Tebenikhin, pf. 

Johann Sebastian Bach (1685-1750) 

In copertina è sulla spiaggia a pie- 

I due Quartetti per archi di Sergej S. 

Piano Classics 

compose le Suites Francesi - l'agget- 

di nudi, ma in abito scuro; Vardan 

Prokof'ev (1891-1953), formulati en- 

Potrebbe essere ritenuta legittima, 

tivo è apocrifo, postumo - in un arco 

Mamikonian - giovane pianista 

trambi in tre movimenti, lasciano al CD 

senza profonde incertezze, l'afferma- 

di tempo (1720-1722) più control- 

armeno che fu alla scuola imolese 

spazio sufficiente per riunire le venti 

zione che la presenza di Prokof'ev 

lato di quello dedicato alle conge- 

di Lazar Berman, grande pietrobur- 

Visions fugitives (1915-17) in origine 

(1891-1953) nel pianoforte sia un ca- 

neri Inglesi, e le incluse nello storico 

ghese - avvia sottovoce il program- 

per pianoforte, qui elaborate per quar- 

pitolo importante della Storia della 

primo volume del Klavier-Büchlein 

ma del CD tutto dedicato a Franz 

tetto, nel 1995, da Sergej Samsonov. 

musica nel Novecento, suo scorcio 

per la giovane seconda moglie Anna 

Liszt (1811-1886), con il carezzevole 

Prokof'ev, che nel 1918 scampò alla 

finale. L'organico CD, animato da 

Magdalena. Saranno pubblicate a 

Notturno n.3, ma ben presto, con 

rivoluzione sovietica in occidente, USA 

Amir Tebenikhin, dotatissimo pia- 

Lipsia, dopo l'eclissi, solo nel 1817.Le 

irrefrenabili trasalimenti, Vardan 

ed Europa, dove incontrò lusinghieri 

nista moscovita, trentaquattrenne 

sei Suites - un'ora e mezza di grande 

lascia trasparire la libertà, e la ric- 

successi come compositore e pianista, 

all'epoca della registrazione (2011) 

musica - sono una lussuosa vetrina 

chezza della sua inventiva strumen- 

ritornò, morso - forse, come ogni buon 

in terra veneta, riunisce la Toccata 

di stile, di gusto, di storia, di sapien- 

tale, realizzata con una digitalità 

russo - dalla nostalgia, definitivamente 

op.11 (1912), la Sonata n.4 (1917) 

za tastieristica, e sulle danze francesi 

encomiabile in termini assoluti, ma 

in URSS nel 1932, a condividere con 

- dunque composte prima dell'av- 

che spesso danno lo stacco ai ritmi - 

meno se posta in relazione al con- 

il sofferente Dmitri Shostakovich, di 

ventura occidentale - la Sonata n.7 

in una logica tutta strumentale, sem- 

tenuto dei differenti dettati. Vardan 

quindici anni più giovane, il primato, 

(1939/42) e la Sonata n.8 (1939/44) 

mai ariosa piuttosto che danzante. 

Mamikonian fa germogliare, attorno 

e l'eccellenza, nella musica - con fior 

composte in tempo di guerra, dopo 

L'esecutore moderno può essere 

alla Sonata in si min. (1852-53) che 

di Premi Stalin - nella stagione più 

il suo rientro in patria. Le quattro 

tentato di indulgere a pieghe espres- 

giganteggia come monumento 

terrifica della sanguinosa tirannide.I 

opere offrono un'ampia gamma de- 

sive, che lo specifico clavicembalisti- 

al centro, la Première valse oubliée 

due Quartetti (1931 e 1941) articolati 

gli aspetti concreti della personalità 

co però scoraggia nelle sonorità. Su 

(1883), La lugubre gondola (1882) e 

polifonicamente in splendida scrittu- 

del grande compositore ucraino - 

l'Allemande, la Courante, Sarabande, 

Funérailles, dalle Harmonies poéti- 

ra cameristica, sono in qualche modo 

dalla poetica riflessività, all'energia 

Gavotte, Menuet, Air, Gigue, Bourrée, 

ques et religieuses (1845-52), e i carat- 

esemplari della concezione composi- 

delle implacabili progressioni, dalla 

Anglaise, Polonaise si sviluppa il di- 

teri delle straordinarie pagine sono 

tiva del grande russo, intessuti come 

tenerezza del fraseggio sottovoce, 

segno musicale tracciato dalle mani 

inevitabilmente reciprocamente 

sono anche di valenze melodiche 

all'affermazione tellurica - in testi or- 

maestre di Alessandra Artifoni, cla- 

lontani: la mano e il temperamen- 

e ritmiche popolari; le Visions fugiti- 

mai classici del massimo pianismo 

vicembalista (e organista) carica 

to del pianista armeno sembrano 

ves, udite come raramente accade 

novecentesco: la definizione di russo 

di vissuta esperienza e di classica 

talvolta trascendere i suggerimenti 

nella intera serie, appaiono come 

- sempre ricca di eloquenza - sareb- 

autorità più che di anni: il rigore e il 

dei testi, ma una Fuga è una Fuga: 

espressionistico caleidoscopio: una 

be imperdonabile limitazione.Amir 

respiro danno un'impronta alle sue 

non è una Fantasia, o un Capriccio, 

fantasmagorica collana musicale di 

Tebenikhin esibisce tale ricchezza 

ricreazioni sonore, che appaiono 

ed è il pentagramma ad evidenziarlo. 

colori e trasparenze, splendidamen- 

di doti in bianco e nero da struttu- 

plastiche nell'ambito di una lucida 

L'omaggio di Vardan al più generoso 

te realizzata dalle Energie Nuove dei 

rare nelle sonorità con convincente 

discorsività. 

tra i musici romantici è comunque 

quattro giovani prestanti e colti solisti 

efficacia i molteplici caratteri delle 


altrettanto generoso, e l'ascolto è 

emergenti dal tessuto musicale della 

comunicative pagine. 

gratificante. 

Svizzera Italiana. 





RECENSIONI 

LA MARSIGLIESE È ITALIANA 

La scoperta in un manoscritto di Giovan Battista Viotti 

Giovan Battista Viotti 

VIOLIN CONCERTOS 

Decca 

Guido Rimonda, violinista, alla testa 

Wagner 

della Camerata Ducale, imbraccia 

VOGT WAGNER 

il suo Stradivari 1721 (J.M.Leclair) 

Bamberg Symphoniker, J. Nott, dir. 

per la registrazione dell’intero opus 

Sony 

violinistico di Giovan Battista Viotti 

Non è frequente imbattersi in un 

(1755-1824), violinista/compositore, 

programma di momenti lirici - che 

della quale è alla seconda realizza- 

canto popolare del regime appena 

paternità di quel brano, essendo for- 

nella elaborazione teatrale di Richard 

zione, per Decca. Dopo i Concerti nn. 

rovesciato - la paternità italiana di- 

temente compromesso con il regime 

Wagner (1813-1883) sostituiscono le 

22 e 24 e la Meditazione in Preghiera 

viene sostenibile, alla luce delle date: 

francese, appena decapitato; né la 

arie - momenti sempre difficili a trarsi 

(che costituivano i numeri della pri- 

il brano viottiano, di ben undici anni 

rivendicò, per una ragione analoga, 

dall'animazione musicale che il fatale 

ma uscita), nella seconda, fresca di 

anteriore alla Marsigliese, dall’auto- 

sotto Napoleone. 

teatrante e pensatore di Lipsia impri- 

stampa, la registrazione di altri due 

re del testo della stessa potrebbe 

Una conferma indiretta della pree- 

meva ai suoi testi musicati. Per ricorda- 

Concerti (nn. 12 e 25) e del Tema e 

essere stato ascoltato a Parigi, al 

sistenza del tema della Marsigliese 

re i due secoli dalla sua nascita capita 

Variazioni per violino e orchestra, in 

Concert Spirituel, o potrebbe aver- 

e, assai verosimilmente della pa- 

anche questo; qui Klaus Florian Vogt, 

prima registrazione mondiale e di 

lo ricevuto da Pleyel, violinista a sua 

ternità viottiana, verrebbe anche 

tenore tedesco del nord, approdato 

recente scoperto, che reca a tutti 

volta ed editore di Viotti, con il qua- 

da Mozart, dal suo Concerto in do 

al canto dal rango dei cornisti, bella 

un’importante sorpresa. La musi- 

le aveva già collaborato in veste di 

maggiore per pianoforte e orchestra, 

presenza, una voce di respiro ampio e 

ca dell’inno nazionale francese, la 

“paroliere” per una marcia militare 

KV 503, del 1786, di cinque anni po- 

di tecnica molto controllata, canta in 

Marsigliese, finora attribuita allo 

(l’anno precedente l’apparizione 

steriore all’opera di Viotti. Nel primo 

pagine emergenti da I maestri cantori 

stesso autore delle parole, e cioè a 

della Marsigliese) la cui musica era 

movimento, il secondo tema presen- 

di Norimberga, da Lohengrin, Parsifal, 

Rouget de Lisle, violinista dilettante, 

di Pleyel. L’anno appresso, secondo 

ta forti analogie con la Marsigliese, 

Rienzi, Tristano e Isotta, L'Olandese 

che l’avrebbe scritta, secondo la dif- 

una ricostruzione assai probabile, 

prima della Marsigliese. 

Mozart 

volante, Il crepuscolo degli Dei, e da 

fusa vulgata, a Strasburgo nel 1792, 

l’editore e l’autore della Marsigliese 

conosceva l’opera del violinista ita- 

La Valkiria: il repertorio presenta una 

in realtà sarebbe di Viotti, come 

erano a Strasburgo e Pleyel per la 

liano, del quale aveva scritto le parti 

gamma molto ricca di modi, ma fon- 

risulta dal manoscritto del Tema e 

seconda volta potrebbe aver conse- 

per trombe e timpani del Concerto 

damentalmente poggia sull'invenzio- 

variazioni firmato e datato 2 marzo 

gnato una musica a Rouget de Lisle, 

n.16 in mi minore per violino e orche- 

ne che Wagner - che per il suo ideale 

1781. Una volta ammesso che il tema 

questa volta non sua ma di Viotti, il 

stra; confermato da un particolare 

artistico ha dovuto inventare tutto: i 

dell’inno francese non possa essere 

quale in quel periodo si era appe- 

curioso: l’identica tonalità dei due 

poemi per le sue partiture, una teoria 

un tema “popolare” - per l’avversio- 

na rifugiato a Londra, e non aveva 

brani, do maggiore. 

armonica, un teatro di particolare dise- 

ne dei rivoluzionari all’utilizzo di un 

nessuna intenzione di rivendicare la 

Pietro Acquafredda 

gno, e anche il modo di mettere insieme 

i necessari quattrini - ha formulato 

per la voce dei suoi tenori: un timbro 

e un'emissione - quelli dell'Heldentenor 

- per i suoi eroi. Esso distingue 

una vocalità forte e squillante capace 

di accenti esaltanti, ambrata fino alla 

brunitura, e dolce fino all'affettuosità, 

ma questa gagliarda luminosità non 

sembra tra le doti di Klaus Florian. 



