Adagio

adagio

el arte

hecho danza

Diseño: Andrea Lack Fotografías: Richard Calmes. Texto: Martha Graham

ADAGIO es el suplemento que te adentrará a todo lo relacionado con el mundo del baile clásico. Dedicado para aquellos que les encanta soñar con los pies, fue diseñado para informar, educar e inspirar a todos aquellos que les apasiona moverse al ritmo de la música, especialmente la clásica. Se hace uso de contrastes visuales en el texto y la fotografía para acrecentar la emoción del lector a lo largo de los apartados de esta pieza editorial. Preocupados por generar educación artística en nuestros lectores, se proporciona información histórica y técnica de esta elegante y bonita técnica de baile que con el acompañamiento de las hermosas fotografías de Richard Calmes, hacen del suplemento una obra de arte por su diseño especializado para cualquier persona amante de la danza clásica.

Toma que durรณ muchas horas para poder captar el congelado completo de la bailarina. 2012, RICHARD CALMES.

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El

ballet, danza académica o clásica, es una

forma concreta de danza y también el nombre de la técnica correspondiente.

Según

las épo-

cas, los países o las corrientes y el espectácu-

lo, esta expresión artística puede incluir: danza, mímica, y teatro, personas y maquinaria.

l ballet o danza clásica, es el nombre específico dado a una forma concreta de danza y su técnica. Según las épocas, los países o las corrientes, el espectáculo coreográfico puede incluir: danza, mímica y música, decorados y maquinaria. También se utiliza el término ballet para designar la pieza musical compuesta, para que sea interpretada por medio de la danza. El Ballet está considerado como una de las Artes Escénicas. La técnica de la danza tiene una dificultad importante, ya que requiere una concentración para dominar todo el cuerpo, añadiendo además un entrenamiento en flexibilidad, coordinación y ritmo musical. Lo habitual, aunque no obligatorio, es que se aprenda con una edad temprana, para interiorizar y automatizar movimientos y pasos técnicos. Para realizar el calentamiento se utiliza una zapatilla de tela, o piel, con suela partida o completa, muy blanda y fácilmente adaptable. Cuando la experiencia, la condición física y la fuerza del bailarín ya lo requieren, se comienza el entrenamiento con las denominadas puntas de ballet. El vestuario debe ser cómodo y, sobre todo, debe dejar marcado el cuerpo para poder corregir y ver los movimientos del cuerpo, brazos y piernas.

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HISTORIA DEL

BALLET El ballet se originó a finales del siglo XV, a partir de los números de danza que se representaban en los festines de las cortes italianas. Estos elaborados espectáculos que desprendían pintura, poesía, música y danza, tenían lugar en grandes salas que se utilizaban tanto para banquetes como para bailes. Su contenido era normalmente alegórico-mitológico. Los ballets cortesanos italianos fueron ampliamente desarrollados en Francia. El Ballet cómico de la Reina, el primer ballet del que sobrevive una partitura completa, se estrenó en París en 1581. Fue creado por Beaujoyeux y bailado por aristócratas aficionados en un salón con la familia real sobre un estrado al fondo y los espectadores en las galerías de los otros tres lados del salón. Ello determinó el carácter de los futuros ballets cortesanos, que cristalizaron en el siglo XVII en las diferentes cortes europeas con sus presuntuosos vestuarios, decoración, fuentes artificiales, luminotecnia, etc. El ballet de corte alcanzó su cumbre durante el reinado de Luis XIV (1643-1715), cuyo nominativo de “Rey Sol” derivó de un papel que ejecutó en un ballet. Muchos de los ballets presentados en su corte fueron creados por el compositor italiano francés Jean Baptiste Lully y el coreógrafo francés Pierre Beauchamps, a quien se atribuye la determinación de las cinco posiciones básicas de colocación. En 1661, LUIS XIV FUNDÓ LA “ACADEMIA REAL DE LA DANZA” para maestros . La danza empezaba a configurarse como una disciplina profesional. En un primer momento solo los hombres podían participar, y los papeles feme-

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ninos los realizaban estos mismos disfrazados. LAS PRIMERAS BAILARINAS APARECIERON EN 1681 EN UN BALLET LLAMADO “EL TRIUNFO DEL AMOR”. La técnica de la danza en este periodo, recogida por Raoul Feuillet en su libro “Coreografía”, incluía pasos y posiciones todavía identificables. Se desarrolló una nueva forma teatral: la ópera ballet, que abarcaba el canto y la danza en una serie de danzas unidas por un tema común. Los bailarines del siglo XVIII se veían entorpecidos por los trajes, zapatos, pelucas y miriñaques, fue Marie Anne Camargo quien acortó las faldas y empezó a usar zapatillas sin tacón, para exhibir sus pasos y saltos. Su rival, María Sallé desechó el corsé y se colocó túnicas griegas para bailar “Pigmalión”. A pesar del virtuosismo de los bailarines franceses, los coreógrafos que trabajaban fuera de París consiguieron una expresión más dinámica en sus ballets. Fue John Weaver quien eliminó las palabras e intentó transmitir sentido dramático por medio de la danza y el gesto. En este sentido hay que destacar la figura de Jean Georges Noverre, cuyas Cartas sobre la danza y los ballets (1760) ejercieron una notable influencia. Para él, LOS MOVIMIENTOS DEBÍAN FLUIR NATURALES Y ARMÓNICOS. Noverre encontró una oportunidad para plasmar sus ideas en Stuttgart, Alemania, donde produjo por primera vez “Medea y Jasón”. Jean Dauberval, alumno del anterior, en su ballet “La fille mal gardée” (La muchacha mal custodiada, 1789) aplicó los principios de su maestro. La danza en puntas empezó a desarrollarse, aunque los bailarines se ponían de punta sólo unos instantes, ya que aún no se habían inventado las zapatillas de punta dura. El ballet "Las Sílfides", cuya primera representación tuvo lugar en París, inauguró el período del ballet romántico. María Taglioni, solista, interpretaba una criatura sobrenatural que es amada y destrozada de forma involuntaria por un mortal. Las sílfides inspiraron muchos cambios en los ballets de la época. También debemos mencionar “Giselle” (1841), con música de Adam y coreografía de Jean Coralli. El ballet romántico, sin embargo, no se inspiró exclusivamente en temas sobre seres de otro mundo.

2015, Richard Calmes.

Entre el ballet que vivía un proceso expansivo en Europa y la escuela bolera (danza académica española) surgió un importante vínculo. Los temas españoles comenzaron a estar de moda en los repertorios de los ballets. El gran Marius Petipa cristalizó la esencia española dentro del ballet clásico, produciendo entre 1847 y 1888 junto a Ivanov una serie de ballets y fragmentos de aire y estilo españoles que son verdaderas obras maestras. Pero en Europa el ballet empezaba a perder interés. Durante la segunda mitad del siglo XIX se produjeron pocos ballets destacables en la Ópera, uno de ellos Copelia. Rusia, sin embargo, sí que siguió con la tradición del ballet, gracias al coreógrafo Marius Petipa. Entre sus obras están los ballets quizás más conocidos: “La bella durmiente” (1890), “El lago de los cisnes” y “Cascanueces”, las tres en colaboración con Liev Ivanov, sobre MÚSICA DE PIOTR ILICH TCHAIKOVSKI. Petipa llegó a convertirse en un punto de referencia. Fokine hizo hincapié en la idea de la expresividad. Los Ballets Rusos,

fundados por S. Diaghilev con la colaboración del anterior, supusieron el inicio del ballet moderno. Supuso el resurgir de la figura masculina que había sido olvidada y la aparición de nombres como Vaslav Nijinski. La compañía creó un gran número de nuevas piezas, incluido un ballet de un solo acto de Fokine de temática oriental. Diaghilev contrató no solo a compositores y coreógrafos sino también a artistas, pintores, poetas y compositores de Europa occidental, como Pablo Picasso y Maurice Ravel, para colaborar con los ballets. George Balanchine, y el bailarín y coreógrafo ruso francés Serge Lifar abrieron nuevos horizontes al ballet. Aquellos artistas que habían colaborado en la compañía contribuyeron al florecimiento del ballet en Europa y América. Anna Pavlova, que bailó en las primeras épocas de los Ballets, creó su propia compañía. Fokine trabajó con el futuro American Ballet Theatre. Massine colaboró con el Ballet Ruso de Monte Carlo, compañía creada tras la muerte de Diáguilev. Dos antiguos miembros de los Ballets Rusos,

Marie Rambert y Ninette de Valois, colaboraron en la difusión británica del ballet. De Valois fundó la compañía que llegaría a ser el Britain’s Royal Ballet. Entre los años 1920 y 1930 comenzó a desarrollarse en Estados Unidos y Alemania la danza moderna. Martha Graham, Doris Humphrey y Mary Wigman, crearon nuevos estilos de movimiento con un progresivo acercamiento al realismo. Se amplió la capacidad de movimiento con un uso más libre del cuerpo. En la década de 1930, Massine inventó el ballet sinfónico, que trataba de expresar el contenido musical de SINFONÍAS DE LOS COMPOSITORES ALEMANES LUDWIG VAN BEETHOVEN Y JOHANNES BRAHMS. Balanchine comenzó a crear ballets abstractos. Jewels (1967) está considerado como el primer ballet de larga duración de este tipo. Durante los años 40 se fundaron en NY dos grandes compañías de ballet, el American Ballet Theatre y el New York City Ballet. En el siglo XX, se crearon compañías de ballet en Estados Unidos.

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En los años 50, las compañías rusas hicieron por primera vez representaciones en Occidente. La influencia rusa sobre el ballet ha sido inmensa. Encontrándonos con los famosos casos de deserción como Rudolf Nureyev, Natalia Makárova, y Mijaíl Baryshnikov, director del American Ballet Theatre de Nueva York, desde 1980 hasta 1989. En España hay que destacar la figura de Víctor Ullate, quien en 1979 se convierte en el director del Ballet Nacional de España. En 1987 Maia Plisiétskaia fue nombrada directora artística del Ballet Lírico Nacional. La incorporación del coreógrafo y bailarín español Nacho Duato como director artístico de la Compañía Nacional en 1990 ha supuesto un cambio innovador en la historia de la compañía, que ahora se ha alejado del ballet clásico propiamente dicho para acercarse de lleno a la Danza Contemporánea. Finalmente hay que DESTACAR EL ESFUERZO CUBANO EN EL DESARROLLO DEL BALLET CON SU “BALLET NACIONAL DE CUBA”, FUNDADO Y DIRIGIDO POR ALICIA ALONSO. El repertorio del ballet actual ofrece una gran variedad de estilos e influencias. Coexisten ballets modernos y los pertenecientes al repertorio clásico, aunque podemos decir que es la danza contemporánea la que está ganando actualmente el terreno.

Técnica

PRINCIPIOS FUNDAMENTALES El ballet clásico es una forma artística muy lógica. Está conformado por ejercicios, pasos, posiciones y poses para los que existe una terminología francesa. Los principios, reglas y protocolos determinan la forma en la que se ejecutan los ejercicios y pasos; estas reglas y protocolos distinguen al ballet de otras formas de danza. Su estructura teórica provee el marco, que aplicado correctamente logra el nivel clásico demandado por este arte. Los principios generales del ballet clásico incluyen los conceptos de alineación, rotación, distribución del peso, postura, transferencia del peso, colocación, elongación, compensación, contrabalance, aplomo y balance “EQUILIBRIO”. Aunque estos principios serán examinados individualmente, es necesario aclarar que en el transcurso de la clase se encontrarán siempre interrelacionados. Es difícil estudiar cualquiera de estos principios sin analizar su relación con los demás. El aprendizaje y aplicación de estos principios es un proceso progresivo. La asimilación intelectual y kinesiológica de estos principios enriquecerá la experiencia motriz de los alumnos permitiendo el desarrollo de una sólida técnica base.