Aspettando Dylan 

Pur girando un “biopic” 

su Dave Van Ronk, 

leggenda del folk 

americano ante-Bob 

Dylan, I fratelli Coen 

firmano in realtà una 

commedia nera, lieve e 

colta allo stesso tempo 

(come abitudine della 

coppia) e ricca di colpi 

di scena. 

Film 

INSIDE LLEWYN DAVIS 

di Joel e Ethan Coen 

Lucky Red 

Inside Llewyn Davis, premiato a 

Cannes con il Gran Premio della 

Giuria, prende il titolo da un album 

di Dave Van Ronk e racconta 

la storia di questo folksinger 

 

del Village, dei beatnik e dei bar 

morie 

del cantautore The Major 

Of MacDougal Street, pubblica- 

“Cominciò 

a scriverle ma morì troppo 

presto e furono completate dal 

giornalista Elijah Wald”, hanno 

dichiarato Joel e Ethan ad una 

conferenza stampa affollatissima 

a Cannes, neanche fosse un concerto 

rock. “Se ami Bob Dylan, 

non puoi ignorare Van Ronk che 

è stato il suo ispiratore”. In effetti 

 

di rilievo nel panorama della musica 

folk che negli anni Sessanta 

 

 

 

 

della musica folk acustica degli 

anni Sessanta. I primi rudimenti 

artistici li aveva appresi attingendo 

da un vasto repertorio di 

motivi tradizionali che svariava 

da ballate della cultura popolare 

della Gran Gretagna a canzoni 

di Bertold Brecht passando per 

 

 

ulteriore testimonianza della sua 

 

 

 

Street incrocia Washington 

 

memoria Dave Van Ronk Street. 

Il protagonista di Inside Llewyn 

Davis 

folk ispirato molto liberamente 

allo sfortunato Dave Van Ronk 

- 

 

 

“Non c’è una storia o una trama, 

per questo abbiamo aggiunto il 

gatto 

Ulisse (che ha fatto letteralmente 

impazzire il Festival) al seguito 

SALENTO FINIBUS TERRAE FILM FESTIVAL 

Dal 21 al 28 luglio la Puglia accoglie il cinema italiano e i cortometraggi 

internazionali in occasione dell’undicesima edizione del Salento Finibus 

Terrae Film Festival che si svolgerà nell’Alto Salento in provincia di Brindisi. 

Sei le sezioni competitive del festival, tutte dedicate a cortometraggi italiani 

e internazionali: Diritti umani, Mondo corto, Corto Italia, Documentari, 

Thriller-Noir-Horror e Animazione. Quasi 70 i lavori provenienti da Germania, 

Stati Uniti, Spagna, Francia, ma anche Gran Bretagna e San Marino. 

Ingresso libero. 

Per info: www.salentofinibusterrae.it 

del protagonista – 

intorno al gatto!”, ha scherzato 

Joel Coen. Racconta le peripezie 

del nostro eroe che tentando di 

raggiungere il successo (speranza 

vana perché gli vengono 

puntualmente preferiti colleghi 

lini 

del Village, dorme sui divani 

degli amici e scontento del suo 

 

parte alla volta di Chicago per 

incontrare un importante impresario. 

Il tutto arricchito dal 

famoso gatto che scappa sempre, 

da una cena in cui accade l’impensabile 

e dalla registrazione 

di una canzone non originale 

e geniale, Please Mr. Kennedy 

cantata da Oscar Isaac, Justin 

elaborazione 

di una vecchia hit 

antimilitarista. Tra gli interpreti, 

oltre al già citato Oscar Isaac nel 

ruolo del protagonista, compa- 


di Rocco Mancinelli 

iono Justin Timberlake che si 

divide tra il palco e gli studi di 

registrazione e che i fratelli Coen 

hanno fatto cantare in falsetto 

“Per sfondare il talento non basta 

– ha dichiarato il cantante 

attore – ci vuole qualcuno che 

creda in te. A volte sei nel posto 

giusto con le persone sbagliate 

o nel posto sbagliato con quelle 

giuste. Il successo è anche una 

questione di circostanze positive. 

BEHIND THE CANDELABRA 

di Steven Soderbergh 

HBO 

Letteralmente dietro i candelabri (il 

titolo è stato suggerito dall’abitudine 

di Liberace di suonare sempre 

con un candelabro sfavillante di 

strass sul pianoforte), è il 26° film 

(in 24 anni!) di Steven Soderbergh, 

uno dei registi più prolifici, e bravi, 

di Hollywood. Con questo film, Soderbergh 

ha dimostrato per l’ennesima 

volta la sua versatilità essendo 

riuscito ad attraversare tutti i generi 

lasciando ogni volta un’impronta 

personale. Behind the Candelabra 

racconta la vita, l’arte e le ossessioni 

di uno dei personaggi più eccentrici 

dello sfolgorante mondo dello spettacolo. 

Personaggio popolarissimo 

tra gli anni ‘50 e ‘70 al punto da essere 

apparso, come attore, in due 

episodi della serie televisiva degli 

anni Sessanta Batman, da comparire 

nell’elenco delle celebrità della Hollywood 

Walk of Fame e nel museo 

delle cere di Madame Tussauds a Las 

Vegas. Le sue canzoni sono state utilizzate 

in colonne sonore di diversi 

film, ma l’opera di Soderbergh più 

che sull’aspetto musicale si sofferma 

sulla vita dell’ultima icona omosessuale, 

in un’epoca in cui l’outing era 

ancora sconosciuto. Si può dire, infatti, 

che Liberace sia stato l’ultima 

star in un periodo in cui la cultura, 

ma anche la parola gay semplicemente 

non esistevano. Per contestualizzare 

storicamente quegli anni, 

basti pensare che Rock Hudson, uno 

dei sex symbol più amati di Hollywood, 

nascose praticamente fino 

a poco prima di morire la sua omosessualità. 

Come è stato sottolineato 

dallo stesso regista in una recente 

intervista, per capire la vera ragione 

che lo ha spinto a girare questo “biopic” 

molto interessante e godibile 

sulla vita di un divo oggi dimenticato, 

bisogna attendere il sottofinale 

in cui i giornali annunciano la morte 

per Aids di Rock Hudson. Fu proprio 

lui, praticamente sul letto di morte, 

infatti, il primo artista a fare outing. 

Interpretato da un magistrale e irresistibile 

Michael Douglas, il film getta 

lo sguardo sugli aspetti più pittoreschi 

dell’artista: la villa “mausoleo”, 

le fidanzate ufficiali che dovevano 

coprire la sua omosessualità, gli 

smoking eccentrici, lo stile di vita al 

tempo stesso esibito e nascosto, ma 

anche la sua ossessione per la chirurgia 

plastica e, di conseguenza, per 

l’immortalità o il desiderio di lasciare 

un segno di sé (non avendo avuto 

figli, cosa che lo tormentò a lungo, 

decise di sottoporre il suo amante 

autista compagno, Scott Thorson interpretato 

da Matt Damon, ad un’operazione 

che lo rendesse identico 

a lui). Un film molto esplicito, pur 

senza indugiare sugli aspetti pruriginosi 

della vita sessuale, diretto e che 

pone principalmente l’accento sul 

rapporto con la madre (l’indimenticabile 

Debbie Reynolds, 81 anni 

e due scene che da sole valgono il 

film) e con il giovane e sprovveduto 

Scott Thorson, autore del libro che 

ha ispirato il film. Ed è soprattutto su 

questa tempestosa relazione che il 

regista si sofferma, analizzando il cinismo 

con cui il divo dapprima accoglie 

nella sua vita il giovane Scott per 

poi liquidarlo senza tanti scrupoli (e 

quattrini) una volta stufatosi di lui. 

Ne ho visti troppi fallire, malgrado 

avessero le capacità, proprio 

come Llewyn Davis…”, Garrett 

Hedlund, l’ultimo sex symbol 

lanciato da Hollywood, nel ruolo 

di Johnny Five, compagno di 

strada del protagonista, e l’attrice 

del momento Carey Mulligan, 

presente a Cannes anche con Il 

grande Gatsby, nel ruolo della 

 

sa bene di chi. Il personaggio della 

Mulligan non è propriamente 

 

brutalità, ma è protagonista di 

una delle scene più divertenti del 

 

più corretto scrivere vomita) addosso 

al protagonista una serie 

di insulti esilaranti “Quando ti 

chiamano i Coen accetti qualunque 

ruolo. E sei disposto anche a 

dire delle bugie. Io ho raccontato 

che sapevo cantare”. 

TUTTO SCORSESE 

Il Museo Nazionale del Cinema di 

Torino ospita negli spazi della Mole 

Antonelliana, fino al al 15 settembre 

la mostra Scorsese, omaggio al genio 

artistico di uno tra i registi di maggior 

fama dei nostri tempi e ne ripercorre 

la carriera. L’esposizione si sviluppa 

in diverse aree del museo e mette 

in evidenza le fonti d’ispirazione di 

Scorsese e il suo particolare modo 

di lavorare, sottolineando quanto la 

sua arte narrativa abbia influenzato 

il cinema americano moderno. I materiali, 

in larga misura inediti, provengono 

prevalentemente dall’archivio 

privato del regista. Il particolare allestimento 

della mostra parte dall’Aula 

del Tempio, dove una spettacolare 

scenografia rende omaggio alla New 

York protagonista dei suoi film, spesso 

ambientati nella Grande Mela, in 

particolare a Little Italy. Una mappa 

della città indica le location dei film - i 

cui spezzoni vengono riproposti su 

4 monitor - mentre le vetrine laterali 

ospitano oggetti di scena tra i quali 

spiccano numerosi costumi di Gangs 

of New York e il vestito rosso indossato 

da Michelle Pfeiffer nel film L’età 

dell’innocenza. 