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2010, Richard Calmes.

LA DANZA ES UN POEMA EN EL QUE CADA MOVIMIENTO ES UNA PALABRA

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2011, Richard Calmes.

Toma que durรณ muchas horas para poder captar el congelado completo de la bailarina. 2012, RICHARD CALMES.

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PRINCIPIOS AlineaciOn La alineación corporal puede definirse como una buena postura en su sentido más clásico. Una adecuada alineación corporal es la base esencial para desarrollar la técnica del ballet. Para el bailarín de ballet esta alineación integra constantemente la cabeza, el torso, los brazos y las piernas en una totalidad coherente, mientras el cuerpo se mueve a través del espacio o mientras se mantiene una posición. La alineación es un principio primario y dinámico que se mueve eficientemente como un todo y es sensible a los movimientos de sus partes. El cuerpo entero es como una estructura de bloques: si uno de los bloques está desalineado afecta el resto que esté por encima o por debajo. Una vez el cuerpo está desalineado, otras partes del cuerpo realizan compensaciones que causan aun mayor desalineación y eventualmente lesiones: todas las articulaciones mayores del cuerpo se pueden ver afectadas.

rotacion La rotación externa de las piernas es la característica más distintiva del ballet clásico; dicha rotación debe emanar de la cadera. El fémur rota por la acción de varios músculos, entre ellos seis músculos rotadores de las caderas: prirformis, abductor interno, quadriceps femoral, gemelo interior, gemelo superior y abductor externo. El control muscular de la pelvis, las piernas y el abdomen es esencial para mantener una correcta alineación del cuerpo y facilitar la rotación. La rotación se extiende a través de los muslos, las piernas y los pies, alineando las rodillas con la pelvis y los pies. La rótula estará por encima del segundo y tercer dedo del pie. El tobillo se encuentra perpendicular al suelo, de manera que el pie no ruede ni hacia dentro ni hacia fuera de sus bordes. La alineación vertical de las caderas, piernas, rodillas, tobillos y pies debe

ser mantenida ya sea con las rodillas flexionadas o extendidas. La rotación ideal es de 180 grados. Para el bailarín principiante la rotación debe ser natural desde las caderas, esta puede se entre 90 y 100 grados. Para mantener igual el nivel de rotación en ambas piernas se requiere una apropiada alineación y colocación del torso. La rotación natural deberá mejorarse mediante la aplicación de estos principios y de un adecuado control muscular. La rotación es un principio primario que se aplica a toda la técnica del ballet. El vestuario que los bailarines usaron mientras evolucionó el ballet llevó a que la rotación fuera la forma más eficiente y estética de moverse en todas las direcciones, permitiendo asumir cualquiera de las posiciones clásicas mientras se mostraban al público. La rotación por lo tanto es el sello característico del ballet clásico.

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DISTRIBUCION DEL PESO La distribución del peso del cuerpo es crucial en la conservación del equilibrio y del movimiento eficiente del bailarín. La alineación es de suma importancia para la correcta distribución del peso en uno o en los dos pies. A medida que el bailarín se mueve, el peso del cuerpo se está recentrando continuamente sobre uno o los dos pies. En la posición a pie plano los cinco dedos y la planta del pie soportan el peso del cuerpo. El peso del cuerpo se centra verticalmente sobre un área triangular. Dicho triángulo conecta el metatarso del dedo gordo, el quinto metatarsiano y el tobillo. El bailarín debe trasladar el peso hacia los metatarsianos, ya sea que se encuentre apoyado en los dos pies, en relevé. En relevé, el peso del cuerpo se encuentra sobre los metatarsianos y los cinco dedos del pie. El peso debe centrarse verticalmente entre el segundo y tercer metatarsiano para prevenir que el pie se ruede hacia dentro o hacia fuera; de esta manera el arco longitudinal del pie se encuentra perpendicular al suelo.

TRANSFERENCIA DEL PESO La acción de trasladar el peso de dos pies a uno, o de uno a dos, requiere una postura correcta. El bailarín hace que la transferencia del peso se vea sin esfuerzo. Respirar con el movimiento, usar la rotación y estirar el cuerpo hacia arriba permiten que los cambios de peso se vean fluidos y sin esfuerzo. Ser capaz de ejecutar los cambios de peso es crucial para el logro de un suave cambio de apoyo y de las direcciones que constituyen una parte esencial del ballet. Antes de realizar un cambio de peso de dos pies a uno, el cuerpo se estira ligeramente hacia arriba y hacia el lado de la pierna de apoyo en dirección diagonal entre las piernas y la pelvis. El peso se traslada completamente a los metatarsianos de la pierna de apoyo. Al regresar el peso a las dos piernas se debe trasladar de nuevo el peso y distribuirlo correctamente entre ambos pies.

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colocacion La colocación se refiere a la conservación de los hombros y las caderas en el mismo plano y paralelas la una a la otra en relación con el suelo. Este principio le permite al bailarín incrementar la claridad y la precisión en el manejo de las direcciones mientras las piernas se mueven en las distintas direcciones. El torso en ballet funciona como una unidad y ha sido percibido generalmente como inmóvil, lo cual no es cierto. En realidad, el torso se mueve sutilmente en relación con el fraseo de la respiración de los movimientos y las combinaciones. La colocación del torso provee estabilidad durante el desplazamiento de la pierna que trabaja, mientras la pierna de apoyo se estira hacia arriba. La sensación kinestésica del torso de un bailarín y la colocación llegan a ser más importantes cuando se integran con cambios de direcciones en la barra y en el centro. Cuando las piernas se levantan del suelo en las distintas direcciones se involucran usualmente ajustes en la cadera y en la columna. Cuando la pierna de trabajo se extiende hacia delante, la pelvis y la columna comienzan a moverse después de 60 grados. El movimiento de las piernas al lado se limita aproximadamente a los 45 grados y atrás el movimiento a los 15 grados. La idea de la colocación es engañosa debido a la estructura anatómica del cuerpo. El bailarín siempre tratará de mantener la línea horizontal de la cadera nivelada, siempre con la imagen de las caderas enfocadas al frente en el plano horizontal y buscando que la estabilidad, la distribución del peso y la compensación trabajen en conjunto.

SERBA Festival 2011, Richard Calmes.

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2010, Richard Calmes.

elongacion del torso Alongarse a través de las piernas, por medio del estiramiento de las mismas desde el suelo, involucrando la musculatura abdominal y elevando el torso por encima de las caderas, constituye un importante elemento técnico que contribuye a definir la estética del ballet. Cuando apoyamos una o ambas piernas en el piso, estas se estiran hacia arriba a través de la pelvis, para mantener el máximo de su longitud. El bailarín involucra los músculos abdominales elevándolos hacia arriba, desde el hueso púbico hasta el esternón, aumentando la distancia entre las costillas y las caderas. Esta acción acompaña simultáneamente un estiramiento hacia debajo de la columna por el plano posterior hasta el suelo, para mantener el control de las curvaturas de la columna. Estas acciones opuestas levantan y centran perpendicularmente el torso, consecuentemente permitiéndoles a las piernas moverse libremente mientras el cuerpo parece flotar por encima de ellas. El uso correcto de la elongación le permite al bailarín verse ligero y con la capacidad de poder desafiar la gravedad con menor esfuerzo.

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compensacion Este concepto está relacionado con las fuerzas opuestas que encontramos interviniendo constantemente en el cuerpo. La gravedad y el peso corporal ejercen una fuerza hacia abajo; los músculos proveen de la fuerza que compensa esta otra permitiéndonos permanecer erguidos. Cuando se disminuye la tensión excesiva de los músculos por medio de una correcta alineación postural, el bailarín puede ejecutar sus movimientos con mayor facilidad. La respiración se hace más fluida y el cuerpo funciona eficientemente. Para cada acción debe existir una reacción opuesta e iguall, cuando realizamos un movimiento hacia abajo el cuerpo deberá estirarse hacia arriba antes de descender. En la técnica del ballet, el bailarín intenta no hundirse o dejarse vencer por la gravedad. Si movilizamos la pierna de trabajo adelante o atrás, el cuerpo tenderá a moverse hacia delante o hacia atrás. Estas acciones se presentan usualmente en los hombros, las caderas o en ambas. La compensación impide que perdamos la colocación y elongación del cuerpo.

aplomo El aplomo es la línea vertical imaginaria que se utiliza para evaluar la alineación y el centro vertical del bailarín. Visto de frente en primera posición de ballet, la línea de aplomo, también llamada línea central, se desplaza desde la parte superior de la cabeza, a través de la mitad de la nariz, boca, mentón, esternón, ombligo, pelvis y el punto medio de los talones, así se forma una línea recta por todo el cuerpo. Visto de lado, la línea de aplomo desciende desde la parte superior de la cabeza pasando por el frente del oído, a través de la parte media del hombro, cadera y rodilla para caer finalmente en frente del hueso del tobillo. Durante la ejecución de movimientos que trasladan el peso de dos pies a uno o de uno a dos, el balance, la postura, la transferencia del peso y el aplomo deben aplicarse de forma integrada. Cuando el bailarín moviliza todas las partes de su cuerpo constantemente, debe realizar ajustes para mantener el cuerpo alineado. El aplomo le permite al bailarín moverse verticalmente hacia arriba y hacia abajo en el espacio con confianza y gracia.

balance o Equilibrio El ballet considera el equilibrio desde el punto de vista anatómico y estético. El balance es un principio dinámico que el bailarín trata de percibir en todo su cuerpo, ya sea en una posición estática o durante el movimiento. Para estar en equilibrio, el bailarín constantemente reajusta las relaciones internas de una o más partes del cuerpo, ya sea mientras se conserva una pose, se desplacen las distintas direcciones o se gire. Para lograr el equilibrio sobre uno o dos pies, es necesario integrar las sensaciones de los conceptos de rotación, elongación y alineación en una totalidad integrada, y así todo resultará más eficiente. Estéticamente, el bailarín selecciona las proporciones correctas del cuerpo para todas las diversas posiciones, mostrando la armonía de sus partes en infinitas relaciones. Para mejorar su equilibrio, el bailarín asimila la ejecución correcta de los ejercicios y los pasos en las diferentes posiciones del ballet. Estas posiciones son el marco a través del cual fluyen los movimientos del ballet otorgándole a este arte su plasticidad característica.

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Emily Corgan, Anna Edens y Anne Souder tomando clase de streching.

BAILAR ES COMO SOÑAR CON TUS PIES 2016, Richard Calmes.

2010, Richard Calmes.

-CONSTANZE 2016, Richard Calmes.

No, la electricidad estática no está involucrada en esta toma! Abigrace comenzó esta actitud inclinándose hacia adelante con su cabello casi tocando el suelo. Hizo muchas cosas a la vez: se levantó rápidamente en punta, levantando su pierna trasera y sus brazos en esta hermosa posición de arabesque y echó la cabeza hacia atrás haciendo que su pelo volara. Lo hicimos varias veces antes de que este!