The Last Waltz 


AMATO MIO LP 

di Carlo D’Ottavi 

Mel Pot allo stato dell’arte 

Il compositore americano 

George Gershwin, pur essendo 

vissuto solamente 

trentotto anni, ebbe il tempo di 

attraversare un periodo stimolantissimo, 

musicalmente parlando, 

nel quale i più diversi stili 

s’incontravano e si mischiavano 

come in nessun altro paese al 

mondo. Se nell’Ottocento sempre 

più compositori colti europei avevano 

attinto dalle radici popolari 

dei rispettivi paesi, sviluppando 

le cosiddette scuole nazionali, 

negli Stati Uniti la dipendenza 

culturale dall’Europa si faceva 

progressivamente meno forte, 

sviluppando una cultura popolare 

sempre più originale e propria, 

frutto di un mescolanza unica di 

 

le più diverse tra loro. Quando 

Gershwin nasce, nel 1898, il 

contributo della musica nera è 

 

solo tra i neri. Il blues del delta 

 

diverse e lontane fornendo le basi 

per il ragtime e il jazz. Negli anni 

venti del ‘900, le grandi metropoli 

del nord degli Stati Uniti, pullulano 

di locali, teatri, sale da ballo 

dove si suona, danza e canta la 

“negro music”. Il musical teatrale 

na 

e si contrappone con sempre 

più forza all’Opera e all’Operetta 

del vecchio continente. In questo 

ambiente così fertile George 

Gershwin cresce e in brevissimo 

tempo si impone come uno dei 

suoi più brillanti esponenti ma, 

nonostante il successo, tutto questo 

non gli basta e il desiderio di 

diventare un grande compositore 

di musica colta è forte, al punto 

di volere prendere lezioni da un 

contemporaneo come Maurice 

Ravel. Il grande maestro francese 

è tra i grandi innovatori della 

musica classica europea. Il suo 

 

della musica “moderna” per cui a 

Gershwin apparve come la guida 

ideale. La risposta di Ravel alla 

richiesta del musicista americano 

 

di un diniego sdegnoso nei confronti 

di un collega versato soprattutto 

nella musica popolare, 

ma, al contrario, nel ritenersi non 

adeguato nei confronti di un personaggio 

talmente dotato e così 

personale da non avere bisogno 

di imbrattarsi con qualcosa che 

non faceva parte della propria 

George Gershwin 

RHAPSODY IN BLUE 

vinile da 180 grammi 

fonè 

cultura e radici. Gershwin, a 

suo modo, seguì il consiglio di 

Ravel e anche quando affrontò il 

genere colto lo fece con uno stile 

tanto inconfondibile da essere 

subito riconosciuto come americano 

e non europeo. In questo 

modo le composizioni “serie” di 

Gershwin, pur seguendo un’architettura 

classica, elaborano e 

sviluppano melodie, ritmi, stile 


assolutamente americani, pregni 

 

generi di cui sopra e che già con 

tanta maestria Gershwin aveva 

 

anche a una creatività e fantasia 

straripanti. 

Questo stare con un piede nel 

mondo classico e l’altro nel mon- 

 

per semplicità, è alla base della 

scelta di Decca di pubblicare al- 

 

di Gershwin con l’Orchestra del 

Gewandhaus di Lipsia, diretta 

- 

 

pianoforte. La Rapsodia in Blu, 

 

orchestrata da Ferde Grofé, il 

Concerto in Fa per pianoforte e 

orchestra, Good Mornin’ Sistuh!, 

Weather Report 

MYSTERIOUS TRAVELLER 

Speakers Corner 

Il tastierista Joe Zawinul e il sassofonista 

Wayne Shorter, crebbero alla 

corte di, tra gli altri, Davis e Adderley. 

Proprio durante le sessioni di 

In a Silent Way di Davis del 1969, si 

incontrarono e da lì l’idea di fondare 

un proprio gruppo prese forma 

lentamente diventando realtà solo 

due anni dopo con il contributo del 

cofondatore Miroslav Vitous al basso. 

Tre album fondamentali in quel crocevia 

tra jazz, funk ed elettronica e 

poi la svolta del 1974 con Mysterious 

Traveller per il quale Vitous scriveva 

un solo pezzo, American Tango, per 

lasciare il posto al bassista elettrico 

Alphonso Johnson. La ricerca di sonorità 

più dirette, relativamente più 

semplici, pur mantenendo i caratteristici 

incastri tra melodia, ritmo e assoli 

fu tra i motivi della separazione. Pur 

apparendo come un componente di 

transizione tra il fondatore Miroslav 

Vitous e il mostruoso Jaco Pastorius 

- che di lì a poco lo sostituirà - l’apporto 

di Johnson al basso, ancora 

presente nel successivo Tale Spinnin’, 

è fondamentale per caratterizzare 

con un segno saltellante e pulsante 

il ritmo delle composizioni dei Weather 

Report in questo disco. Così brani 

come Cucumber Slumber o la title 

Rialto Ripples e la suite sinfonica 

, da Porgy and Bess 

 

interessante viaggio nella musica 

gershwiniana. La novità più interessante 

per gli appassionati del 

disco nero sta nel fatto che i na- 

 

track difficilmente vi faranno star fermi 

fin dal loro primo ascolto. La svolta 

commerciale, ma solo nel senso 

di popolarità che diventerà enorme, 

si avrà comunque con i successivi 

Black Market e, soprattutto, Heavy 

Weather con l’arcinota Birdland, ma 

Mysterious Traveller rimane, per la 

sua posizione cronologica ed evolutiva 

centrale, il perno della storia di 

questo formidabile super gruppo. La 

nuova versione in vinile 180 grammi 

è edita dallo specialista Speakers 

Corner e distribuita da Sound and 

Music a 39,00 € 

da Giulio Cesare Ricci per la ma- 

 

 

 

analogico e valvolare, la versione 

 

limitata a 496 copie in doppio 

vinile da 180 grammi. 

PILLOLE 

Fleetwood Mac 

RUMORS 

Warner Bros/Reprise Record 

Con i suoi 19 milioni 

di copie venduti 

è uno dei dischi 

rock più venduti 

della storia, 

un caso degli anni Settanta e ancora 

un lavoro godibile ai giorni nostri. 

Ristampa di lusso disponibile 

su due 45 giri o su singolo 33 giri 

entrambi da 180 grammi. 

Grateful Dead 

LIVE/DEAD 

Mobile Fidelity Original Master 

Recording 

Gioco di parole 

per un doppio 

disco dal vivo per 

il morto “riconoscente”... 

Originalmente 

del 1969 è considerata 

una delle migliori performance live 

di una band rock e riedita in un 

doppio prezioso vinile da 180 

grammi in edizione limitata. 

Tricky 

FALSE IDOLS 

K7 

Recente nuova fatica 

discografica 

per una delle voci 

della prima ora dei 

Massive Attack. Il 

risultato sono ben quindici nuove 

tracce di una sofisticata miscela di 

rock, folk e pop alla sua originalissima 

maniera. Ordinabile sul sito bleep. 

com anche in versione download. 

Suzanne Vega 

BEAUTY AND CRIME 

Classic Records Clarity SV-P II 

Realizzato nel 

2007 questo album 

è per molti 

il miglior disco 

dell’artista dai 

tempi del celebre debutto. Un affettuoso 

omaggio alla Grande 

Mela cambiata dopo Ground Zero. 

Ristampato in un set di 4 dischi a 

45 giri da 200 grammi con tecnologia 

Clarity. 


Link 

di Vittorio Amodio 

Le nostre antenne captano segnali di paura, di sconcerto, di sconcerto collettivo, un rumore di fondo 

fatto di clacson e spade sguainate. Come esuli spaziali cantiamo il nostro spaesamento, offrendolo 

in musica a chi lo vuole condividere. Insomma, sia qua, del tutto esposti. Passati ingombranti alle 

spalle, che vi preghiamo di non far diventare zavorre. Futuro in formazione. Dovessi definire ciò che 

facciamo oggi direi “Esistenzialismo elettrico”. Niente di decadente, che nel quotidiano vivo da 

contadino. [Massimo Zamboni, 2013] 

CCCP 

AFFINITÀ-DIVERGENZE 

FRA IL COMPAGNO TOGLIATTI E NOI 

LP Attack Punk Records (1986) 

Avevano già 

sconvolto l’ingenua 

e acerba scena 

italiana dei primi 

anni Ottanta con un 

paio di memorabili 

EP. Il merito di tanta scoperta va ascritto 

alla microlabel Attack Punk Records, che da 

qualche anno stava pubblicando una serie 

di “quarantacinquini” dalla veste grafica 

inedita e accattivante, documentando 

i primi vagiti punk emiliani. Capofila 

del progetto - e che merita più di una 

citazione - fu Jumpy Velena, prima della 

sua evoluzione cibernetica, vero artefice di 

una scena folle e delirante. E folli e deliranti 

erano Massimo Zamboni e Giovanni 

“Lindo” Ferretti, che in queste dieci canzoni 

mettono su vinile quello che resterà il 

manifesto della band. Giovanni riesce lì 

dove quasi tutti avevano fallito, cantare 

in italiano su un tessuto rock moderno. 

Emilia paranoica (posta al termine del 

disco con i suoi imponenti sette minuti 

e passa) diventa la sintesi del loro punk 

filo-sovietico, provocatorio , una vera e 

propria presa per i fondelli; una capacità 

nella recitazione (specie sul palco) fuori dal 

comune: “Aspetto un’emozione sempre più 

indefinibile” cantano su di un ritmo ipnotico 

con Annarella e Fatur che disegnano le 

loro strambe coreografie. Ed in un attimo 

Reggio Emilia diventa Berlino; ma non è 

vero, non sarà mai vero! 

Riuscirono però a farcelo credere i CCCP … 

Offlaga Disco Pax 

SOCIALISMO TASCABILE 

(PROVE TECNICHE DI TRASMISSIONE) 

CD Santeria (2005) 

Un’eredità scomoda 

quella che 

raccolgono, una 

generazione dopo, 

Enrico Fontanelli 

(tastiere, basso e 

basi), Daniele Carretti (chitarre e basso) 

e Max Collini (narrazione e declami). 

Già perché loro sono di Reggio Emilia e, 

nonostante siano cresciuti con la new wave 

di My Bloody Valentine, Cocteau Twins e 

Pixies, con il punk filosovietico ci devono 

fare i conti. Un corto circuito generazionale 

visto che due di loro sono nati nel ‘77. E 

così, tra in-congruenze e proclami, giù a 

raccontare storie nei nove brani, in bilico 

tra i sogni di sempre e le ragioni del 

quotidiano, in un misto di elettronica, indie 

rock e new wave sul quale si erge il recitato 

(mai cantato) di Max, come se i Massimo 

Volume fossero sopravvissuti a loro stessi. 

Così ti ritrovi ad ascoltare Kappler e 

finalmente hai la tua canzone che racconta 

di anni trascorsi tra i banchi di un liceo o 

Khmer rossa, perché anche l’amore può 

essere cantato da un gruppo indie, o 

Tatranky, la “loro” Emilia paranoica. Oggi, 

a distanza di dieci anni, gli ODP ci sono 

ancora e si apprestano a festeggiare con 

serate “Era la prima volta…”, nelle quali 

ripercorreranno la loro storia musicale. 

Forse se leggete queste righe fate in tempo 

ad assistere alla data del 4 luglio a Torino, 

altrimenti accontentatevi del nuovo CD 

Gioco di Società. 

M. Zamboni - A. Baraldi 

UN’INFINITA COMPRESSIONE 

PRECEDE LO SCOPPIO 

CD Edel (2013) 

Torna Massimo 

Zamboni, dopo due 

anni di concerti 

proprio con Angela 

Baraldi in Solo una 

terapia – Dai CCCP 

all’estinzione, nel quale aveva provato, con 

successo dobbiamo dire, a riprendersi il 

suo passato. Archiviata la sua pur felice 

collaborazione artistica con Nada, ora arriva 

un disco tutto nuovo, figlio dei tempi (la 

realizzazione è stata possibile anche grazie 

alla campagna di fund raising lanciata 

attraverso musicraiser.com); undici canzoni, 

nel quale vecchio e nuovo si fondono. E se 

in Lamenti, con Gianni Maroccolo al basso, 

citare i CSI è doveroso e spontaneo, in Rotta 

Massimo si lascia andare al vecchio amore, 

quel punk rock delle origini, e trova in Angela 

una bella voce che sostiene anche ritmi più 

hard. L’album scorre così tra brani più corposi 

e momenti più riflessivi. Ma la sorpresa di 

questo lavoro è proprio la voce della Baraldi, 

dotata di una forza comunicativa assoluta. 

Leggendo la sua biografia e tralasciando le 

vicende che la vedono davanti la macchina 

da presa (con successo) nel ruolo di attrice, il 

percorso musicale è più che interessante. Dai 

primi vagiti con collaborazioni occasionali 

nella sua Bologna (Hi-Fi Bros e The Stupid 

Set), ai dischi e tours come corista con diversi 

cantautori italiani (da Dalla a De Gregori), sino 

alla realizzazione in proprio di una manciata 

di album, l’ultimo dei quali l’omonimo del 

2003. 


Gladiator in arena 

consilium capit 

Il gladiatore 

sceglie le sue mosse 

nell’arena 

(Seneca, Epistulae Morales Ad Lucilium - Libro III, XXII, 1) 

Abbiamo scelto di non sottostare alle regole del mercato. 

Abbiamo scelto di mantenere integra la nostra autonomia. 

Abbiamo scelto nuove forme di comunicazione. 

Abbiamo scelto di abbandonare i luoghi comuni del settore, 

Abbiamo scelto di rispettare la musica e la sua riproduzione. 

SCEGLI ANCHE TU, ABBONATI! 

Formule e offerte su: 

edicola.suono.it 

suono.ezpress.it 

diffusione@suono.it

FIORI FRUTTA CITTÀ 


In movimento 

movimento”: è il tema 

“In di questo numero di SUO- 

NO e ci mancherebbe che 

una rubrica, in movimento, come 

questa lo trascurasse… Così ecco 

una serie di mete a sfondo musicale 

ma non solo per riempire l’agenda 

di un perfetto music lover. 

COMPENDIO PROG 

La prima, destinata a chi ama 

la musica italiana, ha un sapore 

particolarmente dolce per gli 

abbonati di SUONO: i più veloci 

possono aggiudicarsi gratis il 

pacchetto di ingressi per tutta la 

durata della manifestazione. Siamo 

a San Giovanni in Marignano, 

la porta di ingresso alla Valconca 

(le spiagge di Cattolica sono a 

pochi chilometri…), considerato 

uno dei più belli borghi d’Italia. 

Qui dal 2 al 4 d’agosto si svolge il 

3° Festival della musica d’autore 

italiana, consueto appuntamento 

con la musica di qualità. Imperdibile 

per gli amanti del genere 

la maratona musicale (3 agosto) 

dedicata alla musica progressiva, 

caratterizzata da una alternanza 

tra il nuovo ed il vecchio…ovvero 

tra le realtà consolidate del prog 

italiano e mondiale (Le Orme, 

La Storia New Trolls e Osanna) 

assieme a delle giovani realtà italiane 

(Gran Turismo Veloce e Prophexy) 

e ad una delle band che, 

attualmente, sta riscuotendo un 

grande successo oltreoceano: La 

Locanda delle Fate. Sul palco si 

alterneranno Lino Vairetti (Osanna), 

Michi Dei Rossi (le Orme), 

Vittorio De Scalzi e Nico Di Palo 

(La Storia New Trolls). Sempre a 

San Giovanni, nel primo weekend 

di settembre, da segnalare la rassegna 

rock delle band giovanili… 

amicifestival@gmail.com 

SU È GIÙ PER LE COLLINE 

Fino al 31 luglio i comuni toscani 

di Poggio a Caiano, Prato, Carmignano, 

Montemurlo, Vaiano e 

Vernio sono coinvolti nel Festival 

delle colline 2013, come sempre 

caratterizzato da un cartellone di 

alta qualità musicale, il più possibile 

originale e con il desiderio di 

mettere in scena nuove, piccole, 

produzioni. Si va da Bach nell’interpretazione 

dello straordinario 

pianista Ramin Bahrami, alla 

musica di Theo Teardo (vedi l’intervista 

in questo stesso numero 

di SUONO) che ha accompagnato 

ma 

italiano, ad un gruppo francoamericano-olandese-portoghese- 

Don Pasta 

norvegese (ma fa base a Shangai!) 

come The Word, per approdare 

da un lato alla meravigliosa voce 

di Ginevra di Marco, dall’altro alle 

scorribande musico-gastronomiche 

di Don Pasta. 

www.festivaldellecolline.com 

DALLE COLLINE ALLE VALLI 

Dal 5 all’8 luglio ad Agazzano 

(Pc) si svolge la prima edizione 

del Val Luretta Jazz, il primo 

festival jazz realizzato nelle valli 

piacentine: quattro giorni dedicati 

interamente alla musica con 

workshop, stand enogastronomi- 


foto R. Ascroft 

ci, presentazioni di libri, mostre 

 

artisti della scena jazz nazionale. 

Il festival vede esibirsi Paolo 

Jannacci (5 luglio), Marco “Ray” 

Mazzoli e Giuliano Ligabue (6 luglio), 

Mattia Cigalini feat. Fabrizio 

Bosso (7 luglio) e Fabio Giachino 

(8 luglio). Durante l’arco 

di tutto il festival, ogni mattina, 

si svolgeranno i seminari tenuti 

da Mattia Cigalini (sax), Bebo 

Ferra (chitarra), Riccardo Fioravanti 

(basso) e Stefano Bagnoli 

(batteria) che, oltre a tenere corsi 

sul proprio strumento, terranno 

i corsi di musica d’insieme sotto 

forma di ensemble, dando la 

possibilità agli iscritti di poter 

suonare con una formazione jazz 

interamente composta da professionisti; 

a partire dalle 18.00 

invece , nel cortile del comune, 

conferenze inerenti al jazz. 

www.porrettasoul.it 

Tel.0534-22021 

IO, LA RIVIERA E LUI 

A Ravello io ci andrei anche solo 

per il suo nome: “Ravello”, ah 

che piacere pronunciarlo! Se si 

aggiunge che questo piccolo ma 

affascinante centro turistico si 

 

ci sono e abbondano i motivi 

per visitarlo. Uno in più (20 luglio) 

potrebbe essere il concerto, 

all’interno del Ravello Festival, 

di Wayne Shorter: il sassofonista 

di Newark, già ospite del festival 

campano nel 2004, salirà sul 

palco in quartetto accompagnato 

dal pianista Danilo Pérez, il 

contrabbassista John Patitucci 

e il batterista Brian Blade per 

il suo “Wayne Shorter - 80th 

Birthday Celebration Concert”. 

L’ex Weather Report (il miglior 

gruppo di sempre secondo Tim 

Young – vedi visita ai Metropolis 

Wayne Shorter 

Studio in questo stesso numero 

di SUONO) festeggerà così nel 

modo migliore questa importante 

ricorrenza. 

www.ravellofestival.com 

MUSICA E NON SOLO 

Max Gazzè, Marta sui Tubi, Ministri, 

Fedez, Luca Agnelli Massimo 

Zamboni (con lo spettacolo 

“30 anni di Ortodossia”); poi il 

 

ancora 77 Bombay Street, Grimus, 

Rangleklods… sono protagonisti 

del classico appuntamento 

nel cuore della Valdichiana 

con Arezzo Wave Love Festival 

(11 - 14 luglio), quattro giornate 

di festival con musica e non solo 

con sede principale nell’area verde 

di Albergo (piccola frazione 

del Comune di Civitella in Valdichiana 

della provincia aretina) 

e alcuni eventi nella città di Arezzo. 

Se vi trovate in zona, da non 

 

al 1 settembre) Icastica, installazioni 

e sculture nel segno della 

donna, con opera di 40 artiste 

provenienti da tutto il mondo. 

Tra di esse Yoko Ono e Marina 

Abramovic di cui si è parlato in 

passato su SUONO 

www.arezzowave.com 

www.icastica.it 

L’UNICUM DELLA GRANDE CANTORIA 

Nella Chiesa di San Rocco a Venezia, era dal 1927 che non si era più vista la 

straordinaria machina da musica della Grande Cantoria di Pietro Fossati del 

1789 che viene riproposta, dopo 15 anni di attento restauro. 

La “grande cantoria” è un apparato di proporzioni architettoniche davvero 

vaste, eccezionali anche per l’epoca, il Settecento, in cui le costruzioni effimere 

costituivano una parte importante dell’edilizia pubblica e dell’ornato civico. 

Si vedano Canaletto, Guardi, Carlevarjis, ecc. Nel periodo barocco/rococò 

infatti lo Stato (vedi la Francia del Re Sole) e quindi anche la Repubblica di 

Venezia, usava affidare la propria immagine e la propria magnificenza a queste 

realizzazioni d’occasione, che venivano erette al momento per ricevere ospiti 

di riguardo (papi, re, principi, ecc.), o per celebrare festività di importanza tradizionale: 

nel caso di Venezia, la Sensa, il Redentore, la Salute, il Dogado, ecc. 