2010, Richard Calmes.

reglas y protocolos os principios generales del ballet clásico incluyen los conceptos de alineación, rotación, distribución del peso, postura, transferencia del peso, colocación, elongación, compensación, contrabalance, aplomo y balance o equilibrio. Estos principios se encontrarán siempre interrelacionados en el transcurso de la clase. Su asimilación permitirá el desarrollo de una sólida técnica de base para el alumno.

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2016, Richard Calmes.

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trabajo en

la Barra l trabajo en la barra es de suma importancia para el alumno principiante, pues es allí donde se adquiere inicialmente la técnica y los principios del ballet. En la barra, el alumno aprende ejercicios y posiciones, aplicando las reglas y protocolos derivados de la tradición. El aprendizaje de las preparaciones, los patrones de los ejercicios y las técnicas de respiración son aprendidas en la barra y constituyen las bases para el posterior trabajo en el centro. El propósito de la barra difiere dependiendo del nivel del bailarín. El bailarín principiante depende de la barra en una medida mayor, pues ésta le ayuda a controlar el peso de su cuerpo, antes, durante y después de los ejercicios. Frecuentemente el bailarín principiante regresa a la barra para aprender y practicar movimientos y pasos frente a ella antes de intentarlos en el centro. El término barra tiene dos significados: En primer lugar, el objeto de madera o metal que va pegado a la pared o portátil, que usan los bailarines de ballet para aprender los movimientos o para prepararse para bailar; y en segundo lugar, los ejercicios realizados durante la primera parte de una clase de ballet. La barra actúa como un estabilizador y ayuda a soportar el peso de manera que la pierna que trabaja pueda aprender los movimientos. Este soporte le permite al alumno principiante concentrarse en la correcta ejecución de los movimientos. Los ejercicios de la barra calientan progresivamente las distintas partes del cuerpo, desarrollan fuerza e incrementan la flexibilidad. Estos ejercicios buscan: aumentar la temperatura en los músculos, desarrollar la técnica, preparar al bailarín para el trabajo de centro y la coreografía y permitir la aplicación de los principios para el trabajo en la barra y en el centro. La práctica repetida de los movimientos básicos constituye la principal base técnica para el perfeccionamiento de un bailarín. La ejecución precisa y clara de estos movimientos son los factores que determinan la ejecución de pasos y combinaciones en el centro, esto hace parte de la elaboración y el desarrollo de una sólida base técnica. Existen dos posiciones fundamentales en la barra: “mirándola”, es decir, colocándose frente a ella, también llamada en algunos casos, primera fase; y con una sola mano en la barra, es decir, de lado a ella o segunda fase. Todos los movimientos se aprenden en un principio en primera fase, con las dos manos sobre la barra

Kiley Casciano 2008.

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trabajo en el centro La segunda parte de la clase de ballet es el centro, el que se realiza, como su nombre lo indica, en el centro de la sala y sin la ayuda de la barra. En el centro, el bailarín posee una mayor libertad de movimiento para desplazarse a través del espacio. En el trabajo de centro deberán aplicarse todos los principios básicos aprendidos en el trabajo de barra. En el centro, el bailarín deberá concentrarse en:

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APRENDER EL VOCABULARIO DE LOS PASOS BASICOS.

EJECUTARLOS CORRECTAMENTE

INCORPORAR UNO A UNO LOS PRINCIPIOS DEL BALLET. REPETIR LOS EJERCICIOS DE BARRA EN EL CENTRO.

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MOVIMIENTOS SUAVES Y LENTOS DENOMINADOS “ADAGIO”. SALTOS CON EL NOMBRE DE “SAUTÉS O ALLEGRO”. PASOS, MOVIMIENTOS Y POSES DE CONEXIÓN INTRODUCTORES. GIROS INICIALES CONOCIDOS COMO “PIROUETTE” O “PIRUETAS”.

2010, Richard Calmes.

Nicole Ranieri, 2008.

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as combinaciones para los principiantes son cortas y generalmente contienen de uno a tres movimientos diferentes. Mediante la práctica de estas breves combinaciones el estudiante desarrolla precisión en la técnica y confianza. Los principios del ballet clásico deben ser también aplicados en el centro. Esto le permite al bailarín moverse con mayor facilidad y control durante la ejecución de las diferentes combinaciones de pasos. Los protocolos del ballet dictan como debe proceder el alumno en el centro para ejecutar los componentes del centro. Estos protocolos le dan al ballet su formalidad tradicional que a su vez constituye uno de sus rasgos clásicos más característicos. Algunos son el resultado de tradiciones que datan de siglos pasados y otros se han desarrollado para mejorar el procedimiento de la clase. Los protocolos del centro siempre están relacionados con la forma en la que el bailarín se presenta ante el público. Algunos de los protocolos en el centro son:

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PREPARAR POSICIÓN DE BRAZOS, CABEZA, Y PIERNAS ANTES DE LA EJECUCIÓN DEL MOVIMIENTO. DEFINIR DIRECCIÓN DE LOS PASOS.

PREPARAR BRAZOS “PORT DE BRAS” PARA CADA MOVIMIENTO. FINALIZAR LAS COMBINACIONES Y MANTENER LA POSE FINAL. EJECUTAR LA REVERENCIA AL PÚBLICO ACABANDO LA COREOGRAFÍA

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ballet en

el mundo

Paris, en donde surgió la primera compañía de ballet profesional: “LA COMPAÑÍA DE BALLET, EL BALLET DE OPERA DE PARIS”.