Questi “componibili” di grande effetto scenografico e di spiccata teatralità, 

all’epoca montati e smontati continuamente, facevano parte del “mito 

di Venezia” ma sono tutti scomparsi, anche perché realizzati con materiali 

deperibili (legno, gesso, ecc.. Per queste ragioni, la Grande Cantoria di San 

Rocco costituisce un unicum, non solo perché non sembra ce ne siano altre 

fino ad oggi sopravvissute, almeno di questa eccezionale dimensione (m 

14,60 x 11,40), ma anche per l’ottima qualità architettonica del manufatto e 

per il notevole grado della sua conservazione. Lo studio dei Fossati, i “proti” 

dell’opera, era uno dei migliori in città. 

www.scuolagrandesanrocco.it 


Oooh Bruce! 

Libri 

Sei uscite nel solo 2010, 

due nel 2011, nuovamente 

sei (più due eBook) 

 

 

 

 

 

che luccica 

- 

 

 

 

 

 

 

 

 

- 

 

 

- 

 

 

 

completisti (disposti 

 

e selezionatori 

- 

 

- 

- 

- 

 

 

- 

 

- 

 

- 

 

 

 

- 

 

 

 

 

- 

 

- 

 

Queuing in Europe 

– A Smart Guide To Wrecking 

Ball Tour Towns- 

 

 

 

 

- 

- 

 

La ragazza 

del Jersey (O quasi)- 

- 

A 

due voci – Twelve Bars Blues, 

 

 

 

 

 

 

- 

 

 

 

 

 

 

41 Colpi – 

Omaggio illustrato alla poetica 

di B.S. 

 

Il mio nome 

è Joe Roberts”- 

- 

American Skin 

- 

Nebraska style 

 

citato All The Way Home - Bruce 

Springsteen In The Italian Land 

1985-2012 di Daniele Benvenuti 

 

 

 

 

 

 

 

We Are Alive – Ritratto di B.S. 

- 

New Yorker, 

- 

- 

 

e implementate) tesi e conside- 

- 

 

aveva dato il via a un polemico e 

 

- 

New Republic 

 

Bruce 

 

 

 

- 

 

 

 

- 

 

 

- 

 

 

 

 

- 

 

 

 

 



Riccardo Bertoncelli 

THE LIGA STORY /VOLUME 1 

Giunti - € 14,90 

Barney Hoskyns 

LED ZEPPELIN LA STORIA 

ORALE 

Arcana - € 25,00 

Riccardo Bertoncelli ha già scritto 

due libri su Ligabue: Una vita da mediano 

nel 1998 (che ha venduto tantissimo) 

e Vivere a orecchio nel 2005. 

Adesso ci riprova con questo ennesimo 

tomo che al prezzo di 15 euro 

pomposamente annuncia “la storia 

dei primi anni di carriera come non era mai stata raccontata”. Ovviamente non è 

affatto vero. Io l’ho raccontata varie volte in molteplici interviste sul Mucchio e 

soprattutto in uno speciale “Ligabue Story”, uscito allegato al Mucchio del gennaio 

1993, e in una lunga intervista/verità in 3 puntate al suo manager Valerio 

Soave nei primi mesi del 2011. Ma non sarebbe questo il problema: di giornali 

o libri che mentono ne sono pieni gli scaffali. Il problema è che ci troviamo di 

fronte a un libricino che sembra il libro Cuore. Tutti bravi, onesti, piccinini, poverelli…. 

Pieno anche di gravi omissioni. Non tanto quella del rapporto a tre 

Soave/Ligabue/Maioli (che sarebbe stato troppo pretendere fosse stata scritta 

come effettivamente si è svolto), ma il ruolo svolto nella crescita artistica di 

Liga da Stefano Ronzani Mai citato. 

Possibile che nessuno sapesse che 

Righetti/Previte/Pellati erano nella 

band Rockin’ Chairs Bertoncelli ha 

alle spalle l’esperienza di una delle 

prime fanzine italiane nei primi anni 

Settanta, i 3 anni della rivista Gong e 

una ventennale esperienza di direttore 

editoriale, prima all’Arcana e dal 

1995 alla Giunti. Nel frattempo ha 

collaborato a qualsiasi rivista fosse in 

quel momento “trendy”. Una carriera 

degna (forse anche sopravvalutata) 

che libri come questo non fanno che 

infangare. Speriamo non abbia veramente 

un seguito. 

La storia orale, brutto ed equivoco titolo, è un tomo imperdibile per tutti quelli 

per cui i Led Zeppelin hanno rappresentato qualcosa. Anche per il sottoscritto 

ovviamente, che ebbe la fortuna nel 1973 di stare tutto il concerto sul palco 

in quel di Copenhagen e poi nei camerini finché non venne cacciato da Peter 

Grant. Hoskyns ha intervistato almeno 200 persone (oltre ovviamente ai protagonisti) 

che per un verso o per l’altro hanno attraversato la vita dei quattro. 

Per quanto mi riguarda ho apprezzato molto la prima parte, quella in cui si 

parla del passaggio Yardbyrds-Zeppelin. La cosa più curiosa Che, tutto sommato, 

la persona più importante fosse John Paul Jones. 

Un bel regalo per ogni fan del rock di età superiore ai 50. Max Stèfani 

Dave Marsh (Born To Run e Glory 

Days sono tutt’oggi le uniche 

produzioni almeno “ufficiose” 

sull’argomento, trattandosi infatti 

del marito di Barbara Carr, socia 

di John Landau... insieme a Two 

Hearts e On Tour, inedite in Italia), 

potrebbe pensare a qualcosa 

in uscita direttamente da Rumson 

o Colts Neck. Così non è e d’altra 

parte da qualche anno, Bruce va 

raccogliendo ricordi e pensieri 

 

“spacca mercato” che, sebbene 

ancora lontana nel tempo, andrebbe 

a tagliare la strada e le 

gambe a qualsiasi concorrente. 

Tuttavia, a parte questo, rimane 

(similmente a quel E Street 

 

& The ESB di Clinton Heylin, Arcana, 

che aveva aperto con grande 

battage pubblicitario il 2013 

brucesco nelle librerie italiane) 

 

comunque, complementare anche 

per i collezionisti. 

Il britannico Heylin, senza vantare 

particolari legami con lo 

Springsteen’s team, nella sua 

 

Ottanta aveva infatti rivalutato 

la figura di personaggi fino ad 

allora dipinti a torto come artisticamente 

secondari (da David 

Sancious a Vini “Mad Dog” Lopez, 

per esempio), quando non addi- 

 

(su tutti Mike Happel, in precedenza 

“riconosciuto” solo da Marc 

Elliot nel 1992 tra le pagine di 

quel , altro 

inedito in Italia, che lo vedeva comunque 

in veste di co-autore). Lo 

stesso inglese aveva portato alla 

luce anche aspetti più personali 

della vita di Bruce (come l’ausilio 

della terapia, fatto abituale negli 

States ma in Europa dipinto 

strumentalmente come a un solo 

passo dal suicidio…), senza però 

mai scadere nello scandalismo 

(anche grazie a una delle privacy 

meglio tutelate nella storia dei 

r’n’r heroes…). Carlin, dal canto 

suo, mantiene fede alla promessa 

fatta a Springsteen e si mantiene 

anch’esso sul piano della “onestà 

intellettuale” nei confronti dell’artista 

e del suo atteggiamento 

collaborativo. 

La traduzione del poderoso tomo 

ha richiesto ben tre professionisti 

(Dario Ferrari, Stefano Mogni e 

Diego Rossi) mentre il supporto 

di decine e decine di referenti informatissimi 

sui fatti permette di 

aggiungere alla storia del Jersey 

Devil nuovi aneddoti, particolari e 

sfumature, specie di carattere psicologico 

e a livello familiare: da 

 

comprese una prevedibilmente 

abbottonata Julianne Phillips e 

una completamente ermetica, 

ma al solito gentilissima, Patti 

Scialfa. 

Andrea Hawkes 


CREEDENCE 

Una riflessione 

sul gruppo cult 

dei seventies. p. 138 

DITELO IN MUSICA 

La musica sempre più 

colonna sonora dei 

vidogiochi p. 140 

MAI DIMENTICATI 

poco più della passione 

di una notte: tanto 

durarono i Delfini. p. 143 

SHADES OF BLUE 

Seventies live 

I dischi dal vivo non sono sempre stati considerati un prodotto da buongustai. 

All’inizio, negli anni Sessanta e primi Settanta, le case discografiche registravano poco, male 

e mal volentieri gli show degli artisti. 

Stampare un disco dal vivo 

era considerato poco più 

(o poco meno) di un ri- 

in concerto. Gli stessi concerti 

furono a lungo considerati dai 

 

dei dischi. Bill Bruford dovette 

rinunciare ad essere pagato per 

il disco Close To The Edge per- 

potente impianto di amplificazione 

che portavano in tour 

mentre gruppi come i Blind Faith 

empitivo per un momento di 

pubblicizzare i dischi dell’artista 

 

- 

vuoto creativo o per la scadenza 

e a lungo la formula del concerto 

tour (per correre dietro a Bob 

 

di un contratto, sul modello di 

consisteva in un circo di più mu- 

Fripp). Esattamente il contrario 

degli incontri di pugilato, con- 

un Got Live If You Want It! degli 

sicisti che si alternavano, con po- 

di quello che avviene oggi, che i 

tribuendo a scavarsi la fossa. I 

Stones stampato solo negli USA, 

che canzoni a testa, ad un prezzo 

dischi vendono pochissimo, sono 

Rolling Stones comprarono uno 

o della seconda parte di un disco 

del biglietto irrisorio - come il 

piratati dai giovani e servono più 

 

con poco materiale come Wheels 

tour della Charisma che portava 

che altro a pubblicizzare i live 

colleghi. Le registrazioni dei con- 

Of Fire dei Cream. Anche la tec- 

in giro i Genesis di Peter Gabriel, 

show, i cui biglietti nel caso delle 

certi avrebbero iniziato a conqui- 

nologia di registrazione non era 

i VDGG di Peter Hammill e altre 

star arrivano tranquillamente a 

stare una loro dignità a cavallo 

quella di oggi, i nastri magnetici 

band della label per 30 pence 

costare 60 o 100 dollari (o euro) 

del 1970 con lavori energici come 

erano costosi ed avevano il difet- 

(centesimi) a biglietto. Il bigliet- 

e in occasioni speciali anche di 

Live At Leeds degli Who, Get Yer 

to di terminare durante l’esecu- 

to per Clapton all’apice della sua 

più. Tariffe molto poco rock. I 

Ya-Ya’s Out! degli Stones, Un- 

zione dei brani. I Beatles stessi, 

carriera costava una sterlina. I 

Dead in America e gli Who in 

dead dei Ten Years After, Live 

quelli che scrivevano le regole 

tour potevano permettersi di 

UK furono i primi ad afferrare 

Dead dei Grateful Dead, Live 

e le mode della nuova musica, 

chiudere in perdita perché i 

l’importanza del live show, ed 

At Boston dei Fleetwood Mac 

non pubblicarono mai un disco 

soldi arrivavano dalla vendita 

investirono i loro introiti in un 

(anche se uscito 20 anni dopo). 


M USICA | CINEMA | LIBRI | SOCIETÀ | ARTE | FUMETTI 

Pictures At An Exhibition degli 

EL&P fu stampato con un anno 

di ritardo e per un’etichetta 

economica, la Cotillion. Gli Yes 

spararono un disco dal vivo in 

cofanetto da tre LP e vendette 

comunque bene. Fu lo smisurato 

 

live come Frampton Comes Alive 

o il culto di lavori come Allman 

Brothers Band At Fillmore East 

a inventare il “doppio dal vivo”, 

anche se un enorme successo 

come Live Bullet dovette pena- 

 

stamparlo. Ai tempi del vinile era 

più facile di oggi individuare album 

dal vivo di culto: i live erano 

pochi nella carriera di un artista, 

non arrivavano di regola prima 

del quarto o quinto disco (quando 

c’era abbastanza repertorio 

 

bissato. Poi arrivarono band a 

reinventare il live-show, come i 

Grateful Dead, molto meglio dal 

vivo che sui dischi in studio, e le 

registrazioni in concerto cominciarono 

a moltiplicarsi. Non che 

il pubblico non fosse affamato 

delle registrazioni dei concerti. 

 

capire. Tanto che negli anni Set- 

otleg, 

registrazioni pirata spesso 

di bassa qualità degli show che 

passavano di mano fra gli appassionati 

a prezzi elevati. L’unico 

modo di ascoltare Springsteen 

dal vivo con la E Street Band erano 

i bootleg e Winterland ‘78 è 

ancora insuperato nella sua di- 

 

 

invece di stampare quello che 

la gente chiedeva, mobilitavano 

i federali per sequestrare i dischi 

pirata. I più bootlegati furono 

probabilmente Dylan, Springsteen 

ed i Grateful Dead. Gli ultimi 

costruirono sui bootleg la 

loro leggenda, e furono i primi a 

vendere regolarmente le loro incisioni 

dal vivo. Dylan ha creato 

una propria Bootleg Series che 

stampa con regolarità delle vere 

chicche della propria carriera. 

Springsteen invece non lo ha 

ancora capito oggi, mostrando 

nel suo rapporto con i dischi una 

mentalità da pop star. Phish e 

Dave Matthews Band, che vivono 

praticamente on the road, hanno 

la loro collana live, LivePhish e 

LiveTrax, che di questi tempi 

 

per vendere la registrazione di 

ogni show dal sito web. Altri ar- 

 

l’instant record stampato su due 

piedi per chi vuole portarsi a casa 

un souvenir del concerto. Se no, 

c’è chi si accontenta di registrare 

dallo smart phone e di pubblicare 

su YouTube. 

Blue Bottazzi 


IL REVIVAL DEI REVIVAL 

Creedence & John Fogerty 

La recente uscita dell’album Wrote A Song For Everyone (vedi pag.108) impone, ma è un piacere 

immenso, una riflessione su questa grande band americana. 

I 

Creedence Clearwater 

Revival della Baia di San 

Francisco furono una storia 

a sé. Un’esplosione di rock & roll, 

una supernova che brillò per un 

attimo, oscurando tutto il resto del 

panorama del rock, una micidiale 

sequenza di hit che neanche i 

Beatles o Dylan. L’epopea dei 

Creedence toccò lo zenit fra il 

1969 ed il 1970, due anni nei quali 

la band sfornò cinque LP e non 

meno di quattordici 45 giri. In 

quei giorni psichedelici per il loro 

 

 

realtà furono il primo gruppo di 

roots rock. La rivista americana 

Rolling Stone scrisse che Green 

River era il disco più americano 

dai tempi di Music From The Big 

Pink di The Band. Anche se dal 

giorno in cui il pubblico li scoprì a 

quello in cui si sciolsero di mutuo 

accordo, perché “non c’era più 

divertimento”, passò solo un 

pugno d’anni, ma intensi come 

una carica di Cassius Clay. Nella 

realtà la band aveva accumulato 

una riserva di canzoni lungo il 

decennio dei Sixties, quando 

John Fogerty (classe 1945, 

nato a Berkeley ma cresciuto 

come tutta la band a El Cerrito, 

California), Stu Cook e Doug 

Clifford, battevano la baia come 

un trio di rock & roll e blues 

revival, cresciuti soltanto più 

tardi a quartetto con l’aggiunta 

del cantante Tom Forgerty 

(classe 1941, fratello maggiore 

di John). Nonostante avessero 

provato a registrare alcuni 45 giri, 

nessuno di essi era stato notato. 

Le cose cambiarono quando 

John e Doug fecero ritorno dal 

servizio militare, firmarono 

per la Fantasy, l’etichetta jazz 

di Saul Zaentz, e assunsero il 

nome di Creedence Clearwater 

Revival con John che prendeva 

saldamente la leadership, con la 

sua voce acuta, la vivace chitarra 

e soprattutto le sue canzoni. Il 

primo disco nel 1968 era rock 

americano delle chitarre dagli 

echi blues e rurali, con le lunghe 

e torride versioni di I Put A Spell 

On You di Screamin’ Jay Hawkins 

e di Suzie Q, immerse nel soul di 

Memphis di Ninety-Nine and a 

Half (Won’t Do). Gli elementi di 

fascino del quartetto c’erano già 

 

di evocare i grandi spazi della 

cotton belt, il sud degli States, 

il sound secco di Memphis, il 

fangoso delta del Mississippi, la 

magia delle nebbie del bajou della 

Louisiana, i battelli a ruota, i salici 

piangenti, il loup garou. In altre 

parole, l’America di Zagor e Tex 

Willer. Se il mito della California 

era fotografato dai Beach Boys, 

quello della Louisiana lo era dai 

Creedence. Non per caso le loro 


canzoni furono usate nel cinema 

per evocare l’America in dozzine 

di film da Apocalypse Now a 

The Swamp Thing, Forrest 

Gump, Il Grande Lebowski, 

Il Grande Freddo, Un Lupo 

Mannaro Americano a Londra, 

Air America, Philadelphia. Non 

c’è stato un rocker a non avere 

in repertorio una loro cover, 

da Springsteen a Seger, da 

Tina Turner a Todd Snider, da 

Pearl Jam a U2. Le loro canzoni 

erano capaci di coinvolgere ed 

emozionare: tutti i singoli di 

successo fecero il disco di platino, 

ed i LP al minimo il disco d’oro. 

Con Bajou Country, il secondo 

disco, che apriva il 1969, i 

 

di concentrare il rock & roll in tre 

minuti, i three minutes records 

della nostra cultura. Come un 

pittore entro i margini della tela, 

Fogerty aveva il dono naturale 

 

canzone temi evocativi, visionari 

e apocalittici. In Bajou Country 

gli hit furono Born On The Bajou 

e Proud Mary - quest’ultima 

destinata a diventare un classico 

della musica americana. In estate 

fu il turno di Green River, con 

l’omonimo singolo e soprattutto 

con Bad Moon Rising, una delle 

più perfette canzoni della storia 

del rock. A novembre avevano 

ancora abbastanza benzina da 

stampare un terzo LP, Willy and 

The Poor Boys 

come Fortunate Son e sociali 

come Down In The Corner, e una 

grande versione di The Midnight 

Special. Lungi dall’accusare 

stanchezza, il 1970 si aprì con 

il loro disco migliore, Cosmo’s 

Factory, più lungo e articolato 

degli altri lavori, con i torridi r&r 

di Travelin’ Band e Up Around 

The Bend, il blues di Before You 

Accuse Me, l’antimilitarista Run 

Through The Jungle, la ballata 

apocalittica di Who’ll Stop The 

Rain e come colpo di grazia gli 

undici minuti della I Heard It 

Through the Grapevine di Marvin 

Gaye. La potenza di fuoco della 

band dal vivo è testimoniata dal 

The Concert, registrato 

all’Oakland Coliseum il 31 

gennaio 1970, anche se all’epoca 

il primo live dei Creedence fu 

stampato solo nel 1973, con il più 

sfuocato Live In Europe. Dopo 

tanto correre il gioco cominciava 

ad essere meno divertente. 

Su Pendulum i singoli furono 

Have You Ever Seen The Rain e 

Molina, e il fratello maggiore Tom 

Fogerty lasciò il gruppo. John 

volle offrire agli altri membri la 

possibilità di scrivere le proprie 

canzoni e il risultato di quell’atto 

di democrazia si trasformò nel 

peggiore dei loro dischi, Mardi 

Gras, che si chiude comunque 

con la bella Sweet Hitch-Hiker. 

Dopo di che la luminosa stella dei 

CCR si spense. Nel 1975 l’album 

solista del leader John Fogerty 

fu ancora di fatto un album in 

perfetto stile Creedence, con gli 

hit di Rockin’ All Over The World 

(ripresa spesso da Springsteen 

in concerto) e Almost Saturday 

Night, oltre alla cover della Sea 

Cruise del repertorio di New 

Orleans. Evocato dallo stesso 

Springsteen, Fogerty tornò dopo 

un’assenza di dieci anni con il suo 

album migliore, (centrocampo), 

un disco americano 

al 100%, di giocatori di baseball, 

cowboy e indiani, pompieri e poliziotti, 

aviatori e biplani, trottole 

e biglie colorate, ed una vecchia 

radio sicuramente sintonizzata su 

Wolfman Jack, con titoli evocativi 

come: “Il vecchio uomo sulla strada”, 

“Ragazze Rock & Roll”, “Quel 

lungo treno da Memphis” (riferito 

ad Elvis e l’era della Sun Records). 