El predominio francés en el vocabulario del ballet refleja esta historia. El Ballet Teatral pronto se independizó del arte, aunque todavía mantiene con frecuencia una estrecha relación con la ópera, y de igual forma se desarrolló desde el centro de Europa a otras naciones. El Ballet Real de Dinamarca o mejor conocido como Royal Danish Ballet y el Mariinsky Ballet del Imperio ruso fueron fundados en el año 1740 y comenzó a tener más fuerza, después del año 1850. En 1907, el ballet ruso, a su vez se regresó a Francia, donde el Ballets Russes de Sergei Diaghilev y sus sucesores fueron muy influyentes.

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Pronto el ballet se dio a conocer en todo el mundo con la formación de nuevas empresas, entre las más famosas del mundo son: LONDRES EL ROYAL BALLET, BALLET DE SAN FRANCISCO, AMERICAN BALLET THEATRE, EL ROYAL WINNIPEG BALLET, THE AUSTRALIAN BALLET, EL BALLET DE NUEVA YOR, EL BALLET NACIONAL DE CANADÁ Y EL DELHI BALLET.

Durante el siglo XX, los estilos de ballet continuaron desarrollándose fuertemente, obteniendo una influencia más fuerte en la danza de concierto y la teatral. En Estados Unidos, por ejemplo el coreógrafo estadounidense George Balanchine desarrolló lo que hoy se conoce como el ballet neoclásico, estilos posteriores han incluido ballet contemporáneo y el ballet post-estructural.

Lisa Sheppard R. 2009.

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Aisha Mitchell 2010, Richard Calmes.

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Kylie Morton 2011.

El ballet se originó en el Renacimiento durante una ceremonia en Italia. Se dice que el ballet fue parte de las bodas aristocráticas, en donde había músicos y bailarines con el fin de proporcionar un elaborado entretenimiento para todos y cada uno de ellos. El ballet del Renacimiento es muy diferente a la forma de entretenimiento teatral conocido por el público contemporáneo. La coreografías se adaptaban a los pasos de baile de la corte. Los bailarines intérpretes vestían con la moda de la época. Las mujeres debían ponerse vestidos formales que cubrían sus piernas hasta el tobillo. A principios del ballet era muy participativo, debido que la audiencia se unía a bailar en el baile final. Domenico da Piacenza fue uno de los primeros maestros de bai-

2009, Richard Calmes.

le. Junto con sus alumnos Antonio Cornazzano y Guglielmo Ebreo, fue entrenándose en la danza, enseñándoles a sus estudiantes la belleza de la danza. Da Piacenza dejó un pieza llamada: De arte saltandi et choreus ducendi la cual fue producido por sus alumnos. En 1489 Gian Galeazzo Sforza, duque de Milán, se casó con Isabel de Aragon, en Tortona. Para la boda, se llevó a cabo una elaborada pieza de baile coreografiada por el maestro italiano Bergonzio di Botta. LAS DANZAS ESTABAN VINCULADAS A LA NARRATIVA DE JASON Y DE ARGONAUTS, ADEMÁS CADA BAILE CORRESPONDÍA A PLATILLO DIFERENTE DE LA CENA. TRISTANO CALCO DE MILÁN ESCRIBIÓ SOBRE EL EVENTO, Y LO CONSIDERÓ COMO UN ESPECTÁCULO IMPRESIONANTE.

Renacimiento

italia y francia CONTINUÓ TOMANDO FUERZA CON LA ESTRUCTURA FRANCESA DEL BALLET DE COUR, QUE CONSISTÍA DE BAILES SOCIALES INTERPRETADOS POR LA NOBLEZA DEL LUGAR.

Cuando Catherine de’ Medici, una aristócrata italiana con interés en las artes, se casó con el heredero de la corona francesa, Henry II, trajo a su pasión por la danza a Francia y obtuvo apoyo financiero. Catherine de’ Medici’s apoyó con los objetivos de la política y de la corte, los cuales por lo general se organizan en torno a temas mitológicos. El ballet continuó tomando más fuerza 2015, Richard Calmes.

con la estructura francesa del Ballet de cour, el cual consistía de bailes sociales interpretados por la nobleza acompañados con música, interpretaciones verbales, poesía, el canto, desfiles, decoraciones y vestuarios. La primera pieza del ballet de cour fue el Ballet de Polonais. Esta pieza de ballet se realizó en 1573 con motivo de la visita del embajador de Polonia. Fue coreografiada por Balthasar de Beaaujoyeulx y contó con la presentación durante una hora con dieciséis bailarinas, cada una de la bailarinas representaba una provincia francesa con sus vestuarios distintivos.

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la corte del baile siglo 17 “francia” El Ballet se desarrolló como una forma enfocada en la interpretación del arte en Francia durante el reinado de Louis XIV, quien era un apasionado de la danza. Pierre Beauchamp, la persona que creó las cinco posiciones de los pies y las posiciones de los brazos en el ballet, era profesor de baile personal del rey y su socio favorito en el Ballet de cour durante el año de 1650 y los próximos. En 1661 el rey Louis XIV, tuvo la determinación de establecer una nueva escuela de baile llamada, ACADÉMIE ROYALE DE DANSE. Beauchamp fue nombrado Intendente des ballets du roi y en 1680 se convirtió en el director de la academia de baile, cuyo cargo ocupó hasta 168.

Jean-Baptiste Lully, un italiano violinista, bailarín, coreógrafo y compositor, se unió a la corte de Luis XIV en 1652, tomó un papel importante en la dirección que el ballet tendía en el futuro, la pieza llamada Sun King para el monarca francés, se originó en la interpretación de Louis XIV en la coreografía de Lully llamado Ballet de la Nuit (1653). Esta pieza de ballet fue espléndida ya que contó con una escena en donde una parte de la case fue quemada, también incluidas las brujas, hombres lobo, gitanos, pastores, ladrones, y las diosas Venus y Diana. La principal contribución de Lully a esta pieza fueron sus composiciones matizadas. Su comprensión de movimiento y la danza le permitió una co-

2012 , Richard Calmes.