Un disco con una profonda consapevolezza 

delle proprie radici 

ed una struggente vena di malinconia, 

come in I Saw It On TV: 

“…abbiamo visto quel giovane 

uomo di Boston far vela verso la 

nuova frontiera e abbiamo visto 

il sogno morire a Dallas, hanno 

sepolto l’innocenza quell’anno… 

e so che è vero, così vero perché 

John Fogerty con Bruce Springsteen. 

l’ho visto alla TV”. Eye Of The 

Zombie volle essere un disco dal 

suono più contemporaneo e dai 

temi dei b-movies cari alla band, 

Blue Moon Swamp fu un disco 

di roots rock e Premonition, alla 

 

Poi il crepuscolo… 

Blue Bottazzi 

10 CD 

più ascoltati da 

VITTORIO PIO 

KEITH JARRETT TRIO SOMEWHERE 

FRED HERSCH LIVE AT THE VANGUARD 

EARL HINES COMPLETE MOSAIC 

RON CARTER & MULGREW MILLER LIVE 

IN SAN SEBASTIAN 

SARAH VAUGHAN THE DIVINE 

CAETANO VELOSO ABRAÇAÇO 

JOHN COLTRANE SUN SHIP SESSIONS 

ROLLING STONES & MUDDY WATERS LIVE 

IN CHICAGO 

THE BLACK CROWES WISER FOR THE 

TIME 

IVANO FOSSATI LINDBERGH 


MUSICA PER VIDEOGIOCHI 

Ditelo in musica 

La musica composta per fungere da colonna sonora per i videogiochi comincia ad avere 

riconoscibilità ed appetibilità anche al di fuori della cerchia degli appassionati. 

Testimonianza ne sono i 

concerti dedicati ad essa 

e CD come quelli della 

London Philharmonic Orchestra 

diretta da Andrew Skeet (X5 Music 

Group) che propongono The 

Greatest Video Game Music. Ovviamente 

si tratta di musica che 

si deve adattare alle situazioni 

proposte dal videogioco, come 

succede per la musica cinemato- 

 

compositore qui è meno semplice: 

lo sviluppo di un videogioco 

non è forzatamente lineare come 

 

a determinate azioni del giocatore, 

le quali innescano parti del gioco 

diverse che sono da accompagnare 

ad un adeguato commento musicale. 

Questo, se complica la vita al 

compositore, gli permette tuttavia 

di far sì che il giocatore - coinvolto 

 

- viva la musica in maniera estremamente 

diretta ed emotiva. 

Un esempio personale: il gioco di 

ruolo fantasy Gothic 3. Durante 

una quest, giunta la notte, ho fatto 

dormire il protagonista in una 

capanna al limitare di un bosco. 

Quando mi sono svegliato era 

l’alba. All’uscita della capanna il 

mondo del gioco era illuminato 

da una luce soffusa e magica ed 

è partito il brano Vista Point dalla 

colonna sonora realizzata dai 

Kai Rosenkranz: uno stupendo 

brano d’impostazione "pastorale" 

che ha contribuito a rendere 

indelebile nella mia memoria quel 

risveglio, quasi fosse un evento 

vissuto realmente. 

Analoghe sensazioni si possono 

avere con la colonna sonora di Metal 

Gear Solid, in cui, dopo tutto 

un gioco passato ascoltando una 

martellante musica elettronica, si 

 

i titoli di coda, con la sigla The 

Best Is Yet To Come che, oltre 

a promettere i meravigliosi sviluppi 

che i videogiocatori hanno 

potuto sperimentare con i titoli 

successivi, spiazza l’udito con una 

dolce ballata in gaelico; o nel video 

introduttivo di Final Fantasy VIII, 

che è anche una sorta di trailer del 

gioco nel quale vengono presentati 

i principali antagonisti impegnati 

in un furioso duello. 

In alcuni casi alla musica originale 

stenti; 

come per BioShock, dove ad 

una colonna sonora che richiama 

i cromatismi di Edgard Verese si 

aggiungono classici jazz anni ‘50 

che si inseriscono perfettamente 

nell’ambiente della godereccia 

città sottomarina trasformatasi 

in incubo, oppure nella serie 

di Grand Theft Auto dove viene 

ricreata l’illusione di smanettare 

sull’autoradio delle autovetture 

che rubiamo potendo sintonizzarci 

su varie stazioni tematiche. 

Uno dei compositori di musiche 

per videogiochi ad aver raggiunto 


maggiore fama personale è Akira 

Yamaoka, autore delle colonne 

sonore della serie horror Silent 

Hill a partire dall’indimenticabile 

tema della title track, che rimane 

anche l’elemento melodico distintivo 

della serie, per arrivare alle 

canzoni che segnano il passaggio 

negli incubi infernali di ogni 

episodio, come You’re Not Here 

che introduce a Silent Hill 3 con 

la protagonista che si risveglia da 

un incubo solo per rendersi lentamente 

conto che la realtà è un 

incubo ancora peggiore. 

nore 

per i blockbuster bellici come 

o , che 

non hanno nulla da invidiare al 

- 

- 

 

il tema di , già trascinante 

di suo, che Skeet arrangia 

per la London Philharmonic in 

modo che il martellante motivo 

sia impossibile da dimenticare. 

Francesco Mazzetta 

10 CD 


PIERLUIGI LUCADEI 

ROKIA TRAORÉ BEAUTIFUL AFRICA 

RODRIGO LEÃO SONGS (2004-2012) 

MARC COPLAND SOME MORE LOVE 

SONGS 

MARK KOZELEK & JIMMY LAVALLE 

PERILS FROM THE SEA 

SCOTT MATTHEW UNLEARNED 

TRICKY FALSE IDOLS 

HOLLIS BROWN RIDE ON THE TRAIN 

SHE & HIM VOL. 3 

THE NATIONAL TROUBLE WILL FIND ME 

DAVID BOWIE THE NEXT DAY 

NOTE DI CINEMA DAL DESERTO 

CLOUD ATLAS 

di Lana Wachowski, Andy Wachowski 

e Tom Tykwer 

Luogo di partenza: una sabbiosa zona imprecisata 

dell’anima. 

Data: ultimo giorno prima dell’atlante, là nel futuro 

appena passato. 

Ora: abbondantemente dopo il crepuscolare avvento 

della notte. 

Luogo di arrivo: Cloud Atlas, bizzarra terra di celluloide 

intessuta di esseri umani, acqua che inghiotte, 

fuoco eterno, vecchie lettere, sogni reali, libertà che 

vola e musica di nuvole. 

In sintesi, amore. 

Obiettivo della missione: provare a crederci. 

Contenuto del rapporto al Signore ed alla Signora 

delle placide tempeste dell’esistenza: 

Signori, 

sono qui ad informarVi della mia esperienza esplorativa 

nel pianeta Cloud Atlas. 

A dire il vero il rapporto comincia male poiché non so 

di preciso come ci sono arrivato. Ricordo solo di aver 

infinitamente viaggiato su treni di roccia, solcato strenuamente 

mari di città d’acciaio ed attraversato cieli in 

catene. Ricordo la mia testa rotta da tanto turbinare, il 

mio cuore spezzato dalla fatica. 

Non sapevo cosa mi stesse trascinando via. 

Non credevo stesse accadendo. 

Brancolavo nel buio. 

Avulso da me stesso, sentivo il fallimento nascere prima 

ancora di cominciare. Non potevo tornare indietro. 

La vita mi stava mettendo in quarantena. 

Poi d’improvviso sono caduto. Senza chiudere gli 

occhi. E davanti a me ho visto scorrere velocissima la 

devastante bellezza di una mano tesa. Una mano tesa 

che mi ha afferrato, preso e portato con sé. 

Sì Signori, è stata la mano a condurmi in esplorazione. 

Lei mi ha sorretto, mi ha tenuto, mi ha stretto per tutto 

il tempo. E non mi sono mai sentito abbandonato, neanche 

nei momenti più duri, perché sapevo che la sua 

carezza era lì a sanarmi il viso. 

Signori, Cloud Atlas è un mondo apparentemente 

strano, imperfetto e complicato. Una specie di sinfonia 

dipinta su carta ingiallita, dove ogni singola nota 

è un bagno di tempo. Dove ogni incompiuta resta 

così, in attesa permanente di pacificazione. Cloud 

Atlas è un luogo dove la gentilezza uccide il crimine, 

dove lo scatto in avanti rompe l’ordine narcotizzato 

degli eventi. 

Cloud Atlas è lo scenario del sacrificio e del riscatto, 

dell’illusione che non cerchi e del rimpianto che non 

vuoi, di chi guarda in faccia il destino e non lo teme, a 

costo di morirci. 

Il regno dell’empatia mai estinta, quella che ci lega a 

qualcuno che neanche conosciamo, che neanche sappiamo 

se esiste. Cloud Atlas è un posto di cui reclamare 

l’esistenza, la casa per cui lottare. 

È l’idea in cui credere ciecamente. 

È la sua stretta che mi tiene vivo. 

Ecco Signori, Cloud Atlas è Colei che mi tende la mano. 

Questo è quanto. 

Ed ora, tornato a casa e chino su questo pezzo di carta, 

lo posso dire con certezza. 

Io ci credo. 

Oggi più che mai. 

E rimarrò qui ad aspettarla, riconoscendola al primo 

sguardo. 

Tuco Benedicto Pacifico Juan Maria Ramirez 


C 

M 

LIVE 22/24 MARZO 2013 

Bergamo Jazz 

Ottimo successo per la 35esima edizione di Bergamo Jazz, uno dei festival italiani 

di più antica tradizione. 

Bergamo Jazz, sotto la direzione 

artistica di Enrico 

Rava, ha mischiato le 

carte per confezionare un programma 

sospeso fra avanguardia 

e tradizione, applaudito da un 

pubblico entusiasta nella consapevolezza 

di una musica viva 

e quanto mai sorprendente nelle 

varie diagonali tracciate dai suoi 

concerti: dall’indole onnivora di 

Marc Ribot, la cui chitarra ha 

distillato sapienza e allargato 

gli orizzonti (dal prediletto Ayler, 

ad echi manouche fino ad 

 

all’intensità di Hermeto Pascoal, 

l’unico brasiliano che fu ammesso 

alla corte del divino Miles, capace 

ancora oggi di una musica 

 

foto G. Rota 

John Scofield 

Schifezzario italiano 

Paola & Chiara abbandonano il mondo della musica. Lì per lì viene da 

riderci su, un po’ perché, guarda caso, l’annuncio viene fatto in concomitanza 

con l’uscita del loro ultimo album, un po’ perché 

tutti stiamo pensando malignamente “ma perché, 

dentro questo mondo c’erano mai entrate 

veramente”. E mentre i maschietti sperano 

vivamente in una loro futura carriera porno, 

io ci rifletto un po’ su e mi metto a leggere 

i post di Chiara, gonfi di livore, che ti 

viene quasi da pensare che forse no, 

non è una trovata pubblicitaria. Queste 

“poerelle” sono deluse davvero. 