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reografía inigualable, realizando una fusión con los arreglos musicales y los movimientos de los bailarines. Lully, también colaboró con el escritor francés Molière. En 1669 Louis XIV fundó la Académie d’Opéra con Pierre Perrin como director. Louix XIV se retiró en 1670, en gran parte, debido a que aumentó mucho de peso. En 1661 fundó la escuela Adacemie Royale de danse, Beauchamp fue el primer bailarín de ballet profesional, tenía un gran conocimiento de la Ópera y creó las coreografía de la primera porducción de la nueva empresa, Pomone con un arreglo musical de Robert Cambert. Después de Perrin se fuera en bancarrota, el rey reestableció la ópera como una rama muy importante de la academia y puso como director a Lully. Beauchamp fue uno de los principales coreógrafos, Lully, junto con el libretista, Philippe Quinault, crearon un nuevo concepto llamado tragédie en musique, en donde cada acto contaba con un espectáculo de intermedio, el cual era conocido como divertissement. El divertissement eran pequeñas presentaciones de ballet durante los intermedios de la obra. En casi todas su creaciones Jean-Baptiste Lully creo una fusión de arreglos musicales y drama con elementos francés e italianos. Su trabajo dejó un legado que definiría el futuro del ballet. La profesionalidad de las compañías de ballet se convirtió en la cuna de una nueva generación de maestros de ballet y de bailarines. EL PRIMER MAESTRO DE BALLET DEL TEATRO NACIONAL Y DE ÓPERA REAL DE HUNGRÍA FUE EL FRIGYES CAMPILLI, QUIEN TRABAJÓ EN BUDAPEST POR 40 AÑOS.

Siglo 19 a bailarina se convirtió en el intérprete de baile más popular en Europa durante primera mitad del siglo. Sucedió una gran transformación, puesto que hubo una disminución de popularidad entro los bailarines. En muchas obras, los héroes de ballet eran interpretados por mujeres, como el personaje principal de “Pantomime”. La profesionalidad de las compañías de ballet se convirtió en la cuna de una nueva generación de maestros de ballet y de bailarines. Viena tuvo una gran influencia en los que practicaban ballet. El siglo 19 fue un período de grandes cambios sociales, lo cual también se vio reflejado en el ballet puesto que se comenzaba a perder las sensibilidades aristocráticas que había dominado durante tantos años en el ballet romántico. Bailarinas como Geneviève Gosselin, Marie Taglioni y Fanny Elssler experimentaron con nuevas técnicas tales como el trabajo en punta.

TAGLIONI ERA CONOCIDA COMO LA “BAILARINA CRISTIANA”, YA QUE SU IMAGEN ERA LIGERA Y PURA, ASOCIADA CON SU PAPEL EN LA PIEZA LA SYLPHIDE. Ella fue entrenada por su padre Filipo Taglioni. En 1834, Fanny Elssler llegó a la Ópera de París y se convirtió en la Bailarina Pagana, debido a sus buenas cualidades de poder interpretar la danza “Cachucha”, la cual la hizo famosa. Maestros como Carlo Blasis codificaron esa técnica de ballet que aún se usa hoy en día. Entrando al sigo 20, el ballet ruso entró en pleno auge, continuó su desarrollo bajo el dominio soviético. Quedaba poco talento después de la revolución, pero esa pequeña porción de talento hizo que se expandiera a las otras generaciones. A mediados de la década de 1930 la nueva generación de bailarines y coreógrafos apareció en escena. Se promovió la perfección en la técnica y la precisión en la danza.

2009, Richard Calmes

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estados

unidos

ras el traslado del Ballets Russes a Francia, el ballet comenzó a tener una influencia mucho más amplia, particularmente en los Estados Unidos Americanos. Desde París, Fokine fue a Suecia y luego los EE.UU. y se estableció en Nueva York. Él creía que el ballet tradicional ofrecía más que movimientos bonitos y una exhibición atlética, exigía: drama, técnica, muvha expresión y una autenticidad histórica. El coreógrafo tuvo que investigar el contexto en el cual él se encontraba y así decidió rechazar el tutú tradicional y propuso una tendencia de vestuario más contemporáneo.

Coreografió “Scheherazade” así como “Cleopatra” y de sus piezas más famosas fue “La muerte del cisne”, interpretada por Anna Pavlova. Más allá de sus talentos como bailarina, Pavlova tenía el potencial para llevar a cabo las demandas que Fokine tenía en el momento de coreografiar la rutina de ballet. La leyenda cuenta que Pavlova se identificó tanto con el papel de cisne que ella pidió que cuando muriera la vistieran con el disfraz del cisne. George Balanchine desarrolló una de las mejores técnicas en América cuando abrió la escuela en Chicago, y en Nueva York. Adapto el ballet a los nuevos medios de comunicación.

En 1967, las Joyas de Balanchine rompieron con la tradición narrativa, puesto que en vez de dramatizar un trama se dedicó a dramatizar un tema. Esta nueva idea encajaba con lo que se proponía en Estados Unidos de buscar la libertad de pensar y expresarse. Hoy en día, grancias a Balanchine, el ballet es uno de los bailes mejor perservados en el mundo. Barbara Karinska era una inmigrante rusa, la cual colaboró con Balanchine para mejorar el arte del diseño de vestuario. Ella introdujo el corte llamado “bais cut” y un tutú clásico que permitía al bailarín tener mayor libertad de movimiento. al ejecutar los pasos.

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SIGLO 20

MODERNISMO

Ballets Russes Trajo el ballet a Paris cuando él abrió su compañía, Ballets Russes. Estaba compuesto por bailarines de la comunidad francesa que habían sido exiliados de la Revolución Rusa. Diaghilev y el compositor Igor Stravinsky fusionaron sus talentos para traer el folklore ruso a en “El pájaro de fuego” y “Petrushka” con coreografía de Fokine. Otra coreografía de Diaghilev fue dada a Nijinsky. Su primera pieza de ballet fue L’apres-midi d’un Faune (Afternoon of a Faun) con música de Debussy. La presentación con más controversia del Ballets Russes fue “The Rite of Spri”, coreografiado por Nijinsky con música de Stravinsky. La música moderna de ballet, las nuevas posturas de los pies y el tema de los sacrificios humanos creo en el público un sentimiento de desagrado. Después de la “edad de oro” de Petipa, Michel Fokine comenzó su carrera en San Petersburgo , pero se mudó a París y trabajó con Diaghilev y los Ballets Russes. El Ballet ruso continuó su desarrollo bajo el dominio soviético. Quedaba poco talento después de la revolución, pero esa pequeña porción de talento hizo que se expandiera a las otras generaciones. Después de un estancamiento en la década de 1920, a mediados de la década de 1930 la nueva generación de bailarines y coreógrafos apareció en escena. Se promovió la perfección en la técnica y la precisión en la danza. Agrippina Vaganova, quien fue entrenado por Petipa y Cecchetti, encabezando la Academia de Ballet Vaganova. Esta escuela fue diseñada para entrenar a bailarines para el Ballet Kirov en San Petersburgo/Leningrado. El ballet obtuvo una buena posición en el gusto del público. Las compañías de Moscow Bolshoi y la de St. Petersburg Kirov fueron muy populares en el público.

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Algunas piezas de la época tuvieron un gran impacto como la de “Romeo y Julieta” producido por Prokofiev y Lavrovsky. La pieza, “Llamas de Paris”, muestra todas las facetas del arte realista socialista. La pieza “Fuente de Bakhchisara” con música de Boris Asafiev y coreografía de Rostislav Zakharov fue todo un éxito. El ballet reconocido de “La Cenicienta”, en la cual Prokofiev creó la música, también fue creación del ballet soviético. Durante la era soviética, estas piezas en su mayoría eran desconocidas. Sin embargo, después del colapso de la Unión Soviética estas piezas obtuvieron una gran popularidad. En 1999 se llevó a cabo el estreno de la pieza “The Fountain of Bakhchisarai” por el Ballet Kirov en Nueva York. La era soviética del ballet ruso puso mucho énfasis en la técnica, el talento y la fuerza. Se exigía la fuerza para todos los nuevos bailarines occidentales novatos. Cuando se ve los archivo que se pudieron recuperar, se pode ver la gran técnica y talentos de bailarines como Galina Ulanova, Natalya Dudinskaya y Maya Plisetskaya y coreógrafos como Pyotr Gusev. Las empresas rusas, en particular después de la Segunda Guerra Mundial, tuvieron muchas presentaciones alrededor del mundo.

neoclasico Se dice que George Balanchine fue el primer pionero de lo que hoy es conocido como ballet neoclásico, utilizando un estilo de danza entre el ballet clásico y danza contemporánea de hoy. Tim Scholl, autor de “De Petipa a Balanchine”, consideró a la pieza “Apollo”, 1928, para ser el primer ballet neoclásico. “Apolo” representa de una forma la respuesta que el coreógrafo Serge Diaghilev tenía. “Apollo” y otras obras aún se realizan hoy en día, sobre todo por el Ballet de Nueva York. Frederick Ashton es otro coreógrafo prominente asociado con el estilo neoclásico. Tres de sus obras se han convertido en piezas muy reconocidas en el repertorio internacional: Sylvia ( 1952 ), Romeo y Julieta (1956), Ondine (1958 ), y Margot Fonteyn.

2015, Richard Calmes.

Erin Sipsy 2008.

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contemporáneo

na bailarina que tuvo como maestro a Balanchine y absorbió gran parte de este estilo neoclásico fue Mikhail Baryshnikov. Tras el nombramiento de Baryshnikov como director artístico del American Ballet Theatre en 1980, trabajó con diversos coreógrafos modernos, sobre todo con Twyla Tharp. Tharp coreografió “Push Comes To Shove” para ABT y Baryshnikov en 1976. En 1986 creó “In The Upper Room” su propia compañía. Ambas piezas fueron consideradas innovadoras para el uso de movimientos modernos y por el uso de zapatos de punta. Ahora los bailarines estaban utilizando la técnica del “ballet contemporáneo”. Tharp también trabajó con la empresa Ballet Joffrey, fundada en 1957 por Robert Joffrey. Ella coreografió Deuce Coupe para esa compañía en 1973. En donde se utilizó música pop y una mezcla de técnicas modernas de ballet. El Ballet Joffrey continuó realizando numerosas obras contemporáneas, las cuales muchas fueron coreografiado por Gerald Arpino. Hoy en día hay muchas compañías contemporáneas con una técnica más innovadora y con coreógrafos con nuevas rutinas. ESTAS NUEVAS COMPAÑÍAS INCLUYEN AL BALLET DE MADRID, ROYAL BALLET DE FLANDES, ALONZO REY Y SU COMPAÑÍA, ALONZO KING LINES BALLET, NACHO DUATO Y COMPAÑIA NACIONAL DE DANZA, WILLIAM FORSYTHE,

quien ha trabajado extensamente con el Ballet Frankfurt y en la actualidad trabaja en The Forsythe Company. Actualmente es el director artístico de Nederlands Dans Theatre. Tradicionalmente las compañías “clásicas”, como el Ballet de Kirov y el Ballet Ópera de París llevan a cabo con regularidad obras contemporáneas.

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a dag i o El ball e t clĂĄsico en su mayor esplendor

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