Tralasciando attimi di pazzia in cui si 

paragonano a Battisti e addirittura 

arrivano a dire che Battisti le avrebbe 

stimate molto, ecco, in qua e là 

tra questi deliri, si intravedono degli 

sprazzi di lucidità interessanti 

da analizzare. È vero, Paola & Chiara sono nate nel paese sbagliato. Se 

fossero nate in America quasi sicuramente a questo punto sarebbero 

state delle pop star a livello mondiale. Non le manca niente di quello che 

hanno le varie Britney Spears di oltre oceano. Hanno una bella vocina, 

hanno una bella presenza, sanno sculettare bene. La loro sfiga è di essere 

italiane e che qua in Italia ci piace ascoltare di nascosto la musica pop 

dance che viene da fuori, ma quando parliamo di produrla noi, pare di 

proferire bestemmia. Noi no cazzo! L’Italia, la patria dei cantautori non 

può “abbassarsi” a fare sculettare la gente, e allora meglio tirar su due 

soldi con l’aberrazione dei Modà. Si potrebbe dire che a noi mancano i 

mezzi, se penso però a uno come Moroder, non è vero neanche questo. 

Queste due povere ragazze sono state lasciate allo sbando, quando bastava 

metterle nelle mani di un buon produttore. La verità è che hanno 

ragione, nessuno ha creduto in loro, però sbagliano quando pensano 

che sia un fatto personale. Il punto della questione è che in Italia siamo 

indietro anni luce quando dobbiamo parlare di music business. E allora 

fanno bene a smettere, che davvero quando diventeranno vecchie e 

flaccide e nessun mensile potrà più sfruttare il loro bel faccino, cadranno 

ancora più in basso, se esiste un “più in basso”. Che vi devo dire, a me un 

po’ fanno tenerezza. Spits Shit 


un virtuosismo magmatico, in 

cui a volte si rischiava di smar- 

 

ricomporne il senso con qualche 

 

sempre più crescente fama che 

arride al vocalist Gregory Porter 

e della compiaciuta maturità 

artistica che Giovanni Guidi ha 

festeggiato con il suo bel disco 

pubblicato dalla Ecm, il clou si 

è registrato nel corso dell’ultima 

giornata con il doppio set condiviso 

fra l’irrefrenabile estro di 

Han Bennink e Uri Caine, prota- 

 

 

fra un tocco d’ironia e slanci di 

tre 

il nuovo ottimo trio di John 

Scofield, completato da Larry 

Goldings e Gregory Hutchinson, 

impegnato nello sviluppare 

una musica articolata con forte 

senso della dinamica e addirittura 

qualche sortita swing, ma 

sempre avvincente per varietà di 

 

Vittorio Pio 

10 CD 


G.P. MARCENARO 

STEVE EARLE THE LOW HIGHWAY 

KURT VILE WAKIN ON A PRETTY DAY 

MASSIMO URBANI DUETS 

IMPROVISATIONS FOR YARDBIRD 

THE BEVIS FROND WHITE NUMBERS 

ROBYN HITCHCOCK LOVE FROM LONDON 

THE BYRDS PREFLITE (BOX) 

BEN HARPER WELCOME TO THE CRUEL 

WORLD 

ERIC BURDON TILL THE RIVER RUNS DRY 

ELLIOTT SMITH FIGURE EIGHT 

MUDDY WATERS BLUES BAND LIVE AT 

NEWPORT JAZZ FEST. 1960 

C’ERA UNA VOLTA 

i Delfini 

Franco Capovilla, Sergio Magri, Renzo Levi Minzi e Mario 

Pace, presi singolarmente, sono personaggi che diranno 

poco o nulla alla maggior parte dei lettori di questo giornale, 

ma insieme, con il nome di Delfini, faranno scattare 

qualche ricordo nella memoria dei loro genitori. 

Curiosamente omonimo di una band contemporanea 

della ex Jugoslavia, il gruppo, scavalcando i ristretti 

confini regionali, entra di prepotenza nel panorama 

beat italiano grazie alle non mediocri doti musicali dei 

suoi membri. Vincono un paio di gare per complessi 

(una prassi comune all’epoca), richiamano l’attenzione 

del produttore Carmine De Benedittis, proprietario 

della piccola ma intraprendente CDB, e debuttano nel 

1965 con un 45 giri di covers: Voglio essere il tuo uomo 

(I Wanna Be Your Man), già insperata regalia di Lennon- 

McCartney agli Stones e cantata in inglese nonostante 

il titolo, accoppiata a Devi ritornare da me (Tell Me) di 

Jagger-Richards col testo di Minzi, qui anche in veste di 

paroliere, che percorre altre vie rispetto alla Quel che ti 

ho dato dell’Equipe 84. Due ottime referenze. Con i New 

Dada di Milano, i Barrittas di Oristano e pochissimi altri, i 

Delfini contribuiscono ad alzare in maniera esponenziale 

la qualità del beat italiano, invero molto scarsa anche 

se le novità ad ogni costo da noi sono solite premiare 

cani e porci. Lo fanno con una consistente e regolare 

produzione discografica basata su una sfilza di singoli e 

ben due album di composizioni autografe, o supposte 

C 

M 

tali (Stasera sono solo copia Hi-Heel Sneakers di Tommy 

Tucker, Tu tu ridi non è altro che la poco conosciuta Blue 

Feeling degli Animals, Son giù, un fritto misto di Batman 

e Cadillac). Inoltre qualche eccellente ripresa di brani da 

classifica, soprattutto inglesi, molti concerti, parecchie 

partecipazioni a trasmissioni radiotelevisive, persino un 

tour negli Stati Uniti con un’apparizione al celeberrimo 

Ed Sullivan Show, dove presentano la versione inglese 

del loro maggiore successo, Tu te ne vai (diventata per 

l’occasione You Went Away), mantenendo il discreto assolo 

di sax come nell’originale. L’operazione americana, piena 

di buone speranze anche se finanziariamente onerosa, 

specie per un’etichetta a conduzione pressoché familiare, 

non viene però confortata dalle vendite e gratificata da 

un ritorno d’immagine, finendo per rovinare i rapporti 

già tesi col patron. La fine è tragicomica: il gruppo passa 

alla Decca, partecipa a Un disco per l’estate del 1967 con 

un’insulsa Beat beat… hurra! e, visti i risultati disastrosi 

di audience e mercato (forse qualcuno ignorava o 

fingeva di ignorare lo scorrere di tempi e mode), ritorna 

a precipizio sotto le ali protettive della CDB. Da lì in poi 

sull’epilogo artistico, compresa la tentata carriera solista 

del bassista e cantante Renzo, è meglio stendere un velo 

pietoso. I due long playing con bonus track sono stati 

riediti in CD nel 1996 dalla On Sale Music del benemerito 

collezionista Italo Gnocchi. 

Pierangelo Valenti 


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Hanno collaborato 

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Cibrario, Alfonso Colella, Jacopo Cosi, Carlo D’ottavi, Barbara Dardanelli, Claudio Di Marco, David 

Drago, Maurizio Favot, Federico Geremei, Andrea Hawkes, Claudio Lancia, Pierluigi Lucadei, Rocco 

Mancinelli, Giampiero Marcenaro, Daniel C. Marcoccia, Francesco Mazzetta, Umberto Padroni, 

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scritta dell’Editore. 

La testata fruisce dei contributi statali diretti di cui alla legge 7 agosto 1990/n. 250 

Il presente numero di SUONO è stato finito di stampare nel mese di giugno 2013. 

INDICE INSERZIONISTI 

Atom in Rome 59 

Audio Distribution 4 

Audio Graffiti 53 

Audio Natali - Audio Research 33 

Audio Reference 21 

Audiogamma - B&W 

II Cop. 

C.r.e.a. 9 

Cooperativa Giornalistica Mondo Nuovo 131, 145 

Da Definire 69 

Fonè 97 

Giussani Research 113 

Il Centro Della Musica 11 

Lunatik 69 

Mpi - McIntosh 7 

Mpi - Monitor Audio 37 

Mpi - Advance Acoustic 

III Cop. 

Mpi - Sonus Faber 

IV Cop. 

Progressivamente 54 

Synthesis - Synthesis 14-15 

Troniteck Distribuzione - Altason 8 

Velut Luna 81 

Zingali Acoustics - Zingali Acoustics 63

UN UCCELLINO MI HA DETTO… 

Basta un cip cip click, 

ma devi essere veloce! 

... Per gli abbonati di SUONO sono in arrivo 

un sacco di sorprese! 

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DALLA PARTE DI PROUST 

di Daniel C.Marcoccia 

Francesco Tricarico 

Ha da poco pubblicato Invulnerabile, il suo sesto album in studio e sta lavorando 

alla preparazione di una mostra di suoi disegni. Alcuni di questi sono stati esposti recentemente 

all’interno della mostra Hot a Milano. 

Che cos’è la perfetta felicità 

Quando non pensi alla felicità. 

Qual è la tua più grande paura 

Non capire di che cosa ho paura. 

 

L’imperatore Adriano. 

Quale personaggio vivente ammiri di più 

Ilda Boccassini. 

Cosa ti piace di meno di te 

Troppa generosità con chi non se lo merita. 

Qual è la massima stravaganza della tua vita 

Passeggiare senza berretto. 

In che occasione dici bugie 

Se la verità può nuocere all’altro senza ragione. 

Qual è la persona che meno ti piace 

Berlusconi e ciò che rappresenta. 

Quando e dove sei stato più felice 

Avevo un anno e mezzo, al tramonto, in riva al mare. 

Cosa non ti piace di questo Paese 

La mancanza di senso civico e il coraggio. 

Di quale virtù ti piacerebbe disporre 

L’invulnerabilità. 

Qual è il tuo attuale stato d’animo 

Grande entusiasmo. 

Qual è la cosa più preziosa che possiedi 

La mia famiglia. 

Dove vorresti vivere 

A Gerusalemme. 

Chi è il tuo eroe vivente 

Non c’è. 

Chi sono i tuoi scrittori preferiti 

Philip Dick, Sciascia, Simenon, Montale, Dürrermat. 

Come vorresti morire 

Non voglio morire. 

Qual è il tuo motto 

Attualmente: non puoi prevedere il tuo futuro ma puoi inventarlo. 


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SUONO n° 478

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